- English follows Japanese -
「KICK BACK」2は作らない。米津玄師、新モードの到達点「IRIS OUT」
「どうにも間に合わずツアー中に（『IRIS OUT』の）制作が延びちゃって。これまでの経験上、『ツアー中に曲を書くと大変なことになる』ってわかっていたつもりなんだけれども、どうしようもなかったっていうところがありましたね」
米津は「IRIS OUT」制作の苦戦について、こう振り返る。今回は、主題歌とエンディングテーマの2曲の依頼。映画制作陣からは “90年代”などのキーワードが提示されたが、最終的には米津に一任されたという。しかし、米津は先に取りかかった「IRIS OUT」作曲に思わぬ難航があったという。
「『KICK BACK』 2になっちゃいかんなっていう気持ちは、すごく強くありました。どう差別化するかっていうのは気を遣った部分でもあるし、いろいろやっていくうちに森の中に迷い込むみたいな感じでした。やっぱり同じテーマというか、同じ原作に対して、また違う曲を作るっていうのはだいぶ難しいことなんだなというのを、初めて実感したっていうのはありますね」
すでに「チェンソーマン」という作品全体に対して「KICK BACK」を作りきったからこその難しさがあるのだろう。
「今回はあくまでその『レゼ篇』というところに特化させた形にする必要があるなと。『KICK BACK』はどっか複雑怪奇なニュアンスがあって、ジェットコースターみたいな感じの曲になったんです。であれば、今回の『IRIS OUT』は、一直線にフリーフォールみたいにドンっと始まって、バッとそのままいって、パッと終わる。そういう“直線的な潔さ”みたいなものが出せたら差別化できるんじゃないかなとか、考えてました」
「IRIS OUT」はまさしくそんな楽曲に仕上がった。驚くほどのエネルギーをキャッチーなリズムとメロディーに乗せ、多彩ながらも凝縮された楽曲構成で駆け抜ける、圧巻の2分28秒。米津玄師の楽曲の中でも、インスト曲「おはよう」を除けば最短となる。
さらに見逃せないのは、「自分が音楽をやり始めた頃の喜びみたいなものを再び取り戻したい」と発言し、その想いがかたちとなった、2025年の前シングル「BOW AND ARROW」「Plazma」との連続性だ。作詞、作曲、編曲すべてを単独で手がけることで“創作の原点”に立ち返っている点。そして頭拍を強調したソングライティングからは、「IRIS OUT」がそうした“モード”の最新型であるように感じられる。
「まさにその意識で作りましたね。『頭（拍）からいかに逃げないか』っていうところが、ここ1年の曲はだいぶ意識が強くて。少なくとも歌の面に関しては、『IRIS OUT』がそれが一番極まった形になったのかなと思いますね。そういう意味で、満足感っていうのは、すごいあります。子どもの頃、自分が音楽好きになった最初の頃って、拍の頭に比重がある歌なり音楽なりが、すごい好きだった記憶があるんですよね。そこからズラされると『なんでこれあえてズラしてるんだろう？』みたいなことを素朴に思っていたのを、なんか覚えてるんです。いろんな音楽の経験を経て、音楽の最初──自分にとっては一人で打ち込んでたり、MTR（マルチ・トラック・レコーダー。多重録音を可能にする音響機材）を買ってきて一人で何度も録音したりっていう、そういうところに一回立ち戻りたいなっていう気持ちがあったんですよね。そこからたどり直してみて、『自己模倣になるのか、また別の道に進んでいけるのかどうか』っていうのも含めて、そういうことをやってみたいっていう気持ちがあり。『BOW AND ARROW』と『Plazma』と『IRIS OUT』は、その一連の流れになっているような気がしますね」
「地球儀」（宮﨑駿監督の映画『君たちはどう生きるか』の主題歌）が収録された2024年のアルバム『LOST CORNER』、とりわけタイトル曲には、一つのピークを超えた先の清々しさと寂しさ、それらが渾然一体となった感覚があった。やはり「地球儀」の影響はそれほどに大きかったのだろうか？
「思い返してみると、『地球儀』が一番大きかったというか。宮﨑さんの映画の主題歌を作るっていうのが、非常に光栄なことではあるんだけれども、同時にそれを目指して音楽をやり始めたわけではないんですよね。けれども『これで終わりなんじゃないか』みたいなのを強く思ったのは事実としてあって。これから先も音楽を続けていくためには、一度『そういえば自分って、どういうところから始めたっけ』っていうところに立ち戻ってみないことには。そういう悲痛に駆られてたって感覚はあるかもしれないですね」
原点、初期衝動。言い方はさまざまだが、GQの「地球儀」リリース時のインタビューで、米津が次のように話していたことを思い出した。
“自分の中を遡っていった時に最終的に残るのは、『子どもの頃に、何かを見てしまった』ってことに尽きるんじゃないかって”
思えば『Plazma』のMVは、米津玄師自身が主人公の子どもにとっての「何か」になるかのような作品でもあった。たしかに悲痛に駆られての試みだったかもしれない。しかし、そこから生まれた「BOW AND ARROW」と「Plazma」、そしてこの「IRIS OUT」は、米津玄師が新たな領域に踏み込んでいることを感じる傑作だ。
その上で、今回「IRIS OUT」で注目したいのは、ジャズ起源のスウィング・フィールを取り込んだエレクトロニックサウンド。いわゆる“エレクトロ・スウィング”的な肌触りも帯びている点だ。
「作ってる最中は全く意識がなくて。作り終えて『エレクトロ・スウィングっぽい』って言われた時に、そこで初めて気づくっていうか『確かに言われてみればそうだな』っていうぐらいの感じだったんですよね。個人的には、精緻に構築していくのではなくて、バーっと直線的に行って表現する“パンクっぽさ”みたいなものを意識してたんです。一回歪んだギターを入れてアレンジしてた時もあったんですけど『パンク（そのもの）をやりたいわけではないな』って感じになって。その代わりピアノという楽器が、レゼの持つ蠱惑的な感じというか、レゼの性愛的な武器を使ってデンジのことを惑わすところに似つかわしいんじゃないかなと。結果として、ピアノの印象や歴史みたいなものが、エレクトロ・スウィングっぽさみたいなものに変わっていったってところがあるんだろうなって思います」
筆者が「IRIS OUT」を通して改めて過去作を遡ると、ハチ時代にはこうした曲が多かったと感じられた。それに対して米津はこう応じる。
「確かに（笑）。『最初からもう一度』っていうことをさっき話しましたが、たどり直してもそうなるよねっていうところは、感じましたね。そこからやって来たっていう事実を再確認するというか。『そういう人間だよなぁー』と改めて思い直す機会にはなったなと」
デンジと“推し”、主題歌という“不思議な存在”への想い
「IRIS OUT」のサビで繰り返される言葉は「どうしよう」。これは劇場版『チェンソーマン レゼ篇』でデンジがレゼの誘惑によって、マキマという女性への想いに対して湧き上がる逡巡を連想させるものとなっている。
「 “性愛的感情”とか“衝動”みたいなものが道徳との間で揺れ動くっていうのが、すごく大事だなと思いつつ、今はそういうものを表明することに対して、すごい忌避感があるようになってるところがあって。そこと向き合わないことには、むやみやたらと暴力的な曲になってしまう気がして」
「個人的に、“性欲みたいなものに対して忌避感を抱く”ことの、そこの周辺にあるのが“推し活”とかそういう営みな気がするんですよね。改めて『“推し”ってなんだろう？』って考えてみたところ、近年では推しの対象が広範に渡り過ぎているので、あくまでアイドルとかそういう存在に限定して言うと、ルネサンス期における神話画とか宗教画みたいな存在として扱われているというか。同じような性質があるんじゃないかなって気がするんです」
ルネサンスの神話画や宗教画で描かれる神々は、裸だ。美術史の研究において、それは「触れてはならない神聖さ」と「抗いがたい肉体性」を同時に立ち上げ、観る者の欲望を制御しつつも喚起する“装置”としての役割も指摘されてきた。
「アイドルって、たぐいまれなる努力をして、歌だったりダンスだったりそういう身体的な技術を高めたりとか、美しい顔とか身体を磨いていくことによって成立する職業であって。『触れるのもおこがましい』っていう“神様”みたいな側面がありつつも、同時にやっぱり性愛的な特徴を宿していないと…っていうのは、事実としてあると思うんですよね。推し活をしている人がそのどちらを受け取るかは人それぞれだと思いますし、もちろん推しを性愛的な目線でみつめていないという人も多分にいるというのは大前提の上でです。なので、その両義性を“社会的な営み”として恥ずかしくないように脱臭した結果、出来上がった言葉が“推し”なんじゃないかと」
これは劇場版『チェンソーマン レゼ篇』にハッキリとシンクロした主題歌であると同時に、SNSをはじめ衝動を刺激する情報に満ちた現代社会そのものを描いた楽曲であるようだ。世の中では考察ブームが続き、SNSでは“解釈の悪魔”と称されるほど作品解釈力の高さが評価される米津玄師だが、主題歌性とスタンドアロンな楽曲性、そのバランスについてどう考えているのだろうか。
「そう言われると、すげー天邪鬼なもんで『ちょっとやだな』とか思ったりもするところもあるんですけど（笑）。でも、主題歌っていうものを長年いろんなところで作らせてもらって、アニメに100%即したものを作るべきなのか、あるいはそこから離れたニュアンスがあった方がいいのかっていうのは、いまだに自分自身あんまりよくわかってないところがあって……。でも、むやみに答えを出さなくてもいいのかなって気もしてはいるんですよね。もちろん、原作なりアニメなり映画なりがなければ話自体始まらないし、物語に即してなきゃ大前提いけないとは思います。けど、それはそれで、全部そこに100%当てはまってしまうと、どっかで何かが閉じちゃうような危惧もあるんですよね」
「自分の世代って若い頃にアニメの主題歌が物語と何の関係もないっていうことがよくあったんですよね。自分が小学生ぐらいのころ、夕方に『学校の怪談』のアニメがやってたんですけど、ED曲の『Sexy Sexy』という曲がアニメ本編に全く関係ない歌詞すぎて度肝を抜かれました。当時の自分のような子供からすれば、関係がなさすぎて逆に面白いという評価になり、放課後になるとみんなその歌を歌ってるような状況になっていたのを覚えています。それより昔はもっとアニメと主題歌って渾然一体としていたけど、そうじゃなくなったのが結構当たり前になった世代だったんですよ。なので『そうじゃないからこそおもしろいな』って感覚が子供の頃に養われている感じがあって。なので、そのままで（答えを出さないで）いいのかなっていう自分の中の逡巡につながっている。かっきり答え出しちゃうと、それもなんかおもしろくない。答えを出すことに必然性を感じてない。微妙でいい。そういう感じがありますね」
「主題歌って、一番最後にやってきて矢面に立つっていう“変な役割”だなと思うところがあって。“居心地の悪さ”というとアレですし作り方にもよるとは思いますけど、アニメの制作物の中に居場所があるけど、その制作陣の輪の中ではものすごく遠い、客観的な位置にいざるをえない。だとすれば、物語を客観的な位置から見て、どこかしら“異物”として存在することによって、ちょっとだけ作品が立体的になる。そういう効果があってもいいのかなっていう気持ちになることはありますね」
楽曲の立ち位置という視点で言えば、今回の「IRIS OUT」は米津玄師作品の中でも異色と言える部分がある。それが劇場版『チェンソーマン レゼ篇』作品本編の音声がサンプリングされて、楽曲内で使用されている点だ。
「（レゼのボイスは）最初は乗っていなくて。映画の予告編があまりによくできていて。長年主題歌とか作ってきて思うのは、予告にもセンスや技術みたいなものが必要だということ。今回の予告はその意味でも非常によくできているのを感じて。『ボン』とか、レゼの声がちょうどよくそこにハマっていて『これ以上ないな』と思ったので、『だったらそれ拝借していいですか？』って無邪気にそう思ったっていう感じです」
“本質的なズレ”が生む効果。宇多田ヒカルと「JANE DOE」
「IRIS OUT」と対をなすエンディングテーマが「身元不明の女性」を指し示す言葉を冠した「JANE DOE」だ。
「自分がこの言葉を最初に知ったのがどこかを思い返すと、デヴィッド・フィンチャーの映画『セブン』で『JOHN DOE（ジョン・ドウ）』という言葉を知って、調べたらその女性名詞バージョンもあると。この曲自体が『セブン』から直接的な影響を受けたわけではないんですけど、ふとそれを思い出して、自然とこの曲においては『このタイトルしかないな』っていう感じになりました。とっかかりになったのはサビの歌詞で。裸足のまま割れたガラス片が散らばってる場所を歩いていくと、足の裏が傷つけられて血まみれになって、それが赤い足跡として遠くまで続いているっていう光景が思い浮かんで。それを軸に広げていったっていう感じがありますね」
さらには米津玄師としては珍しい「8分の6拍子」を採用した楽曲でもある点は見逃せない。
「『レゼ篇』のエンディングを考えた時にパッと思いつくのは、ふたりでワルツを踊ってるようなニュアンスだったんです。けど、そこからいろんな紆余曲折があって。放課後の遠くから聞こえるブラスバンドみたいな『ある意味での“青春感”みたいなものがある、象徴的な曲を作った方がいいのかな』とか、いろいろ考えたんです。けど、やっぱ当初の二人で踊っているような、メランコリックでちょっとダークな印象もあるものが、トータルでこの物語に似つかわしいんじゃないかなって」
そして、この曲においては、宇多田ヒカルの参加が間違いなく最大のトピックだろう。
「『レゼ篇』のエンディングは、最初から自分とは別の人に歌ってもらおうというふうには思ってました。ですが、（ボーカルを）誰にするかは、作り始めてみないとわからないなって。決め打ちでやるより、やっていく最中に見出すものがあったらいいなっていう感覚で。イントロのピアノリフから順繰りに作っていって、Aメロのメロディーなり歌詞なりがだんだん見えてきたくらいの頃に『これはもう宇多田さんしかいないんじゃない？』っていう確信みたいなものになって。もう『行くしかない！』って、そういう感じでしたね」
「宇多田さんって、一言で語るにしてはだいぶキャリアもあって、いろんな側面があるので難しいんですけど。少なくとも自分の中の印象では、どこかメランコリックな雰囲気があって、寂しさとか悲しみみたいなものを感じる。だけど、同時にハスキーな歌声も含めて爽やかな風が吹いていくような、両方の性質があるなと思うところがあって。ものすごく存在感があって、曲を聴いている間は支配されるんだけれども、同時に曲を聴き終えた瞬間、パッと目の前から居なくなってしまうような感じもあり。それがレゼの感じにも合うんじゃないかなっていう、そういう気がしました」
つまり、宇多田ヒカルの具体的な曲ではなく、彼女がキャリアを通して作り上げた全体的なイメージから着想を得たということなのだろうか。
「そうですね。少なくとも“自分が感じている彼女のイメージ”っていうのが大きくて。宇多田さんのことを初めてミュージシャンとして強く認識したのが、自分が中学生くらいの頃の『誰かの願いが叶うころ』。あと、すごい好きだったのが『FINAL DISTANCE』っていう曲で。昔の話だから、今の宇多田さんのモードと大きく違うっていうのは大前提の上ですけど、その印象がすごく強くて。あとは『Fantôme』の悲しみというか、メランコリックな部分っていうのが、特に印象深いというか好きな部分だったりするので。そういうのがありました」
「『本当に宇多田さんの歌声でなければ成立しないと思ってるんです』みたいな、厚かましいことを言ったような気がするんですけど、宇多田さんはロンドンにお住まいなので、レコーディングはデータで往復書簡のようなやり取りでしました。『あらゆる複雑さを抱えた女の子と、それを本質的にあまりよくわかってない男の子によるデュエット』っていうところをお伝えして、一度電話で『もう少しこうしてもらえないでしょうか？』というオーダーも出したんですけど、そもそも自分の歌における感覚と、宇多田さんの歌における感覚ってやっぱ大きく違うところがあるなって確認できたところがありました。少なくとも宇多田さんが歌われるのであれば、自分があれこれ言うより彼女の身体性みたいなところでやってもらうのが一番いいという結論になりましたね」
宇多田ヒカルと米津玄師の“ボーカル感覚の違い”とは？
「宇多田さんはR&B的というか、（メトロノーム的な）縦のリズムに厳密に合わせず豊かにリズムをとる側面がある。一方で、自分はオルタナティブなロックとか、ボカロとか、DTMっていうところが根っこにある人間なんで、それを非常に重要視するところがある。さらには、さっきお話しした『頭（拍）に意識を持たせる』っていう個人的なムードもあって、やっぱり彼女と自分の中での“歌に対する感覚”って全然違うんですよね。これは結果論でしかないですけど、それが『複雑さを抱えた女の子 と本質的によくわかってない男の子』っていうのに非常にぴったりと合った。そのチグハグさがものすごく効果的に働いた曲になったんじゃないかなって、そういう感じはありますね」
米津玄師と宇多田ヒカル、この2人の邂逅は間違いなくJ-POPにおいて象徴的な瞬間と言い切っていいものだ。最後に、2014年リリースのメジャー1stアルバム『YANKEE』で、自らを「J-POPの世界にやってきた移民＝YANKEE」と位置付けていた彼に、今のJ-POPの変化はどのように映っているのかを聞いた。
「大きく変わりましたよね、本当に。昔に比べて洋楽が聴かれなくなっていることも含めて、良くも悪くもあることだとは思うんですけど、“J-POP”と呼ばれる音楽が大きく変容したし、国の外にも広がってるような感覚は確かにあります。ワールドツアーの中で、日本の音楽が好きだというある韓国のファンの子が、この変化に対し『自分が好きなものを好きでいていいって感じられて嬉しい』って感じのことを言ってたんですよね。それを“J-POP”と呼んでほしくないみたいに思う人たちもいるかもしれないけれども、少なくとも俺はそのファンの言葉を見た限りにおいては、それが悪いことだとは一つも思えない。そんな感じがしますね」
1991年生まれ、徳島県出身。ボカロP「ハチ」として2009年よりインターネット上に楽曲を投稿し、緻密な世界観と映像的な音楽で注目を集める。2012年に本名でアルバム『diorama』を発表し、ソロアーティストとしてデビュー。2018年「Lemon」が社会現象的なヒットを記録、2020年リリースのアルバム『STRAY SHEEP』はダブルミリオンを突破し、日本の音楽シーンを代表する作品となった。2025年、「KICK BACK」はRIAAアメリカレコード協会よりプラチナ認定を受け、日本語詞史上初の快挙に。ポップからロック、エレクトロニカまで幅広い音楽性を示しつつ、作詞・作曲・編曲・歌唱に加え、イラストや映像、アートワークも自ら手がけるなど、比類なきクリエイティビティを発揮している。現在も国内外で高い評価を受け、唯一無二の存在感を放ち続けている。劇場版『チェンソーマン レゼ篇』主題歌として「IRIS OUT」、エンディング・テーマとして 米津玄師, 宇多田ヒカル「JANE DOE」を発表。映画『秒速5センチメートル』主題歌として「1991」を書き下ろした。
写真・堀越照雄（TRON）
スタイリング・服部昌孝
ヘアメイク・Yusuke Hori
文・照沼健太
編集・高田景太（GQ）
Kenshi Yonezu looks beyond his origin as he continues to push the boundaries of J-POP.
The notion of "Kenshi Yonezu = 'Lemon'” is now a thing of the past. “KICK BACK,” released in 2022 as the theme song for the TV anime series CHAINSAW MAN, was certified Platinum by the Recording Industry Association of America (RIAA), becoming the first Japanese-language song to ever receive this achievement. With nearly 500 million streams on Spotify, “KICK BACK” has become Kenshi Yonezu's most popular song worldwide. Fast-forward to 2025, he’s about to release two new tracks written specifically for the sequel film, CHAINSAW MAN – THE MOVIE: REZE ARC, currently playing in theaters. One song, which sounds as epic as “KICK BACK,” is called “IRIS OUT,” while the other, “JANE DOE,” is a collaboration with Hikaru Utada. We caught up with Kenshi Yonezu to talk about his latest releases.
“It reached the point where I had to postpone working on ‘IRIS OUT’ during the tour. I thought I understood how tough it was to write songs on the road from previous experience. I guess there was nothing I could do about it.”
Yonezu reflects on the challenges he faced while writing “IRIS OUT.” This time, he was asked to compose two songs for the new anime film—the theme song and the ending theme. The film producers suggested the ‘90s era’ but ultimately left the creative direction entirely up to Yonezu. He started with “IRIS OUT,” which turned out to be more of a bumpy ride than expected.
“I really didn't want it to just be a ‘KICK BACK Part 2.’ Figuring out how to make it sound different was something I put a lot of thought into, and as I worked on it, it felt like I was getting lost in the woods. I guess it was the first time I realized how incredibly hard it is to create a different song based on the same theme or source material.”
The difficulty likely stems from having already created “KICK BACK” for the entire CHAINSAW MAN series.
“This time, I felt the song should focus specifically on the REZE ARC. ‘KICK BACK’ has a strange and complex structure to it, making it feel almost like a rollercoaster ride. So, for ‘IRIS OUT’, I wanted it to start with a bang and drop straight down like a free fall ride, carrying that momentum to a sharp finish. I thought taking this straightforward approach could bring out the contrast.”
“IRIS OUT” is precisely that. It injects energetic momentum into the catchy rhythm and melody, racing through a diverse yet tightly packed composition in a striking 2 minutes and 28 seconds. It's the shortest song in Kenshi Yonezu's catalog, excluding the instrumental “OHAYO”
Equally notable is the continuous thread running through “BOW AND ARROW” and “Plazma”—his previous singles this year—to “IRIS OUT”, which exemplify his stated desire to “reclaim the joy I felt when I first started making music.” By taking control of all aspects—lyrics, composition, and arrangement—he reconnects with his “origin of creation.” As for his songwriting style that emphasizes the downbeat, “IRIS OUT” feels like the latest version of that approach.
“That’s exactly what was on my mind. Over the past year, I’ve been very conscious about not shying away from the downbeat (first beat). When it comes to vocals, I believe ‘IRIS OUT’ represents a culmination of that approach. In that sense, I feel a deep sense of satisfaction. I remember when I first fell in love with music as a kid, I was really drawn to songs and music that emphasized the downbeats. I even used to genuinely wonder , ‘Why are they intentionally going off-beat?’ when I heard something that wasn’t on the downbeat. After exploring different kinds of music, I felt a desire to revisit those early stages of my musical journey—back to when I was recording alone, getting an MTR (multi-track recorder), and recording over and over by myself. I wanted to return to my roots and see whether it would turn out to be just self-imitation or a step toward creating a new path.
I feel like ‘BOW AND ARROW,’ 'Plazma,‘ and 'IRIS OUT’ are all part of that continuous thread.
His 2024 album LOST CORNER, which included “Chikyugi – Spinning Globe” (the theme song from Hayao Miyazaki's film The Boy and the Heron), and its title track in particular, conveyed a mixed feeling of refreshing clarity and loneliness that comes after being part of something so incredible. Was the impact of working on “Chikyugi – Spinning Globe” really that profound?
“In hindsight, I guess ‘Chikyugi – Spinning Globe’ did have the biggest impact. While it was an incredible honor to write the theme song for Mr. Miyazaki's film, it wasn’t something I initially set out to do when I started making music (Yet, the honor of being asked to contribute and actually write the song) left me with a strong feeling that ‘This might be the end.' So, in order to keep making music, I felt I had to step back and ask myself, ‘Wait a minute, where did I even start?’ In a way, there was a sense of being driven by that kind of desperation.”
Whether you call it one’s “origin” or “primal urge," there are many ways to describe it, but it reminded me of what Yonezu said in another GQ interview around the release of “Chikyugi – Spinning Globe.”
“When one looks into their inner self, what ultimately stays with them is ‘What they witnessed as a child.’”
Come to think of it, in the music video for “Plazma,” we see Kenshi Yonezu become that ‘What’ for the protagonist boy. It definitely feels like an attempt driven by desperation. Yet “BOW AND ARROW,” “Plazma,” and now “IRIS OUT” are all masterpieces that make you feel Kenshi Yonezu is stepping into new territory.
That said, what’s worth noting about “IRIS OUT” this time is how it blends a swing feel rooted in jazz with electronic sounds. The song has the so-called “electro swing” vibe.
“I wasn’t thinking about that at all while I was making it. It was only when the song was finished and someone said, ‘It sounds like electro swing,’ that I noticed. More like, ‘Now that you mention it, I can hear it.’ Personally, I was going for a ‘punkish’ approach rather than meticulously constructing, just going straightforward and expressing whatever comes out. I even went so far as to try adding distorted guitar to the arrangement at one point, but I was like, ‘It’s not like I want to do a straight-up punk song.’ So instead, I thought the piano might be fitting for how Reze uses her sexual allure to charm Denji.
I think the perception and historical aspect of the piano as an instrument led to the electro swing feel.”
I revisited his previous works after hearing “IRIS OUT,” and I noticed many songs from his HACHI era had a similar vibe. Yonezu responds:
“You’re right (laughs). I mentioned earlier about ‘going back and starting over,’ and it did feel like even if I went down the same path again, the outcome was what I expected. It was like reaffirming where I came from. It turned out to be a great opportunity to remind myself, ‘Yes, this is who I am.’”
The phrase “What the hell am I supposed to do” is repeated in the chorus of “IRIS OUT.” It highlights Denji’s growing dilemma in the film CHAINSAW MAN - THE MOVIE: REZE ARC, as he is fueled by Reze's temptation, conflicting with his feelings for Makima.
“I thought it was really important to capture the feeling of being torn between morality and this kind of ‘sexual attraction’ or ‘urge’—in this day and age, I feel like there's a tremendous reluctance to express these feelings. But I felt that the song might have just ended up being recklessly violent if I hadn’t addressed that.”
“Personally, I believe that activities like “idol fandom” are linked to a kind of aversion to things like sexual desire. I’ve thought about this a lot—“What exactly are ‘favs’ and ‘stans’? When I reconsidered the meaning of ‘favs’ and ‘stans,’ I realized these terms are used far too broadly nowadays. So I want to be specific here, and limit this conversation to idols and pop stars. And it occurred to me that they are treated more like mythological or religious artworks from the Renaissance period. I think they share a similar nature.”
The deities shown in Renaissance mythological and religious artwork are often depicted nude. In art history research, this has been seen as establishing an “untouchable sacredness” and an “irresistible physicality” simultaneously, serving as a “device” that controls and stirs the viewer's desire.
“Idols build their careers through extraordinary effort—developing physical skills like singing and dancing or refining their appearance. While they possess a “god-like” quality that makes people feel they are not even worthy to touch them, there's also the undeniable fact that they must embody a certain sexual appeal at the same time. It’s up to each ‘stan’ which side of the coin they take, and it goes without saying that many fans don’t see their ‘favs’ through a sexual lens. So, I think the term “Oshi (Japanese term for calling one’s favorite idol)” emerged as a way to downplay this duality and make it socially acceptable.”
While this song clearly resonates with the film CHAINSAW MAN - THE MOVIE: REZE ARC as its theme song, it also appears to reflect modern society, which is flooded with information meant to trigger impulses, especially on social media. Amid the growing trend of fan theories and interpretations, Kenshi Yonezu is highly respected in the social landscape for his exceptional interpretative and commentary skills, even being called the “Devil of Interpretation.” How does he see the balance between a song's role as the theme song and its standalone musical value?
“When you put it like that, since I’m such a contrarian, my first instinct is to reject it. (laughs). Having composed theme songs for many different projects over the years, I’m still unsure whether to create something 100% aligned with the anime or to include nuances that step away from it. Then again, I also feel like I don’t need to have a clear answer. Of course, without the original work—whether it’s manga, anime, or film—there wouldn’t be any story to tell, and I do believe that staying true to the story is essential. Still, if you fit everything exactly into that, I fear that something might get stifled somewhere.”
“I come from a generation where anime theme songs often had no connection to the story. When I was at elementary school, the anime ‘Gakko no Kaidan’ used to air in the evenings. The ending theme song, 'Sexy Sexy', had lyrics that were completely unrelated to the anime itself, which took me by complete surprise. For kids like me back then, this mismatch was just hilarious, and I remember all of us singing the song after school. Long before that, anime and theme songs used to be much more in sync, but for our generation, it became common for that to change. Because of that, I feel like I developed a sensitivity to “finding beauty in the disconnection” as a child. That's why I hesitate to draw a clear line and want to leave things as they are. If you give a clear-cut answer, it somehow removes the charm. I don't feel I need to come up with an answer. I’m OK with it being vague. That's just how I feel.”
“Theme songs seem to play an odd role in the creative process — we typically join in later but often come to the forefront of the finished product. I wouldn’t say it’s ‘uncomfortable,’ and it really depends on how you approach it, but while it has a place within the anime content itself, it usually holds a distant, objective position within the production team. If that's the case, observing the story from an outside perspective and appearing as something ‘foreign’ might add some depth to the work. If I can create that kind of effect, it could make it all worthwhile.”
From the perspective of a song's place within a body of work, “IRIS OUT” is somewhat unique among Kenshi Yonezu's compositions. This is because it uses samples from the film CHAINSAW MAN - THE MOVIE: REZE ARC.
Reze’s voices weren't included at first. — I thought the trailer was just so well edited. After years of creating theme songs, I've realized that trailers also require creative vision and technical skills. I felt this trailer was exceptionally well put together in that regard. Reze's line such as “Boom” fit perfectly — it felt absolutely right. So I lightheartedly asked if I could use it.”
“IRIS OUT” is paired with an ending theme called “JANE DOE,” a term used for an unidentified female.
“The first time I encountered this phrase was when I heard the term ‘JOHN DOE’ in David Fincher's movie SEVEN, and after looking it up, I discovered there was also a female version. SEVEN didn’t have a direct influence on the song, but the film popped into mind and it naturally felt like this was the only possible title for it. That realization became clear when I wrote the lyrics for the chorus.
I had this image of someone walking barefoot through a place filled with broken glass, their feet getting cut and bloodied, leaving red footprints stretching far into the distance. That became the centerpiece, and I built on that.”
Additionally, it's worth noting that this song uses a 6/8 time signature, which is unusual for Kenshi Yonezu.
“When I first thought about the ending theme for the REZE ARC, the image that immediately came to mind was of the two dancing a waltz. From there, it underwent many changes. I considered whether it might be better to create a symbolic song that evokes a certain ‘sense of adolescence’ —like the sound of a school brass band echoing in the distance after school. But in the end, I felt that the initial idea — the two dancing, with that melancholic and slightly dark impression—was the best fit for the story as a whole.”
But when it comes to this song, Hikaru Utada's participation is definitely the hottest topic.
“From the very beginning, I felt the ending theme for the REZE ARC should be sung by someone else. But I didn’t know who would be a perfect match until I began working on it. I preferred to keep an open mind instead of making a predetermined decision, hoping something would reveal itself as I worked on the song. I built the song step by step, starting with the opening piano riff, and by the time the melody and lyrics for the verse started forming, I became convinced that Utada-san was the only choice. I thought, ‘I should just go for it and ask!’ That's how it all came together.”
“Utada-san has had such a long career with many facets that it’s tough to sum up in just a few words. In my opinion, there's a certain melancholic air about them, an unmistakable presence that also conveys feelings of loneliness and sadness. Yet, simultaneously, there's a refreshing, breeze-like quality to them, particularly in their smoky tones. I feel they possess both these contrasting qualities. Utada-san has an immense presence; their voice leaves your completely under their command. Yet the moment the song ends, it's as though they have vanished instantly from before your eyes. And I felt that really aligned with Réze.
In other words, it appears the inspiration didn't come from any particular song by Hikaru Utada, but rather from the overall image they have developed over their career.
“That's right. At least, my personal impression of Utada-san played a major role. The first time I came to appreciate Utada-san as a musician was around junior high when ‘Darekano Negaiga Kanaukoro’ came out. I also really loved the song, ‘FINAL DISTANCE.’
This was a long time ago, so I know it’s very different from Utada-san's current style, but those songs are deeply engraved in my memory. Then there's the sadness, or rather the melancholic vibe of “Fantôme”, which also stood out to me and I really loved.”
“I think I said something quite audacious, like, “This song will not be complete without Utada-san's voice.” Since Utada-san lives in London, we recorded on the song by exchanging files. I explained the concept of ‘a duet between someone with all kinds of complexities and someone who fundamentally doesn’t understand them.’
We even had a phone conversation once. I did share some notes along the way, asking, ‘Could you sing this part a bit more like this?’, but I realized that the sensibilities we each have toward singing were fundamentally quite different. Ultimately, I felt it was best if Utada-san interpreted the song through their own physical expression, rather than me giving them too much direction.”
What is the difference in singing style between Utada Hikaru and Yonezu Kenshi?
“Utada-san’s style is more R&B, meaning she doesn't feel the need to stay perfectly on beat like a metronome, but instead takes a more fluid approach to rhythm. On the other hand, I come from an alternative rock, Vocaloid, and DTM background, so I focus more on those elements. Additionally, there's that personal preference I mentioned earlier about ‘focusing on the downbeat,’ which highlights the difference in our styles. That said, the difference actually worked out in the end because it fit perfectly with the concept of ‘a duet between someone with all kinds of complexities and someone who fundamentally doesn’t understand them.’
I believe the mismatch worked incredibly well in the song.”
This collaboration between Kenshi Yonezu and Hikaru Utada will likely become a landmark moment in J-POP history. Lastly, I asked Yonezu how he perceives the evolution of J-POP, considering he described himself as an “immigrant to the world of J-POP = YANKEE” in his 2014 major debut album YANKEE.
“It's really changed a lot. Including the fact that international music has less presence in Japan than in the past, for better or worse, the music labeled as “J-POP” has gone through significant transformation, and it definitely seems to be gaining global popularity. When I was touring worldwide, a Korean fan who loves Japanese music said something like, ‘I'm happy I can feel okay about liking what I like’ about this shift. Sure, some people might oppose it being called ‘J-POP,’ but from what I took away from that fan's words, I don't think it's a bad thing at all. That's how I see it.”
Kenshi Yonezu
Born in 1991 in Tokushima, Japan. He began posting songs online in 2009 under the name HACHI, a VOCALOID producer, and soon gained attention for his unique worldview and cinematic music. He debuted as a solo artist under his real name in 2012 with the album diorama. His 2018 song "Lemon" became a social phenomenon hit. His 2020 album STRAY SHEEP surpassed 2 million sales. It established itself as a defining work in Japan's music scene. In 2025, “KICK BACK” achieved Platinum certification from the Recording Industry Association of America (RIAA), marking the first time a song with Japanese lyrics had received this honor. Demonstrating a wide musical range from pop to rock and electronica, he displays unparalleled creativity by handling not only lyrics, composition, arrangement, and vocals, but also illustrations, videos, and artwork himself. He continues to receive high acclaim both domestically and internationally, maintaining a truly unique presence. Yonezu released “IRIS OUT” as the theme song for the film CHAINSAW MAN - THE MOVIE: REZE ARC and "JANE DOE" together by Kenshi Yonezu and Hikaru Utada as its ending theme. Yonezu just announced a new song to the theme song “1991” for the film 5 Centimeters Per Second.
Photos by Teruo Horikoshi (TRON)
Styled by Masataka Hattori
Hair styled and Make-up by Yusuke Hori
Words by Kenta Terunuma
Edited by Keita Takada (GQ)