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※この記事は映画『君たちはどう生きるか』の内容に関するネタバレを含みます。
この4年間、『君たちはどう生きるか』を意識しない日はなかった
「絵コンテは精神的にも肉体的にも重たかった」と、米津は苦笑いしながら当時を振り返る。
映画『君たちはどう生きるか』主題歌の制作は、宮﨑駿本人が書き上げた5冊にもおよぶ絵コンテを受け取ったところから始まった。
「今までの宮崎さんの作品とは一線を画する、100人いれば100人が違う感想にたどり着く内容だと感じました。だから、『これにどういう音楽をつければいいんだろう……』と途方に暮れましたね。ポップミュージックを作ってきた人間として、『今までのようなやり方では到底通用しない』という予感ばかりがそこにありました」
全員が違うものを感じる映画。それはつまり、「観客の心情に寄り添う主題歌」を作ることはほぼ不可能、ということだ。
さらに本作の場合、絵コンテのト書き（注：セリフ以外の演出指示や意図を伝える文章）がヒントになることもなかったという。
「書いてあるのはほとんどが作画に関する技術的な指示で、そのカットの真意やキャラクターの心情を補足する説明はほぼありませんでした。とくに、劇中でファンタジー世界に行ってからは宮﨑さんのイマジネーションの連続なので、ト書きがあるから楽曲制作がたやすくなる、というようなものではありませんでした」
木製の椅子と床が軋む小さな部屋で、米津は当時を回想しながら困惑の表情を浮かべる。
「最初に宮﨑さんと鈴木（敏夫）さんと打合せをしたとき、宮﨑さんがこれまで映画で見せてこなかった『今まで隠してきたもの、自分の中にある暗くドロドロした部分』をすべて描くと伺ったんです。自分は書籍や映画を通しての彼しか知らない。『彼のすべてを理解することは絶対不可能だろう』と思いました」
『君たちはどう生きるか』の主題歌とどう向き合うのか、という問いは、宮﨑駿の影響を多大に受けて育った人間としてだけでなく、プロのミュージシャンとしても、米津玄師にとってかつてない試練になった。
実際、2019年以降の米津は、アルバムリリースやツアー、数々の大型タイアップに取り組む多忙な日々を過ごす中でも、『君たちはどう生きるか』について考えない日はなかったという。
「4年間、ずっと頭の片隅にこの映画のことがありました。何をするにしても、関係ない曲を作っていても、日常生活を送っている時も、ずっと視界に薄い膜が張っていて、『君たちはどう生きるか』と書かれている感じというか。確かに重たいプレッシャーだったし、常にそこに向けて準備しているような意識がありました」
「スコットランド民謡」という選択に見る、映画との深いシンクロ
約2年間コンテに向き合い続けた米津は、次の2年をかけて「地球儀」という楽曲のかたちを探すことになる。
「いろんな変遷がありましたが、最初は映画のタイトルに対し『私はどうやって生きてきたか』を表現しようと考え、もっとデジタルなアレンジで行こうと思いました。自分の音楽活動の原点はボーカロイドであり、自分にとって音楽とは『パソコンの画面から流れてくるもの』でした。だから、自分が歩んだ道のりを表現するには、打ち込みのトラックがふさわしいと思っていたんです」
だが、米津は『君たちはどう生きるか』とより深く向き合うなか、「自らの文脈」としてのデジタルサウンド導入を思いとどまったという。
「絵コンテを読み込んでいくうちに『自分がやろうとしていることは、あまりにも行き過ぎたエゴだ』と感じて、絵コンテから得られるインスピレーションだけで楽曲を構築すべきだと思い直しました。それが『宮崎駿とはどういう人間なのか』『宮﨑駿と私の関係性はどういうものなのか』という視点や、『新しくも古くもない、長く聴けるもの』という楽曲のイメージにつながっていきました」
楽曲のイメージは固まり、さらにトライ&エラーが続けられていく。
「『ジョニ・ミッチェルみたいな曲を作ろう』とか、連想するイメージを次から次へと試していきました。使う楽器もピアノにしたり、ギターにしたり。最初はカホンを叩いたこともあったのですが、タイ料理屋さんでかかっていそうな音楽になって、作品とあまりに合わないのでやめました。で、そういうことを繰り返していくうちに、『スコットランド民謡を作ろう』というアイディアが出てきたんです」
「なぜスコットランド民謡なのかと訊かれると、『宮﨑さんの映画から感じるものがそれだった』としか言えないのですが、スコットランド民謡は日本でも馴染み深いもので、「蛍の光」など日本の童謡もそれが原点だったりするので、この映画においてもそれは適用されるだろうという予感がありました」
米津はそう話すが、“西洋由来の日本文化”であるアニメーションと、ルーツとは無縁の文脈で日本人に親しまれているスコットランド民謡との間に、無意識のうちに共通するものを感じ取っていたのかもしれない。
アメリカのディズニーが日本のアニメ文化の成り立ちに大きな影響を与えたのはもちろん、宮﨑駿と故・高畑勲が大きな影響を受けたアニメ映画『やぶにらみの暴君』がフランスの作品であるように、アニメの根底には西洋文化が横たわっている。宮﨑駿がそういったアニメのルーツに自覚的で、日本人としてある種の逡巡すら持っていたことは、自らの影響源である作品群に触れた数々の発言や、ジブリ美術館の一連の企画展、『千と千尋の神隠し』の油屋を「擬洋風」として描いたことなどから読み取ることができる。
そして、米津玄師もまた、「J-POP」という、西洋文化を大きな参照点としながら日本独自の進化を繰り返してきた音楽をメインフィールドとする作家である。そこで得た何かしらの体感が、宮﨑駿とアニメーションの関係性を「スコットランド民謡」という選択で無意識的に表現させたとしても、決して不思議なことではないだろう。
『君たちはどう生きるか』のクライマックスに見た「創作の本質」
米津が設定した「宮崎駿とは」「宮﨑駿と私の関係性とは」という視点は、歌詞にもはっきりと見て取れる。そのうえで注目したいのは、米津にしては珍しく劇中のシーンをストレートに描写した「一欠片握り込んだ 秘密を忘れぬように」という一節だ。
「『劇中のワンシーンを盛り込もう』という意識があって書いた歌詞ではないのですが、確かにそうですよね……。そうとしか考えられない。実際、ここはすごく好きなシーンなんです」
映画の終盤で、異世界から現実に帰還した主人公・眞人は、向こうでの記憶を保持していることを青サギに問い詰められ、異世界から持ち帰った石をポケットから取り出す。
この場面は、エンドロール直前のラストシーンでも繰り返される。控えめな描写ではあるが、東京へ戻るための荷造りをしている眞人がふとポケットの中にある石を取り出し、再びポケットに戻す様子が描かれているのだ。
「あのシーンから僕は『創作の本質』のようなものを感じて、それを受け取った気がしたんです。何かを見て、体験して、その欠片を拾い込んで、形として持っておく。それを見るたびに、何かを思い出し、それを思い出せなくなったとしても、決してなくなりはしない、という。『千と千尋の神隠し』の最後のシーンにもそんなセリフがありましたけど、そこに自分は『祝福のようなもの』を感じるんですよね」
そのうえで米津は、そこにあるのは祝福ばかりではない、とも指摘する。
「最後に青サギは、まるで眞人を脅すような口ぶりで、持ち帰った石について説明する。そこに、すごく感じ入るものがありました。それは『祝福でありながら、同時に呪いでもある』。そういうものを見てしまった、感じてしまったという事にずっと囚われながら生きていかざるを得ないという事なんですよね」
祝福と、呪い。
「これは自分が音楽を作る人間だから抱く感想だと思うのですが、得てしてそういう人間って、幼少の頃、感性が豊かだった時代に、どういう体験をして、何を見たか。それは、見てしまったかと言ってもいいのですが、そういうものにずっと追いかけられながら生きていくものだと思うんですよね。新しいものを作ることを繰り返していくうちに歳をとって、時代も変わっていって。そこから、より新しいものを作ろうとしていったところで、自分の後ろからその頃の記憶や体験、その頃の自分みたいなものがどんどん追いかけてくる。そこから逃げおおせることは不可能なんです。だからそれは祝福でありつつ、呪いでもありつつという事を、このシーンから感じました」
８月上旬に米津のYouTubeチャンネルで公開された「米津玄師 × 菅田将暉 - 僕たちはどう生きるか 対談」では、青サギを演じた菅田将暉と対談している。米津が幼少期に『もののけ姫』を映画館で鑑賞した際に、その前後の記憶を細部まで覚えていると話していたが、あれも米津にとって「見てしまった」経験のひとつなのかもしれない。
「よくインタビューで『この曲で伝えたいことは？どう聞いて欲しいですか？』といったことを訊かれるんですよ。都度、その場の思いつきで答えたりもするのですが、なんでしょうね……。正直、『そんなこと考えて作ってねえよ』と思うんですよ。その人にとって豊かな体験であって欲しいというふうには思うんですけど、自分の中を遡っていった時に最終的に残るのは、『子どもの頃に、何かを見てしまった』ってことに尽きるんじゃないかって。
たとえば、もし子どもの頃にUFOみたいなものを見てしまったら、大人になっても『UFO見たことあるんだよ』って話をするじゃないですか。突き詰めれば、創作の本質というのは、そうした『見てしまった』というところにあって、それ以上でも以下でもないんじゃないかと。あのシーンや、『一欠片握り込んだ 秘密を忘れぬように』という歌詞には、なにかそういったものが表れている気がします」
再び問いかけられる『どう生きるか』
さまざまな試行錯誤を経て「地球儀」は完成し、『君たちはどう生きるか』とともに公開された。約4年間をかけたこのプロジェクトを終えた今、米津はどんなフェーズにいるのか。
「映画が公開されて1カ月くらい経ちましたけど、『燃え尽き症候群とはこのことなんだろうな』という感じがしています。宮﨑さんの映画にずっと触れて育ってきて、光栄の最上級の体験だな、これ以上に光栄と思えることはこの先ないだろうなということだけが今確かという感じがして。
『これから先、どのように音楽を続けていくのか』とか『それ相応に歳をとってきた自分とどうやって向き合っていくのか』といったことに対して、部屋の中を掃除するみたいに、ひとつひとつ取捨選択する必要があるんだろうなと思いながら、今はぼーっと過ごしている状態ですね」
まさに金字塔。文化的な視点から見ても、米津玄師の個人史としても「地球儀」はあまりにも大きな仕事だ。
そのうえで、今回ぜひ訊いておきたいことがもうひとつあった。
それはこの「地球儀」も含め、近年の米津玄師について高まり続けている評判のひとつが、提供楽曲における「解釈力」であるという点だ。その能力は、米津がOP主題歌「KICK BACK」を提供したアニメ『チェンソーマン』の劇中の言葉になぞらえて、「解釈の悪魔」と一部で呼ばれているほどである。
「最近、そういうことを急に言われるようになってきて、自分でも『何でだろう？』って考えたんですよ。明確な答えはないけれど、思い当たるとしたら、『日記』なんです。自分は毎日、その日に感じたことをざっと日記に書いていて、そこでは最近触れた音楽や漫画、映画について言語で分解して再構築することを試みています。それを15年くらい欠かさずにやってきたのですが、その経験が歌詞の面で良い反応を生むようになってきたのかなという気はしています」
この話を聞いて連想したのは、「地球儀」のアートワークとして使用されている、『君たちはどう生きるか』の眞人が机に向かうシーンのレイアウト原画だ。また、「地球儀」初回版の写真集に宮﨑駿と米津玄師がそれぞれ机に向かう写真が対比されるように並べられていたこと、そして先日発表された米津とロエベとのコラボキャンペーンビジュアルが、米津の「創作空間」をイメージしたセットだったことを思い出さずにいられない。
最後に、米津自身が創作を行う部屋について尋ねてみた。
「暗い部屋であって欲しいというのはありますね。光を遮断する遮光カーテンはまず絶対あって欲しいし、真っ暗にしてスタンドライト一個だけで作業するのが自分はいちばん捗るので。
できることならアルバム1枚作るごとに引っ越したいと思っていて、実際、頻繁に引っ越しをするので、『今回のアルバムはここで作る』という仮暮らし。放浪するような感じでスタジオを作っている気はしますね」
街から街へ。それは住環境から得るインスピレーションのためか、それとも気持ちの切り替えのためなのか。
「両方ありますね。街から受けるインスピレーションってすごく大きくて、自分が思っている以上に、住んでいる街に音楽が影響されている感じがします」
陽が傾き始めた夏の午後、新しい暮らしについて話す米津の佇まいから、何度目かの新しい風が吹く気配が感じられた。
32歳の若さにして、米津玄師は人生における大きな仕事を成し遂げた。しかし、これは終わりではない。
「地球儀」と『君たちはどう生きるか』、そして宮﨑駿と対峙し続けた日々は、彼にとって新たな“一欠片”となるはずだ。祝福と呪い、両方の力を持つ、自分だけの大切な秘密として。
1991年生まれ、徳島県出身。2009年前後よりボカロP・ハチとしてインターネットを中心に活動したあと、2012年に本人名義のアルバム『diorama』でソロデビュー。2013年、メジャーデビュー。2018年の「Lemon」は、フィジカルとダウンロード累計で300万セールス超えを記録。2020年、『STRAY SHEEP』を発表、200万セールスを突破する大ヒット作品。デビュー10周年を迎える2022年5月に映画『シン・ウルトラマン』の主題歌「M八七」やPlayStationのCMソング「POP SONG」を収録したシングル「M八七」をリリース。11月にはテレビアニメ『チェンソーマン』のオープニングテーマを表題曲とするシングル「KICK BACK」を発表。2023年4月から全国ツアー「米津玄師 2023 TOUR / 空想」を開催。3月に『ジョージア』CMソングの「LADY」を、6月に『FINAL FANTASY XVI』のテーマソング「月を見ていた」を配信リリースし、7月に、宮﨑駿監督のスタジオジブリ最新映画『君たちはどう生きるか』の主題歌「地球儀」を表題曲とするCDをリリースした。
写真・堀越照雄
スタイリング・服部昌孝
ヘアメイク・HORI
文・照沼健太
編集・高田景太（GQ）Keita Takada
“THE CELEBRATION AND CURSE OF CREATION” KENSHI YONEZU GAINED FROM HIS DAYS WITH HAYAO MIYAZAKI
* Note: This article includes spoilers of the movie “The Boy and the Heron”.
“The storyboard was heavy on my heart and soul,” Yonezu looks back with a bitter smile.
The making process of the theme song of the movie “The Boy and the Heron” began with Hayao Miyazaki handing Yonezu the five-volume storyboard he had created.
“I felt that the storyline drew a line between Mr. Miyazaki’s previous works and that if there had been 100 people, every single one would take it differently. So I had no idea which way to turn, thinking, ‘What kind of music should I put into this…?’” As a person who has made pop music, I only had a feeling that ‘my conventional method could hardly meet this’”.
A movie that all receptions might be different meant that it was practically impossible to create “a theme song that stayed present to the sentiment of the viewers”.
Plus, in this case, the directions (note: sentences other than the dialogue lines that convey the renderings and intentions) of the storyboard did not serve as hints either.
“Most directions were technical suggestions for visual creation, and there were almost no descriptions of the true intent of a shot or the sentiment of a character. Especially after the story goes into the fantasy world, it is a string of Mr. Miyazaki’s imagination. The directions did not make the making of the song any easier”.
In a small room with wooden chairs and a creaking floor, Yonezu looks back on those days and shows a bewildered face.
“When I had a meeting with Mr. Miyazaki and Mr. (Toshio) Suzuki for the first time, Mr. Miyazaki said that he would portray ‘all the parts that he had hidden until then, the darkness and mess inside of himself’. I had only known him through books and movies; I thought it was ‘absolutely impossible to understand all of him’”.
The question of how to face the theme song of “The Boy and the Heron” presented a challenge like never before to Kenshi Yonezu, not only as a person who had grown up fully absorbed in Hayao Miyazaki’s influences, but also as a professional musician.
In fact, Yonezu says that since 2019, not a day has gone by without being conscious of “The Boy and the Heron”, although he has been busy with the album release, tours, and a string of major tie-in projects.
“For the past four years, this movie has always been in the back of my head. No matter what I did, even when writing a song that had nothing to do with it, or just living everyday life, a thin membrane that said ‘The Boy and the Heron’ was always screening my view. It indeed imposed heavy pressure on me, and there was always a sense of preparation for it.”
After facing up to the storyboard for about two years, it took another two years for Yonezu to find the shape of the song “Spinning Globe”.
“It went through many changes. At first, I was thinking of more digital-driven arrangements to depict ‘how I have lived my life’, as the counterpart to the movie title that could be translated as ‘How do you live?’ My musical activities started with Vocaloids; music to me was ‘something that comes out from the PC screen’. So, to depict the path I had come up to then, I thought programmed tracks would be the most appropriate.
But as Yonezu faced deeper into the world of “The Boy and the Heron”, he held back showing his “personal context” by introducing digital sound.
“As I studied the storyboard, I felt, ‘what I was trying to do was too much of an ego’. I gave the song a second thought; it should be constructed simply from the inspirations I took from the storyboard. And it led to the points of view to ponder on ‘what kind of a person Hayao Miyazaki is', or ‘how Hayao Miyazaki and I are related to each other’, as well as the focused image to write a song that is ‘neither new nor old and in the format that you can listen to for a long time’”.
After solidifying the image of the song, Yonezu proceeded with the process with more trials and errors.
“I tried one drawn image after another, such as, ‘Let’s write a song that is Joni Mitchell-ish’. I also tried different instruments, such as the piano or the guitar. At first, I played the cajón, but ended up with the type of music you hear at a Thai restaurant, which didn’t fit the movie at all, so I threw that idea away. And through the repeat of that process, I came up with the idea of ‘making something like Scottish folk music’.
“If you ask, ‘Why Scottish folk music?’ I can only say, ‘It was what I felt from Mr. Miyazaki’s movie’. But Scottish folk music is something familiar to Japanese people. For example, the Japanese children’s song ‘Hotaru no Hikari’ draws from it (‘Auld Lang Syne’). So I had a feeling that I could apply its vibe to the movie.”
That’s what Yonezu says, but perhaps, without being conscious, he felt a common thread between the anime, which is a form of “Japanese culture originating from the West,” and Scottish folk music, which, in a context that has nothing to do with his roots, enjoys affinity among the Japanese people.
Western culture underlies anime. Disney from America had a significant influence on the formation of Japanese anime culture. And the anime movie “The Shepherdess and the Chimney Sweep", which Hayao Miyazaki and the late Isao Takahata cited as their major influence, is from France. Miyazaki has been very self-conscious about his anime’s roots and even had some sort of hesitance towards them; you can tell from his words when he referred to the works he had been influenced by, as well as from the special exhibitions at Ghibli Museum, and from the fact that he drew the bathhouse in “Spirited Away” as ‘quasi-Western’.
Likewise, Kenshi Yonezu is a creator whose main field is “J-POP”, a genre that has evolved repeatedly in a direction unique to the Japanese, while taking in Western culture as its major referential point. It is not strange if some kind of sensation he gained there allowed him to subconsciously choose “Scottish folk music” to depict the relationship between Hayao Miyazaki and animation.
Yonezu’s viewpoints of ‘what kind of a person Hayao Miyazaki is’ and ‘how Hayao Miyazaki and I are related to each other’ are clearly seen in the lyrics. What I wish to focus on is the line that goes, “I grasped the fragment firmly, so the secret remains”; it is unusual for Yonezu to depict a movie scene straightforwardly.
“I was not conscious about ‘including a scene in the movie’ when I wrote the lyrics. But come to think of it, this line is indeed a reference. I don’t think I can interpret it in any other way. In fact, this scene is my favorite.”
Towards the end of the movie, Mahito, the protagonist, returns to reality from the alternate world. Questioned by the Heron about retaining the memory from there, he takes out from his pocket the stone he brought back with him.
This scene repeats itself in the final segment right before the credits. Although discreet, there is a scene where Mahito, packing to return to Tokyo, takes out the stone from his pocket on a whim and then puts it back in again.
“From that scene I received something like the ‘essence of creation’. You see something, experience it, pick up its fragment, and make it a keepsake. And whenever you see it, you recall something; even if you grow unable to do so, the keepsake will never disappear. There was a line like that at the end of ‘Spirited Away’; I feel ‘a celebration-like something’ from it.”
That said, Yonezu also points out that celebration is not the only thing you see in the movie.
“In the end, the Heron explains about the stone Mahito brought back, which sounded as if he were threatening. I really felt something from that scene. It’s the notion that you can’t do anything but live the rest of your life trapped in the fact that you have witnessed and felt something that is 'a celebration and a curse at the same time’”.
Celebration and curse.
“I think I feel that way because I make music. Music makers like me live their lives chased by the notion of their experiences and what they have witnessed in their childhood when they were full of sensibilities. Maybe I can say, what they ‘happened to witness. As we repeat creating new things, we grow old, and the times change as well. And when we try to make something newer, our old memories, experiences, and old selves come after us. And there’s no way to escape the chase. So, the notion is a celebration and a curse at the same time. That’s what I felt from that scene.
“At interviews, people often ask me, ‘What do you wish to convey through this song? How do you want your listeners to interpret it?’ I always reply from random thoughts, but I wonder what they actually are. Frankly speaking, I think, ‘I don’t make music with that in mind’. I do hope that listening to my song offers a rich experience, but when I trace my inner footsteps, what really remains are the things I ‘happened to witness in my childhood’. For example, if you happen to witness something like a UFO as a kid, you will grow up and still be saying, ‘I’ve seen a UFO!’ At the end of the day, I guess the essence of creation lies in a notion that you ‘happened to witness’ something. That scene and the lyrics that go, ‘I grasped the fragment firmly, so the secret remains’ are, I think, reflections of such essence.”
After all sorts of trials and errors, “Spinning Globe” finally saw the completion and was released along with the movie “The Boy and the Heron”. Having finished this project that took him about four years, what phase is Yonezu in?
“It’s been about a month since the movie came out, and I feel, ‘this may be what a burnout syndrome is’. I grew up with Mr. Miyazaki’s movies; that project was an experience of supreme honor. I don’t think I will ever feel more honored than this, and that is the only thing I'm certain of at this time. While I feel the need to sift through the answers to questions such as ‘How will I continue making music?’ or ‘How will I face myself as I grow old along with time?’ like clearing the clutters of a room, right now I’m just idling my time away.”
Definitely a landmark. From a cultural point of view and as part of Kenshi Yonezu’s personal history, “Spinning Globe” is such a significant project.
With that said, I had one more thing to ask about.
I wanted to ask Kenshi Yonezu about one of his ever-growing reputations, his “ability to interpret” seen in his songs, including “Spinning Globe”. Some people even call him “the devil of interpretations”, which derives from the words heard in the anime series “Chainsaw Man”, to which Yonezu contributed the opening theme “KICK BACK”.
“Recently, people suddenly started saying things like that to me; I also thought to myself, ‘Why?’ I don’t have a clear answer, but if there is a clue, it may be the journal I write. Every day, I jot down what I have felt that day in my journal, where I make attempts to decompose and reconstruct by words the music, manga, and movies I have come across recently. I’ve been doing that for about 15 years now. Perhaps that experience started to make good chemistry in terms of lyrics.”
What he said reminded me of the artwork of “Spinning Globe”, the original layout artwork of a scene from “The Boy and the Heron” in which Mahito sits at the desk. I cannot but also recall that the photo book bundled with the first-run-only limited edition of “Spinning Globe” included two photos laid out as a contrast, of Hayao Miyazaki and Kenshi Yonezu sitting at their respective desks, and that the recently-announced collaboration campaign between Yonezu and LOEWE featured visuals that had a set in the image of his “creative space”.
Lastly, I asked about the room where Yonezu does his creative works.
“I want the room to be dark. First of all, a lightproof curtain to block the light is a must. I make the best progress with work when the room is pitch dark with the light stand the only exception.
“If I can, I want to move in to a new place every time I make an album. In fact, I do move often. My home is a tentative place like, ‘I’m making this album here’. I make my home studios like a nomad.”
From one city to another. Is it to gain inspiration from a living environment, or for a switch of mood?
“Both. Inspirations I gain from the city are so huge. I think my music is influenced by the city I live, even more than I think.”
On a summer afternoon when the sun was starting to set, the presence of Yonezu talking about his new life gave the slight hint of an umpteenth new wind.
At 32 years young, Kenshi Yonezu accomplished a substantial project in his life. However, this is not a culmination.
“Spinning Globe”, “The Boy and the Heron”, and the days he stood face-to-face with Hayao Miyazaki will definitely turn into a new “fragment” of his life – a treasurable secret of his own, which has the power of both celebration and curse.
Kenshi Yonezu
Kenshi Yonezu was born in 1991 in Tokushima Prefecture, Japan. After a series of activities from around 2009 as Vocaloid producer Hachi, he made his solo debut in 2012 with the album “diorama” under his real name and went on to make his major debut in 2012. His 2018 song “Lemon” marked the sales of over 3 million copies with physical and download combined. In 2020, he released a studio album named “STRAY SHEEP” which became a smash hit, selling over 2 million copies. In May 2022, upon marking his 10th debut anniversary, he released the single “M87”, featuring the title track that was the theme song of the movie “Shin Ultraman”, and “POP SONG”, which was used in a PlayStation commercial. In November, he released another single entitled “KICK BACK”, whose title track was the opening theme of the TV anime series “Chainsaw Man”. In April 2023, Yonezu embarked on a nationwide tour entitled “Kenshi Yonezu 2023 TOUR / Kūsō (English title: Fantasy)”. He also released two digital singles, namely “LADY” in March, for the TV commercial for “Georgia” coffee product line, and “Moongazing” in June, as the theme song of the action role-playing game “FINAL FANTASY XVI”. And in July, he released the CD single “Spinning Globe”, whose title track is the theme song of “The Boy and the Heron”, the new movie directed by Hayao Miyazaki.
Photos by Teruo Horikoshi
Styled by Masataka Hattori
Hair & Make-up by HORI
Words by Kenta Terunuma
Edited by Keita Takada (GQ)