畑中雅美:編集者に脇役は称賛されるが主人公については「好感度が低い」と指摘されて、悩んでいる。 その理由を自分なりに分析した結果「主人公は良い人じゃないといけない」と思い込みすぎてる面がある、とのことなんですが… この文章はつまり…あなたが良い人のつもりで描いた主人公が、第三者（編集者）が読むと「好感度の低いキャラ」に見えている、という問題が起きてるってことでしょうか？ でもその後「私はどちらかというと悪役や性格が悪いキャラに惹かれますが、自分の好みと「主人公らしさ」の両立が難しいと感じてます」とあるので、これは…どっちなんだろう？？ あなたは性格が悪いキャラに惹かれるので、悪役を主人公にしてしまうが、「担当編集は「主人公は良い人じゃないといけない」と思い込みすぎてるので、好感度が低いと言ってくる」と分析してる、自分の好みと主人公らしさの両立ができないということでしょうか？ 「誰の思い込みなのか」というのは、この質問の大事な部分です。 なぜなら、そこが解らないと、あなたの悩みが「好きな悪役を主人公にして、好感度を得るにはどうしたら？」なのか？ それとも「脇役は気兼ねなく性格の悪い人間を出せて、担当に褒められる。が、主人公は自分の好みとは違って性格のいい人にしたいと思って描いているのに、編集者には逆に好感度が低いと言われてしまう。でも主人公は良い人を描くべきと思いが強く、悩んでしまっている」のか迷ってしまいます。 あなた自身の思い込みなのか、編集側なのか、この文章を読む限り確信が持てません。 ここから類推するに、あなたに起きている編集者とのエラーは、 主人公像の問題ではないのでは？ 新人あるあるの 「考えたことが正確に伝わる作品になっていない」 という技術面から起こっているエラーな気がします。 たとえば、友達と好きな漫画の話する時と、親とか先生など、とにかくその漫画をよく知らない人に話す時のことを想像してみてください。 友達との間では「私が来た！」って言うだけで笑ってくれるのに、先生には「は？」みたいな顔されるって想像つきますよね？ それと同じで、相手が自分と同じ前提知識がないと伝わらない話というのは多々あります。 あなたにとって、誰が思い込みを持っているのかはわかりきったことなので、わざわざ書く必要がないことかもしれませんが、私はそんな前提知識は持っていないので、教えてもらわなければ理解できません。 悪役を好きとのこと。 ・もし悪役を主人公にしていて、編集から好感度がないと言われていた場合 なぜその悪役をあなたが好きだと思っているのか、その魅力をしっかり読者に教える作りになっているか確認をしてください。 もしくは、性格が悪いヤツだが、この後の展開でデレることをあなたは想定していて、その展開を知っているから「好き！」と思ってしまっているなら、読者はその前情報を知らないので、序盤は単なる嫌なヤツである、ということは認識してください。 そして、しっかり「悪役」として表現できているかの確認をしてください。 嫌なヤツなのに、作者が「こいつは実はいい奴になるんだ」という前提知識・バイアスがかかってるせいで、良い人として表現してしまうと、逆に読者側は「なんでこんなヤツをヒーローみたいに扱うの？不快なんだけど！」と作者の考えごとツッコミを入れたくなるような作りになってしまっている可能性もあります。 漫画は読者の「感情」を揺さぶるエンタメです。 読者が「ツッコミをいれたくなる」という気持ちに、作者のあなたがわざとさせるのは良い。 でも、意図せずそういう感想を抱かせてしまったなら、そのネームには技術的なエラーが起きています。 悪役をしっかり悪い奴として演出していれば、「好感度が低い」なんていう感想は出てきません。 好感度なんて最初から狙ってないキャラだからです。 なぜ編集者から見て、その主人公は「好感度が必要なキャラ」に見えてしまったのか？ その理由をしっかり分析してください。 ・もし主人公は良い奴でなければ、とあなたが思い込んでいる場合 四の五の言わず、まずは描いてみる癖をつけてください。 「こういうのしか書けない」「ダメと思っているが、似たようなものばかり描いてしまう」という新人さんは、基本的に「実験」「試し描き」「トライ＆エラー」という概念がインストールされてません。 死ぬわけじゃなし、試しに描いてみればいいんですよ。 編集になにか言われそうで見せられない（見せたくない）という思いから、描かない人もいますが、それなら編集に見せないつもりで、まずは描いてみてください。 「実験」として、色んなパターンを書いてみる。 本当に好きなものを描くのは「恥ずかしい」と感じる新人さんは、沢山いらっしゃいます。 「宝物」だからこそ、それを他人に見せるのが怖い。 でもね…「作家」という職業は、誰でも描けるもので続けていくことは難しいです。 マニュアル貰って皆と同じことをして、指示された通りに仕事をし、作業量に応じてお金を得たいなら、サラリーマンになることをおススメします。 どんなに怖くても、作家になると決めたからには、 あなたが心から面白いと思うもので勝負しないと。 どちらがあなたの悩みだとしても、常に自分の技術力に目を向けてください。 もしも「勇気を出して大好きなものを発表したのに、それが読者から否定された」なら。 「ああ、私の好きなものは間違っているんだ」 と新人さんは高速でそんな考えに行きつくんですが、それは間違いです。 「私の好きなものの良さを、読者に伝えられなかった！」 その技術の拙さに思いを馳せてください。 「ごめんね、失敗した。次は絶対魅力を伝えてみせる」 そう思うようにしてください。

畑中雅美:子供に1＋1を教える時に、「2進法と10進法で答えが変わるんだよー」と伝える人はほぼいないと思います。 それと同じで、世に溢れる作劇術には「レベル」「段階」が存在して、最初に知るべきことと、理解が深まってから意識した方がいいことがあります。 プロセスエコノミーなんて言葉が語られて久しいですが、ラーメンでも映画でも、「どうやって作られたのか？」という情報も含めて味わう顧客が増え、漫画の世界でも制作過程を語ることは経済合理性があり出版社も作家さんも丁寧にお披露目する時代です。 読者や消費者にとっては、「大変な労力」「余人では実現不可能な特別な技術」などで作られた作品だと知ることは購買の動機になるので、売り手側は当然「どこが特別なのか」を披露しようとします。 すると当然、新人作家さんにとって「自分の実力ではまだ気にしなくてもいい作劇術」を最初に目にする可能性が生まれます。 前置きが長くなりました。 あなたが一生懸命実行している「キャラのバックグラウンドや設定を考えること」は勿論必要です。 が、おそらく今つまずいているのは、それより前の段階です。 つまり、今のあなたはバッググラウンドや設定をまだ考えなくていいです。 10時間煮込んで作ろうが、不味いラーメンは不味いと言われてしまうように、 どれだけ設定を作ろうが、そもそも魅力的に見えないキャラは、「キャラが弱い」と言われてしまいます。 作劇術を意識するあまり、「読んでて楽しい」とか、「自分はとにかくこんな人間が好きだ！」「これを魅力的だと感じる！！」っていう感性を、蔑ろにしてしまっている状況かと思います。 が、まず一番最初に出す必要があるのは、 「問答無用の魅力」なんです。 表情でも、ポーズでも、セリフでも、状況でもなんでもいい。 あなたがワクワクする一コマを書いてください。 え！このキャラ最高なんだが！！！ この設定天才か！！！ と一コマで思わせることができるレベルのキャラや状況を出せたら、 それでもう編集は「いいキャラ（設定）ですね！」って言いますよ！！ まず、それを出して、その一コマを膨らませていく。 なぜ、このキャラクターはこんな魅力的なセリフをいうのか？ それはこんな過去があったからではないか。 二人にはこんな関係があったのかも。 この世界は、こういう仕組みなのかも？ …など、バックボーンをしっかり作っていく。 バックボーンから作るのではなく、人が魅力的に見える「瞬間」から作っていってみてください。 簡単だが美味しい料理を作るように、まずは魅力的なワンシーンを作ってみてください。 そこが入り口で、その後に、バッググラウンドを掘っていく作業があると意識してください。 おそらくですが、色々考えすぎて、もう自分の好きなものがなにかも見失ってる可能性があります。 そういう時は、急がば回れで、描くよりもまずは子供の頃に大好きだった漫画を読み返してみてください。 分析をやめて、自分のワクワクをまずは抱きしめてください。 年末年始で実家に帰ってる方などいましたら、ぜひ子供の頃のノートなどを見返してみてください。 投稿作などもぜひ！ 「下手だ」とか自分を批判せず、自分の「好き」を肯定することから2026年を始めてみてください。 いい年になりますように！ 今年もよろしくお願いします。

畑中雅美:この悩み実は、新人さんの連載の打ち切り原因トップ５に入るあるあるですね…。 大前提として、「作者として書いてみないと解らない（or気が済まない・気持ちが悪い）シーン」と「読者に読ませる必要があるシーン」の見分けがついていないと無駄にページ数が長くなります。 見分けがつくようになるには、プロの作品で使われている素晴らしいテクニックに気づく目を持つ必要があります。 たとえば大ヒットしている映画『国宝』は3時間もありますが、 「観客に見せる必要のないシーン」は徹底的にカットされていました。 物語序盤、ヤクザの息子である主人公の少年・喜久雄が、父の死をきかっけに名門の歌舞伎役者の家に引き取られることになります。 その家には同い年の御曹司・俊介がいるのですが、喜久雄を一目見たとき、俊介は怪訝そうな顔をします。 観客はその表情を見て「あ、仲違いするのかな…」と思うわけですが、 そこから数年後に時間が一気に飛び、ヤクザの息子である喜久雄と、歌舞伎の御曹司・俊介はすっかり親友になっています。 つまり、「最初は色々あったかもしれないが、後に二人は仲良くなる」という過程のシーンは描かれなかったのです。 鑑賞後、二人が大好きになった気持ちで振り返ると、「二人の間になにがあったのか観たかったな…」と思う人も少なくなかったかもしれません。 が、物語全体を通して考えた時、序盤に必ず 「天真爛漫に芸に打ち込み、仲良くしていた少年時代の二人」は絶対にしっかり見せる必要があり、 それに比べると「最初は仲違いしていたが後に仲良くなる」というシーンは必要ありませんでした。 なぜなら、その後、二人は決定的に袂を分かつエピソードが控えていたからです。 そして、二人はもう一度手を取り合う流れ。 つまり、超弩級の「仲違いしていたが、後に仲良くなるエピソード」がこの数十分後に待っているわけで（漫画の長期連載などでもっと時間が空くならともかく）、小規模の同じようなシーンは「観客に見せる必要のないシーン」だったわけです。 さて。 読者や観客に見せる必要のないシーンが存在するというのは解ったとして、 ここからが創作の難しいポイントなのですが、 「読者には見せる必要のないエピソードだが、作者として書いてみないとキャラクターの関係性がつかめないエピソード」というのが存在するのです。 一番よくあるのは、キャラクター達の出会いやなれ初め、設定とかですかね。 描いてみないと作者自身が解らない部分だから、どうしても描きたい。 それを描いて初めてキャラに入り込めるようになったから、作者にとっては大切なシーン。 これはね、だから絶対描く必要があるわけですよ。 が。 これこそが、新人さんの連載で 「最初が全然面白くなかったせいで人気が出なかったけど、数話目からめっちゃ面白くなったのに、打ち切りになってしまって勿体なかった…！」 という事案が発生する原因です！！！ 作者が話を理解するために、エピソードを実際に描いてみる必要があるなら、それは絶対に描かねばなりません。 が、そのエピソードを読者に見せることで物語が停滞するなら、それは読者に見せる必要がない。 解りますか？ 創作の過程において、 「作者にとって一度描いてみる必要があるが、本編からはカットした方がいいエピソード」というものが存在してるんですよ！！ 絵を描く時にも、人体の骨や関節、重心といった「描かない部分」を意識して描く必要があるじゃないですか。 あれと同じで、キャラの人間関係やその物語の世界を描くために、作者はその関係性やどうしてこの世界はそんな制度になっているのかなどの土台を理解している必要がある。 「理解するために一度描く必要があるけど、それ自体を話の中に入れ込む必要のないもの」 これがあるんですよ。 『助走ネーム』と私は呼んでいます。 世の中にはプロットやキャラ表のみで連載の骨組みを作り、助走ネームなど描く必要がない作家さんは沢山います。 が。 自分の頭の中にある骨組みを知覚するために、脳から降ろしてくる作業というか、描いてみて初めて自分が考えていたことがハッキリ解る！というタイプの作家さんも一定数いるんです。 言葉ではなく映像でものを考える所謂ビジュアルシンカー系の方に多い印象です。 「描いてみたら思いのほか長くなってしまった！」 「エピソードにどれぐらいのページ数が必要か見当もつかない」 なんて感じてらっしゃる新人さんがもしこれを読んでいたら、一度「自分は助走ネームが必要なタイプの作家かも」と思ってみてください。 助走ネームの存在に気付くと、 ストレスを感じることなく、連載を作るための助走エピソードを描くことが出来るし、その上で「どこから始めるのが一番面白いかなー」と考えることが出来るようになります。 が、自分が描いているエピソードがあくまで助走だと気付いていないと、 連載のために100ページ以上描いたのに編集者から「設定説明ばかりで話が始まってない」と言われてショックを受けたり、 読み切りを描いても「ページが長い割に、やっと面白くなりそうなところで終わってしまった」など言われて傷ついてしまいます。 ページ数がないと面白いものが描けないということは絶対にありません。 試し読みの5頁読むだけでも、面白い作品は面白いじゃないですか。 誤解して欲しくないのは、70ページを描いてはいけないと言ってるわけじゃないです。 長くても全然いいですよ。 例に出した『国宝』だって3時間あるわけで。 ただ、プロの漫画家の描く70ページは、最初の35ページだけでもべらぼうに面白い出来になってるってことを理解して欲しいのです。 「とてつもなく壮大な物語が描きたいのでページ数が必要なんです」という場合でも同じです。 連載になった時に、何話目から面白くなるつもりですか？ 「5話目からです！」なんて言ってたら、打ち切りまっしぐらです。 人気作は１話目冒頭からめちゃくちゃ面白いですよね。 1話だけで素晴らしい作品として成立している。 １話目から読者をつかんで離さない。 プロの作家を目指すなら、1ページたりとも読者を退屈させてはいけないんです。 助走ネームは一旦描いても必ずカットする必要がある。 そうやって一切の不要を廃し、磨き上げた35ページ、ないし70ページならば、編集者や読者にこう言われると思いますよ。 「この続き、読ませてください！！」 それがあなたがプロの連載作家になる瞬間です。

畑中雅美:主人公の心理を読ませて読者をワクワクさせることはしたくない、それ以外のところでワクワクさせたい…ということならば考えるべきことは明確で、描こうとしている「仕事の中身」や「場所の面白さ」などでワクワクさせればいいだけかと思います。 「仕事の中身は平凡なので、そこはワクワクポイントではないです」 「場所とっていも、一般的な場所でワクワクしません」 「出会う人も普通です」 …などと言われてしまうと、そもそもなぜその設定にこだわるのか分かりません。 読者がワクワクするマンガを描きたいと言いながら、ワクワクする話を描こうとしてないってことですから。 大前提として解って欲しいのは、ワクワクといっても人それぞれです。 スプラッタにワクワクする人もいれば、悪趣味だと眉をひそめる人もいる。 ラブストーリーもそうです。 イケメンが出てきてときめく人もいれば、鼻白む人もいる。 だから、書く上で一番難しいことは、作家自身がまずなににワクワクするのか、それをしっかり理解することです。 あなたはそもそも、あなた自身がワクワクするものがなにかをまだ理解していないのでは？ そのせいで、ワクワクするお話が描けない。 そういう場合は、描くよりもまずは読んだ方がいいです。 とにかく大量のエンタメを摂取してください。 読みまくってください。 なににワクワクしたのか、どういうシーンが好きだったか。 逆に、なにをつまらないと思ったのか。どういうシーンはワクワクしなかったのか。 自分自身の「心の個性」をまずは認識してください。 「このワクワクを書きたい」と具体が決まったら、それを最大出力させるためのテクニックは存在しています。 が、それがまだ解ってないレベルなのに、他人をワクワクさせようと考えても、一向にワクワクするものは描けません。 作家という職業は、自分の頭の中で考えた面白いことを、読者に見せてあげて、それでお金を貰う職業です。 読者が面白いと思っている感情に媚びてヨイショするのが仕事ではなく、読者に面白さやワクワクを与える職業です。 だから、最初の一歩は、作家自身がワクワクすることが肝心です。 １：自分にとってのワクワクがなにかを、まず掴む。（←ここが最初！） ↓ ２：自分がワクワクすることを、他人にも好きだ、面白いと思われるために、どういう伝え方をすればいいか？その技術力を磨く この順番で考えることがとても大切なんです。 順番が逆になってしまうと、途端に創作が苦痛になり、読者や世間のせいにするなど不毛な底なし沼に思考が落ち続ける地獄にはまるので、本当にご用心を…！

畑中雅美:説明パートをどう見せるのか？は、作品のアイディアの見せ所です。 以前も書いたことがありますが、福山雅治さん主演の『ガリレオ』シリーズの1期では、物理についての説明パートは湯川先生にスカッシュをさせていました。 ドラマ『相棒』でも、右京さんの紅茶の入れ方が印象的ですが、あれも「説明パート」（必要だが、立ち話でやってしまうと退屈になってしまうシーン）を出来るだけ絵的に面白くするための工夫でもあり、キャラクター性を見せることもできる一挙両得のシーンとなっています。 逆を言えば、「説明パート」を「立ち話」で退屈しないように見せるというのは基本的に難しく、あなたが特別苦手なわけではありません。 立ち話が成立している場合は、たとえば河川敷やプールサイド、夕焼けで照らされた放課後の教室、瀟洒な邸宅…などなど、絵になる場所を使っていることが多いと思います。 （もちろん、表情の変化や立ちポーズの美しさで魅せることが出来る先生もこの世にはいますが…） これは漫画の基本的な技術そのもので、説明パート以外も、場所・時間・表情・佇まい・動きの面白さ・演出などなど全てを使ってシーンを作る必要があります。 会話劇が単調と気付けたのは、漫画が上手くなる大きな一歩です。 おそらくこれまで、他のシーンでは無意識に演出や動きの面白さを入れることができていて、いちいち場所や演出方法について考えたことがなかったのでは？ それはあなたに才能やセンスと呼ばれるものが備わっている証拠ですが、これからはぜひ全てのシーンに演出が必要なのだと考えてみてください。 色々凝るのは楽しいし、あからさまにレベルが上がるのでワクワクする作業ですが、 作家さんによっては、考えるべきことの多さに圧倒されてしまって、逆に思考が停止してしまう方もいます。 そいう場合は、まずは「ロケハン」の意識を持つだけでもいいと思います。 このシーンを、どこで撮るのか？ 映画監督になった気持ちになって、ロケ場所を考えてみてください。 それだけでも、漫画が飛躍的に上手くなると思います！！

畑中雅美:この情報だけで判断するなら、少年一択です。技術がまだ低いことを自覚されていて、今の自分の実力で一番いい出来になる方法を取りたい、というあなたの望みがはっきりしているので話が早いですが、受け身の主人公と、能動的な主人公だと、能動的な主人公の方が圧倒的に魅力的に描きやすいです。 少年は、自分で動いてますよね。塔に侵入するのは一体どういう理由かわかりませんが、なんらか彼には動機、目的があり、動いたことで、運命の出会いをする。 そうやって自分の考えで、人生を変えていく人間というのは、読者に魅力が伝わりやすいです。 なぜなら、そうやって自分で動ける人間というのはこの世には少なく、たとえバカなヤツだったり、ズルいヤツだったとしても、立ち上がり模索し動き続けるヤツというのは、魅力的に映りやすいです。 かたや、受け身な主人公、誰かが来て「反応」、誰かがなにかをやったことに「感想」を述べる主人公というのは、飽きずに読ませ続けるには技術力が必要です。 受け身の主人公のことを、「裁判官」とか「リアクション芸人」と私は呼んでいますが、こういう誰かが起こした事件について「反応」していく主人公というのはつまり、周りの行動や起きている事象に対して「良かったのか」「悪かったのか」「嬉しいのか」「悲しいのか」などなど、リアクションジャッジして読者に説明していくキャラ、つまり「狂言回し」の役回りになる構造を持っています。 受け身なキャラの持つ構造なので、あなたも「キャラクター同士のちょっとしたやり取りや人間関係のドラマの肉付けにあたる部分は少女を中心にしたものばかり思いつく」わけです。 2人が出会っていく事件や人々に対して「なにか良いことを言ってあげたり」、「助けるべきか」「怒ってケンカすべきか」などというジャッジを少女がしているんでしょう。 そういう主人公が輝くのは、基本的には大量の人間が出てくるような話の時ですね。 色んな価値観を持った人間が出てきた時に、全キャラのことを「こいつにはこういう魅力がある」と俯瞰した見方を読者に提案するための主人公として立つならワークしやすいです。 が、今回の場合は「双子」がメイン、つまりマンツーが基本の話なので、そこで狂言回しを主人公にしてしまうと、むしろその「相手への毎回のジャッジ」「待ちの姿勢」が読者から見ると鬱陶しいものになりやすいです。 勿論全ては技術力次第ですが。 今の設定が、技術の低さから来ていることも自覚して欲しいのでさらに書き進めますが、本来は、能動的に動く主人公を「ジャッジ」もできるキャラにした方が圧倒的に魅力的になります。 ワンピースのルフィなどが最たる例ですね。 彼は能動的に動き、彼の哲学でジャッジもする。 優しさとはなにか、勇気とはなにかを、彼は自分の考えを語る。 対して、新人作家さんの多くは、尾田先生がルフィ―ひとりに持たせたキャラの魅力・役割を、いくつものキャラに分割して付与し、それぞれを薄くしてしまいがちです。 今回の双子が出会う、というのも、少女の方はただ待っているだけで出会っている時点で、分割してしまっている可能性を感じます。 物語の都合でそうなっているだけで、少女にキャラが付与されず、自動的に「受動的キャラ」になっていないか確認を。 私がもし担当なら、「難しくても、能動的なこの少年にも哲学あり、自分の考えをしっかり語れる魅力的な主人公にしましょう」と言うと思います。 そして「この少女の行動原理を考えましょう」と伝えると思います。 塔に行ったから、塔にいる少女と出会うのではなく、お互いに別々のやりたいことや事情、望みがあり、動くことで、運命の片割れと出会って欲しい。 天空の城ラピュタで、シータがパズーと出会ったのは、彼女が飛行船から逃げたからです。 少年は、運命に抗う少女と出会い、彼女を助けたいと思い、どこまでも助けにいく。 塔の中で出会ってもいい。 でも、塔の中で「なぜそういう出会い方をしたか」そこに2人の能動性、キャラがある状態まで引き上げて欲しい。 せっかくの双子設定を、一人の人間の魅力を2つに分けるようなことはしないで欲しい。 それぞれを単体で魅力的に作り、その魅力的な2人が出会うとそれぞれの魅力がさらに倍増する作りをしっかり考えて欲しいです。

畑中雅美:自分の手は肉眼で見ることが出来ますが、自分の目を見るには「鏡」を使わないと無理ですよね？ じゃあ「鏡」は「目」より優れているのか？と問われれば、当然そんなわけはない。 「鏡」は便利で必要なものですが、あくまで「目」を助けるもの。 「目」が「作家さん」だとすると、「編集者」はあくまで「鏡」です。 作家さんにどれほど素晴らしい才能があろうが、自分の顔を見るには「鏡」が必要なように、「自分の漫画が読者から見てどういう感想の作品になっているのか」を「描いた本人」が正確に理解するのは難しいです。 理由はいくつもありますが、一番は「情報量」「前提知識」の違いですかね。 読者と同じ気持ちになって、描いた漫画の情報を全部忘れて真っ新な状態で自分の漫画を読むということは頭が良い人ほど難しいです。 だから「他人」である「編集者」が読むんです。 編集者にあれやこれや指摘されて「なぜ自分で気付かなかったんだ…！」と思う必要は一切なくて、 読者目線でどう見えているかの確認のために編集者に読ませている、 編集者を使う、 という意識で受け止めるのが一番現実に沿った考え方かなぁと思います。 ただある程度漫画に対して言語化出来る方が、創作の上で助かることも多いので、自分の漫画ではなく、まず他人の漫画を読んで「光る部分」「良い部分」を見つける練習はぜひやるといいと思います。 「ダメなところ」を探して腐すのは正直めちゃくちゃ簡単で、素人でも出来ることなので、とにかく「上手い部分」を探してください。 上手い漫画を沢山読んで、目を肥えさせる、自分のOKラインを上げることは非常に有益かと思います。 また言語化というのは、慣れも大事です。 編集者がペラペラ話す理由は、同じような内容をこれまで何度も話してきて、「こういう言い方をした時、一番作家さんに理解してもらえたな…！」という経験値のおかげだったりします。 才能なんかじゃなくて、シンプルにトライ&エラーの数が作家さんより多いという理由なので、たとえば打ち合わせで最近読んだ漫画の面白いところ、新しい気づきを必ず一個話す、というのをしてみるのもいいと思います。 私も現場の編集者時代によく「最近、なにか面白い作品ありました？漫画でも映画でも…」と作家さんに聞いていました。 漫画の言語化力というより、その作家さん自身が「私はこういうものを面白いと思う人間なんだ！」という根幹を見失わないために、言葉に出してもらうことを大事にしていたからです。 ありとあらゆる意味で有益かと思うので、編集じゃなく友達やSNSでもいいので、ぜひ面白い漫画について話す機会を持ってみてください。

畑中雅美:うーん…小中学生ぐらいならともかく、大人が「〇〇してくれなかった」と言ってショックを受けるのって…一刻も早くマインドセットをし直さないと、人生棒に振っちゃうと思いますよ。 「描きたいものを聞かれなくなった」んじゃなくて、あなたが「描きたいものを話してない」んですよ。 自分は誰にも話しかけてないくせに、他人が自分に話しかけてこないと「話しかけてもらえなかった！」と泣く子供と同じですよ。 そういう寂しい経験をして「誰かが最初に話しかけなきゃいけないんだから、私が話しかける人になろう！」と考え主体的に行動できる大人に育っていくわけですが、他人に依存し他人が期待通り行動してくれないと「今日も誰にも話しかけて貰えなかった…」と恨みごとをいう子供のままでいると人生地獄行きです。 だってなにもしないのに他人が期待通り動いてくれる世界なんて、起こりっこないですからね。 世の中は常に真っ暗、嫌な人ばかりに見えてしまう。 あなた目線では編集者が酷くて話を聞いて貰えないように見えているということはよく解りますが、私はあなたの文章を読んで、他人の意見ばかり気にして、自分の意見を一切言わない人、自分で考えましょうという当たり前のことを言われてショックを受ける人、という印象を受けました。 とあるスポーツ漫画を描くように言われたとのこと。 なぜ自分の意見を言わず、「本気で全国優勝を目指すのか」「ゆるくコメディ調なのか」「どういった方向を求められているのか」を聞いたんですか？ 聞きたかったなら勿論聞いてもいいです。 一番大事なのは、それに対して編集は「それはそちらが考える事」と返答した部分です。 「突き放された返答」と言いますが、 これって「あなたが考えていい」という意味で、 まさにあなたの望む「描きたいものを聞いてくれる状況」ってことじゃないですか。 こういうネタはどうですか？と振ってはくれるけど、 こう描けと強要はされてない。 むしろ編集の言う通り描きたいという言動をしているのはあなたの方で、 担当の「こういうものを描きましょう」という提案に沿って考える流れを作っているのもあなたです。 「話の案すら問われることはなくなり」とありますが、 あなたは、打ち合わせの時にプロットを持っていってますか？ 描きたいものを聞いて欲しいんですよね。 じゃあ、描きたいものを実際書いて見せないと。 なじみのないスポーツを提案されて嫌だったなら、自分の好きなテーマの話を書いて持って行けばいいじゃないですか。 担当者は資料を用意しなかったとのこと。 …私ももしかしたら用意しなかったかもしれません。 だって、あなたがそのスポーツにあまり乗り気でないことが解るので、資料を渡すことで書けと強要してしまうんじゃないか…と感じるので。 本気で書きたくなったら、ご本人から知りたいことが出てくるので、その時に渡せば良い…と思うでしょうね。 どちらにしろ担当者はずっと、どんなテーマならあなたは興味を持って主体的にアイディアを出し描けるようになるのか…ということを模索し、色々ボールを投げかけているように読めます。 「いや、書き方が悪かったけど、本当に強要してくるんです！！」 という状況だったとしても、あなたがやらなければいけないことは同じです。 自分の意見は、伝える。 人から聞かれようと聞かれまいと、自分から言わなきゃいけないんです。 人に無視されようと、自分から言わなきゃいけないんです。 それをやらない限り、他人が期待通り動かないことに文句を言っている子供と同じで、世界が真っ暗に見えてしまうと思いますよ。 マインドセットを意識的に変えてみてください。 あなたの担当者は、 コンペに落ちて目先では仕事の予定がない作家と、 打ち合わせの時間を設けて、 そのたびにネタを振ってきてるってことですよね。 万が一、あなたが私の予想通りろくにプロットを出してないなら、 それでも打ち合わせの時間を設けてるってよっぽどですよ。 自分からネタを振らないと打ち合わせが始まらない状況の中、 長らく担当し続けてるってことになりますからね。 しかも、あなたの憧れの雑誌の編集者が。 あなたが心から描きたいと思った作品じゃないからコンペに落ちてると思っていて、あなたが主体的に描きたいと感じる題材が見つかるのをずっと探してくれてる。 よほど期待されてない限り、ここまではしてくれない。 私の目線では、あなたの人生はこう見えています。