畑中雅美

畑中雅美:本気で状況を突破したいと思うので厳しいことを書きますが、まず「今まで自分の好きじゃないことや思ってないことを描いて受賞してきました」とありますが、このデビュー前の賞を自慢のように感じるのをやめましょうか。 モチベーションになっていたと思うし、嬉しかったと思うし、自分を支える大事な結果だったと思うので、それを無意味なものみたいに言われるのは凄く辛いと思います。 でも、あなたの目標はなんですか？ あなたは数年後どうなっているイメージですか？ デビューはしたものの、それ以後一作も載らない作家ですか？ それともデビュー後、連載し、売れっ子になっているイメージですか？ 具体的にイメージしてください。 ちなみに、私たち編集者は「デビュー賞」を出す作家さんに対しては「この人は数年後売れっ子になっているに違いない！まだまだどんどん上手くなる方だ！！」とポテンシャルを感じてデビューを決めます。 だからまぁ、デビューして売れっ子になることを目指してもらってもいいですか？ 逆にそうじゃなくて発表の場が欲しいだけなら、今時商業でやらずとも色々方法ありますからね。Xで広告収益も得られますし。 さて。 あなたが目指してる「デビュー」は、だから単なる通過点なんですよ。 厳しい現実を伝えると、早い人なら12歳とかで突破する程度の第一関門であり、本当の勝負はデビュー後です。 今、あなたがまだデビュー出来ていない理由はシンプルです。 技術的にまだ未熟だからです。 このままプロの荒波の中に出ていくと撃沈してしまうから、投稿者という浅瀬にいた方がいいと思われているんです。 だから、たとえ過去に賞を取っていようと、それを合格ラインと考えない方がいい。 プロで勝負するには技術が足りていない、という判断をされたと考えるべきです。 担当に「思ってもないことは書かなくていい」と言われたとのこと。 これは、モノローグの表現力がデビューレベルに達してない・上手くなる必要があると言われたと同義です。 問題がないなら、そこに言及する理由がないので。 あなたがエンタメと呼ぶ自分の気持ちを無視して書いた感情表現はつたなく、下手で、読者の胸を打つレベルには到底届いていない、という状況だと言うことです。 さて、このモノローグのレベルの低さはどこから来ているのか。 担当は、最初あなたが解っていない感情を書いてしまっているからでは？と想定したのでしょう。 そこで、本音を書いてくださいと言った。 が、本音を書いても向いてないと言われた。 つまり、この一連のトライ&エラーで何が解ったかといえば、感情表現の技術がまだ未熟ということです。 どっちを書けばいいでしょうと悩むレベルにあなたはまだありません。 ぐっとくるモノローグとそうじゃないものの見分けがそもそもついてないのかと。 という訳でこれから１か月間だけで良いので、B5のノートを用意して、２つのドリルをやりましょうか。 1個目は小説の書き写しです。 モノローグに問題を抱えてる投稿者さんというのは、基本読書量（漫画でも小説でも）が圧倒的に少ないです。 一般人よりは読んでるんでしょうけど、プロになるには足りてない状況。 感情表現に使えるテクニックとして身に付いているものがそもそも少ない。 だから、量を読むのが手っ取り早いと思いがちですが、そもそも読書量が少ない人というのはわざと少ないのではなく、読むのが遅いという能力的な問題を孕んでいることが多いです。 なので、少ない読書量で表現力の幅を拡げるために、書き写しをしましょうか。 別にこれは漫画の書き写しでも良いです。 模写は絵の勉強にもなるので、絵を写しながらモノローグがどんなリズムで入るのかを意識しながら書き込んで見る。 ただそうするとやっぱり１日に学べるモノローグ量が少なすぎて成長スピードが遅すぎるので、ラノベや名言集など本当になんでも良いので、毎日B5のノート一枚分と決めて、自分がぐっと来た言葉を選んで書き写してみましょう。 選ぶほど読むのも難しい場合はとりあえず頭からB５ノート1ページを埋める分量を書き写すだけでいいです。 ページを埋めたら、好きなフレーズとか面白いと思ったところに赤線を引いてください。 ちなみに大袈裟な表現を手に入れろと安易なことを言ってるわけではないですからね。ごくごく普通に平凡な言葉の羅列にもかかわらず、泣きそうになるような言葉もあったりすると思います。 だから、本当に自分の気持ちに正直になって、赤線を引いてください。 書き写した中に一カ所も良いと思う表現がなければ、線は引かなくていいです。 「これではグッと来ないんだな」ということをその日学んだと思ってください。 2個目のドリルはエッセイです。 自分の言葉で、他人に対して自分の考えてる意見や、感じていることを表現する練習です。 おすすめは一個目の書き写しを左ページに書いて、右ページに自分の気持ちを書き綴ることです。 そうすると、プロの表現力と自分の感情表現力を比較できるので。 今日あったこと、過去の嬉しかったこと、悲しいことなんかを書いてもいいですし、なにか世の中に対して意見があるならそれもいいと思います。 とにかく、だらだらしてて良いので、B5を埋めることだけを目的としてください。 お腹が減ったことだけを綴っても良いです。 B５が埋まったら、印象的なフレーズ、ここはグッと来るポイントだな、と思う部分に赤線を引いてください。 そして左ページのプロの印象深いフレーズと比べてみる。 １か月で良いです。 30日間だけやってみてください。 B５があなたにとってどうしても多い分量なら、B6サイズのノートとかでも良いです。 ０よりは少しでもやった方がましです。 パソコンじゃダメですか？という疑問を抱きそうですが、漫画の場合はある程度コンパクトな文章が必要で、うまい人は漫画に最適なリズムのいい長さを体得していますが、おそらく今のあなたはパソコンを使うと冗長になってしまうかと。 人間って結構単純で、書くという物理的に面倒なことがあると、本能的にサボろうとするのか、文章がコンパクトになる傾向があります。 その傾向を利用するためにもノートを使うことをおすすめします。 1か月経つと、そのノートの左側にはあなたが好きだと感じるプロのフレーズがぎっしりたまっています。 そこには必ず、あなたの嗜好性が出ています。 右側には、自分の言葉で書いたグッとくるフレーズが、少なくとも３つぐらいは貯まっています。 左側を読むことで浮かび上げるあなた自身の嗜好性を理解した上で、今のあなたが書ける最高の言葉を使って、ネームを描いてみましょう。 加えて、これも大事なコツですが、あなたが一番言いたいことを、脇役に言わせてはいけません。 どんな意見であっても、必ず主人公に言わせてください。 創作でお金を稼ぐということがどういうことか、シンプルに考えてください。 あなたの考えること（創作物）を面白いなと思った時に、人はお金を払うわけですよね。 ここが読者誕生の瞬間です。 にも関わらず、あなたの考えてること・言いたいことを脇役に言わせて、主人公はそれとは違う考え方の人間にすると、それだけで不利になるって解りますか？ あなたの考えに賛同してくれる読者は、違う考えの主人公のことは好きじゃない可能性が高いからです。 あなたが技術的にもっともっと上手くなって、自分自身の考えが解らない人、全然違う人間の内面を魅力的に書けるようになったら、やっても良いと思いますが、現状は投稿レベルでつまずいているわけで、技術力はそこまでないと考えるべきでしょう。 だったら、まずは「こんなことを考えてるんだ！」「こんな時にキュンとする」「こんなことに嬉しいと思う」「こんなことを言ってやりたい」等々あなたの考えてることや理想を主人公に全部詰め込んでください。 おそらくですが、あなたの次の関門はここです。 元々の性格なのか、なかなかデビューできないせいだったのか、 あなたは現状、自分の考えに自信が持てていません。 だから、違う考えを平気で書こうとする。 でも、それでは作家として不利なんです。 「誰かがこう言ってたよ」と自分の考えを誰かの言葉のようにして他人に伝えるクセがあったりしませんか？ 漫画のプロになるということは、自分の考えてることを他人に見せることでお金を貰うという行為です。 自分の意見を言うこと、伝えることに勇気を持ってください。 伝わらなかった時に、自分の考えてることは駄目なんだと思うんじゃなくて、どうしたら伝わるのかを考えて下さい。 技術力の無さにはいくら落ち込んでもいいです。 だってテクニックは身につけられますから。 上手くなるスピードの差はあれど、人は必ず上手くなります。 下手というのは、単なるあなたの「今の状態」でしかないんです。 でも、「下手」という「状態」を受け止めることを嫌って、あなた自身の中身を捨てるというのは、作家として自殺行為です。 あなたはそれをやってしまっているような気がして、心配でならないです。 大事な部分はなにか。 プライドを持つべき部分はどこか。 そこを間違えないで下さい。

畑中雅美:違いをあなた自身がはっきり認識出来ているなら、描けると思います。逆に、違いが解らないのなら、実力以上のチャレンジではあるかと。 大谷翔平選手が大活躍しているニュースを見て「二刀流は実現可能なんだ！」と思いはしても、「大谷翔平に出来るってことは、誰でも出来る！」と簡単に思ったしませんよね？ 「難しい」ことに直面した時に、「難しい」から「できない」「やらない方がいい」と考えるか、「難しい」から「出来るようにめっちゃ頑張ろう！」と考えるか。 その2択のどちらを選ぶかは、私は本人が決めるべきことだと思います。 とりあえずまず、「違いって何なのでしょうか？」を自分で考えてみましょうか？ 正直これは、あなたの漫画スキルによって答えが変わるのでインスタントに答えられないですが、難問に取り組む時ほど基本が大事です。 漫画は1コマ1コマ、１ページ1ページが面白ければOKです。 思わせぶりな横顔だけのコマで読者を魅了することが出来る演出力、絵力を持ってるなら、そんな回想シーン満載でも行けるでしょうが、そこまでの絵力がないなら、当然違うところで勝負する必要があります。 自分の持っている戦力をよく見極めて、どういう風に作品を書くと1コマ1コマ興味を持って読み続けてもらえるかをまずは考えましょう。 逆に上手く行ってない作品は、色んな理由があれど結局１コマ1コマがつまんないんですよ。セリフにしろ、絵にしろ、読者にその漫画を読み続けさせるほどの仕掛けを作ってない。 とにかく読者が最後まで読んでくれる前提で漫画を描かないことが大事です。 読者は面白くないと読み続けてはくれません。 実際、書き手であるあなたですら、読み始めたら必ず最後まで読むなんてことしてないでしょ？ 他人の作品には残酷な行為をしているはずです。 「最初は後半へのフリだからつまんないかもしれないけど、最後まで読んだら面白さが解る」なんて甘えた作りにしない。 導入のフリはツカミとして最高だし、中盤の謎も面白いし、キャラも魅力的だし、最後まで読むともっと興奮する作りになることを目指すべきで、そうなっていれば絶対いけます！ ちなみに個人的に、回想と現在を行ったり来たりする作品は大好きです！ 難しいしめちゃくちゃ大変だと思いますが、やりたいなら応援します！！！ なんか大変そうだな…そこまで頑張りたくないな…って思うなら、やめていいと思います。 やるかやらないかは編集者ではなく、作家であるあなたが決めるべきです。

畑中雅美:質問を頂き、切なくて苦しくて、どう答えたらいいのかとしばらく悩んでしまいました。 長年漫画家さんを見てきて、人間って本当にビックリするほど変わるんだな…変わって行くんだな…と実感しています。 子供が生まれた瞬間、作風が変わった方。 年齢を重ねて、時間への捉え方が変わり、若い頃の3分を30ページに詰め込むような作風から、30ページで数年経つような作風に変わっていく方もいました。 ご自身が望んだ選択によって訪れた変化は、たとえ若い頃人気を博した作風を捨てることになったとしても良いことだと思うのですが、今回のような「変えられてしまった…」という変化には憤りを感じてしまいます。 でも、じゃあなかったことに出来るかと言えば、出来ないと思います。 元に戻ろうとするほど、逆にあなたは今の自分との違いに気づいて、さらに傷ついてしまう気がするのです。 だから以前のあなたはもういないんだと思うと切なくて泣きそうになりますが、いま心の中に憎しみの炎が燃えているあなたのことも好きだと思って欲しい。 今のあなたが描きたいものを面白いなって受け入れてあげて欲しいな…と思うのです。 言いたくても言えなかった言葉を書き連ねることを、作家としてダメなことではなく面白いと捉えて欲しいです。 描いて欲しいです。 漫画の中で、ギタギタにしてやりましょう。 恋愛モノには馴染まないという思い込みを持ってらっしゃるようですが、おそらく以前のあなたが好きな恋愛モノにはそういうシーンがなかっただけで、大ヒットした恋愛モノの中にはいくつも、最低なヤツを主人公がギタギタにするような話は沢山あります。 「ここまでやるんだ…」と驚いたラブストーリーの1つに、世界で1200万部以上売れた『ベアード・トゥ・ユー』シリーズがあります。 この作品は導入こそは開放的なヒロインと大金持ちのイケメンとの典型的なラブストーリーなのですが、巻を進めるごとに、このヒロインが性に対して開放的なのは、幼少期に義理の兄から性的虐待を受けていたからで、兄のせいで男性嫌いになったり恋を楽しめなくなるのは嫌だという強い意志の元、明るく強く過ごしているんだな…と解って行きます。 子供の頃から苦しめストーカーし続けヒロインの心を蝕んできた最低な義理の兄に対して、大人になったヒロインは毅然とした態度で立ち向かいます。 そんな姿に、ヒーローは勿論彼女に惚れ直すわけですが、同時に、彼女は必死で心を奮い立たせているだけで、兄がいる限り彼女の心が休まる時はなく、今も傷ついて怯えているんだ…と胸を痛めます。 そして彼はなんと、ヒロインの知らないところで、この義理の兄を殺しちゃうんですよ…！！ 頭脳を駆使して、完全犯罪を成し遂げてしまう。 警察も捕まえられない。なんの証拠も残していないと諦める…！という流れ。 理由があれば殺人を犯してもいいのか？という問いには、私個人の意見としてはノーで、最初に読んだ時にはビックリしたし、そして当然この展開に対して賛否両論出たようなのですが、でも創作物としてはチャレンジングで、この展開を考えた作家にも通した編集者にもリスペクトを感じました。 だって、否定意見が出ることなんて百も承知で書いてますよね。 その上で強い意志で、書きたいものを書いた。 「実際にやらないからこそ、フィクションの中でぐらいこの最低なヤツを殺してやりたいと思ったっていいじゃないか。それがフィクションだ」とプロットで殴られたような気になりました。 読んでみて、もし面白いと思ったら、最低なヤツをギタギタにするような話を描いてみてください。 私の描きたいものじゃないな…と思ったら、その気持ちにもどうか正直になってみてください。 「描きたくないな！　こんなものを読者に届けたくない！！！」 もしそう強く思ったなら、その激しい気持ちが結果、あなたの漫画を穏やかにすると思います。 どちらにしろ、心を封印しないで欲しいです。 あなたの心に、もっともっと火をつけて欲しいです。 今、どんなものが描きたいのか。今、どんなものが読みたいのか。 心をたきつけてください。 激しい物語に向かうのか。 怒りがあるからこそ、理想の穏やかな世界を描ききるのか。 どちらにしろ、創作にはエネルギーが必要です。 今の本音をたぎらせてください。

畑中雅美:面白い漫画を描くためには、視点をいくつも持つ必要が絶対にあります。最小で３つですかね。主人公目線でどういう状況なのか。主人公と一番関わる人間、ラブストーリーなら恋の相手から見るとどういう状況なのか。そして、読者から見て、現状このシーンがどう見えているか。 少なくともこの３つの視点が持てないと、シンプルなストーリーすら描けません。 登場人物が増えるということは、その分視点が増えるということです。 それぞれの人間に正義や都合があり、利害が一致しないことなどが多々あるからこそ、より物語にうねりが生まれていく。 さて、これは漫画を描く上での基本スキルなので、漫画家であるあなたは当然お持ちの能力だと思います。 なので、状況を整理するために現在の登場人物である「原作者」「編集者」「脚本家」「漫画家」この４者それぞれの視点を考えてみましょうか？ まず「原作者」です。 原作者は自分の作品をコミカライズされるにあたって、なにをしたいでしょうか？ チェックでしょうか？ たとえば自分の思いと違うことが書かれてた場合、原作者はどうするでしょうか？ 勿論修正の依頼をしますね。 …ただこれ、原作者からすると、非常に面倒で、心を削られる作業でもあります。 自分の作品を任せた相手が、自分の描いた意図を解ってくれないというのは非常に精神的に辛く、徒労感に襲われる作業です。 人のものを直すより、自分が書いた方が早いとさえ思う時もあり、「私の作品のコミカライズなんだから、私の書いた通りやってくれよ…！」と怒りを感じることも多いでしょう。 だから、「コミカライズさせてくれ」と頼まれた時に、「短縮はＯＫだが、基本は改変しないなようにしてください」と条件を付ける方もいらっしゃいます。 さて、「編集者」です。 編集者は、人気小説をお預かりしてコミカライズする場合、なにをするでしょうか？ 漫画として面白い作品を作る、というのは勿論大前提です。 その上で、ひとつ大事な仕事があります。 「原作者」「脚本家」「漫画家」、この３者全員にいい仕事をしてもらうため、不必要な仕事をさせないように立ち回る。 上述の通り、原作者にとって確認は基本面倒な作業です。 確認せずとも勝手に進んで、最高のものが出来ているというのが理想という方もいるほどです。なにせ売れっ子ほど他に仕事も抱えており、忙しいですからね。 だから確認は少なければ少ない方がいい。 だから、編集者は考えます。原作者の確認をどこで取るか。 原作者の「確認」を「ＯＫをもらうこと」と考えるバカもたまにいますが、創作の場では違いますよね？ 「直すタイミング」の話です。 どこで、誰が直すのか？ ネーム（絵コンテ）の段階で確認して直す場合、修正に応じるのは「脚本家」「漫画家」になります。 ちなみにネームでは解らないと言われることもあり（簡易な絵で描かれる方も多いので）、下絵で確認となると、「漫画家」に地獄が起こります。 仕事ができない人間は、なぜか修正が入らないことを前提に仕事を組みますが、原作者を大切にしている編集ならば、修正に応じることを前提に仕事を組むかと思います。 となると、できれば脚本の段階で確認して欲しい。 そうすれば修正に応じるのは「脚本家」一人になりますから。 漫画家の描いたネームが全没になるという状況を防ぐことができます。 これは、映画やドラマ、アニメの場合も基本そうで、脚本の段階でチェックをしてもらい、実際作った映像を見て「撮影しなおしてください」なんて修正は出来ない。 完成したものは勿論見て頂きますが、余程のことでない限りは脚本の段階を越えたら直せない、という方式がほとんどです。 なぜなら、「直すタイミング」が後ろになればなるほど大変になるからです。 とはいえ、どれほど現場が地獄になろうが、良いものを作るという高みを目指すためにはどうでもいい。面白い漫画を作るという理想の前には、修羅場をくぐるのは当然で、それを覚悟して漫画家になったはずだ！！という編集者もいます。 完成に近い状況での確認をして修正する方が、クリティカルな直しになり、良いものが出来る可能性は否定できない。しかしブラック。 さて、どちらを取るかを編集者は迫られているわけですが、まぁ余程肝が据わっている編集じゃない限り、いまどき後者は選択しません。 ＳＮＳで告発されて終了ですからね。リスクが大きすぎます。 さて、「脚本家」です。 原作小説を読んで、その良さをどう漫画に落とし込むか…を考えるのがお仕事なわけです。 そこに「漫画家」から「私はこうしたい」というアイディアを聞くとする。 脚本家の立場から見ると、船頭が3人に増えた状態です。 「原作者」「漫画家」「編集者」からそれぞれ希望を伝えられ、それを全部入れて脚本を書いて、「原作者」に確認をしてもらったら、「気持ちは解るのですが、今回は原作通りに」という修正が来たとする。 となると、「漫画家」の希望を聞いたせいで、仕事が増えることになります。 「脚本家」目線では、船頭は出来るだけ少ない方がいい。 さて、「漫画家」のあなたから見た視点は、描いてくださった通りです。 さて、この4者の立場の違いを理解した上で、主人公である「漫画家」のあなたは、どうやったら望みがかなうと思いますか？ あなたの望みが叶えられない理由は、あなたの元に脚本が届く前に「原作者」「脚本家」の仕事が終わっているからです。 あなたのところで修正が来ると、再度「原作者」「脚本家」の手を煩わせることになる。 編集は作画と脚本を直接やり取りをさせないようにしているとのことですが、それは担当目線では脚本家と漫画家を守っているんだと思います。 勿論ね、たまたま気が合う二人で、直接やることで相乗効果が出る場合はありますよ。 最高の状態です。 でも、上手くいく場合より、意外と仲違いすることが多いのも事実です。 実際、あなたは脚本を気に入ってないわけで、だから修正したいわけですよね？ 脚本家と漫画家が目の前で喧嘩した場合、編集者はどう仲裁するのか？ おそらく、その編集者は機会を作らないということで、事前にトラブルを避けている。 さて、この状況で「でも、もっと面白いものに出来ると思ってるのに！！」というあなたの漫画家としての翼を広げるためにはどうしたらいいか。 １：自分が脚本も描く。 ２：受け取った脚本への意見ではなく、この先に描くものに対してのアイディアを、原作者に伝える。 １はシンプルです。 あなたが脚本を書けばいい。 今回の場合は、脚本と作画が解れている場合の相談です。 なので、２ですね。 原作小説が数巻に渡って続いていて、現在1巻を描いているとします。 この先、３巻で新キャラが出るとするじゃないですか？ もし、そこになにか「こういう設定にした方が、漫画映えする」ということがあれば、今のうちにアイディアを出しておく。 早ければ早いほどいいです。 原作小説があるんですから、先にどんどんネームを描いちゃえばいいじゃないですか。 それを原作者にも見てもらって、意向を確認する。 もしかしたら原作者ＮＧかもしれません。 でも、もしその改変にＯＫが出た状況ならば、脚本家も描きやすいですよね。 さて、この作業をどう思いますか？ 1巻で連載が終わるかもしれないのに、そんな先の作業は無駄になりそうで、それは嫌だ、ということなら、編集者は最初からそう思って、あなたに無駄な仕事をさせないように立ち回ってくれています。 作業が増えたとしても、よりよいものを目指したいと思っているのなら、その気持ちを行動に出しましょう。 質問を読む限り、あなたは意見が通ることを前提に少々ものごとを捉えすぎな気がします。 作業のやり直しに対して意識が少ない。 そんなことを考えないで済むぐらい、現状は無駄のない仕事依頼なんでしょうね。 でも、無駄がないけれど、味気ない。 人って面白いですよね。 大変だと文句を言うし、大変じゃなくても辛い。 まぁでも、私はこの状況に対して、やりがいがないと感じる作家の描く漫画の方が読みたいです！！ 通らない日々を過ごしながらも、ちょっとでも良いものを…と思って望まれてないのにアイディアを出し続けるあなたは、非常に信頼できる作家だと思います。 だからね、未来に描くかもしれないネームを先んじて描いてみましょうよ。 出版社からすれば、別に総コストにハマればいいだけで、脚本家をはさまず漫画に出来るならその方が楽ですから。 原作の３巻以降は、あなたが直接コミカライズする方式になるかもしれません。 脚本家さんの仕事を奪うのでは？と思うかもしれませんが、大丈夫です。 人気作品は他にもありますから。 そっちをやってもらえばいいんです。 その脚本家さんは、オリジナルを書きたい人かもしれませんし。 さて、そうやって自分で１からやってみると、出版社がわざわざコストを払ってなぜ脚本家を雇っているのか痛感するかもしれません。 「脚本家さん、漫画にするために凄く絶妙な仕事をしてくれてたんだな…。小説から漫画って案外難しいんだな…」と感じるかもしれません。 自分が一から考えるとなると、ネームに異様に時間がかかる…などなど他の要素が見えてくるかもしれません。 脚本家の仕事を理解することで、今感じてるストレスから解放されるかもしれません。 どちらにしろ今あなたは、自分でやってみたいんだと思いますよ。 やってみましょう。

畑中雅美:面白い漫画を描くためには、視点をいくつも持つ必要が絶対にあります。最小で３つですかね。主人公目線でどういう状況なのか。主人公と一番関わる人間、ラブストーリーなら恋の相手から見るとどういう状況なのか。そして、読者から見て、現状このシーンがどう見えているか。 少なくともこの３つの視点が持てないと、シンプルなストーリーすら描けません。 登場人物が増えるということは、その分視点が増えるということです。 それぞれの人間に正義や都合があり、利害が一致しないことなどが多々あるからこそ、より物語にうねりが生まれていく。 さて、これは漫画を描く上での基本スキルなので、漫画家であるあなたは当然お持ちの能力だと思います。 なので、状況を整理するために現在の登場人物である「原作者」「編集者」「脚本家」「漫画家」この４者それぞれの視点を考えてみましょうか？ まず「原作者」です。 原作者は自分の作品をコミカライズされるにあたって、なにをしたいでしょうか？ チェックでしょうか？ たとえば自分の思いと違うことが書かれてた場合、原作者はどうするでしょうか？ 勿論修正の依頼をしますね。 …ただこれ、原作者からすると、非常に面倒で、心を削られる作業でもあります。 自分の作品を任せた相手が、自分の描いた意図を解ってくれないというのは非常に精神的に辛く、徒労感に襲われる作業です。 人のものを直すより、自分が書いた方が早いとさえ思う時もあり、「私の作品のコミカライズなんだから、私の書いた通りやってくれよ…！」と怒りを感じることも多いでしょう。 だから、「コミカライズさせてくれ」と頼まれた時に、「短縮はＯＫだが、基本は改変しないなようにしてください」と条件を付ける方もいらっしゃいます。 さて、「編集者」です。 編集者は、人気小説をお預かりしてコミカライズする場合、なにをするでしょうか？ 漫画として面白い作品を作る、というのは勿論大前提です。 その上で、ひとつ大事な仕事があります。 「原作者」「脚本家」「漫画家」、この３者全員にいい仕事をしてもらうため、不必要な仕事をさせないように立ち回る。 上述の通り、原作者にとって確認は基本面倒な作業です。 確認せずとも勝手に進んで、最高のものが出来ているというのが理想という方もいるほどです。なにせ売れっ子ほど他に仕事も抱えており、忙しいですからね。 だから確認は少なければ少ない方がいい。 だから、編集者は考えます。原作者の確認をどこで取るか。 原作者の「確認」を「ＯＫをもらうこと」と考えるバカもたまにいますが、創作の場では違いますよね？ 「直すタイミング」の話です。 どこで、誰が直すのか？ ネーム（絵コンテ）の段階で確認して直す場合、修正に応じるのは「脚本家」「漫画家」になります。 ちなみにネームでは解らないと言われることもあり（簡易な絵で描かれる方も多いので）、下絵で確認となると、「漫画家」に地獄が起こります。 仕事ができない人間は、なぜか修正が入らないことを前提に仕事を組みますが、原作者を大切にしている編集ならば、修正に応じることを前提に仕事を組むかと思います。 となると、できれば脚本の段階で確認して欲しい。 そうすれば修正に応じるのは「脚本家」一人になりますから。 漫画家の描いたネームが全没になるという状況を防ぐことができます。 これは、映画やドラマ、アニメの場合も基本そうで、脚本の段階でチェックし、実際作った映像を見て「撮影しなおしてください」なんて修正は出来ない。 完成したものは勿論見て頂きますが、余程のことでない限りは脚本の段階を越えたら直せない、という方式がほとんどです。 なぜなら、「直すタイミング」が後ろになればなるほど大変になるからです。 とはいえ、どれほど現場が地獄になろうが、良いものを作るという高みを目指すためにはどうでもいい。面白い漫画を作るという理想の前には、修羅場をくぐるのは当然で、それを漫画家になったはずだ！！という編集者もいます。 完成に近い状況での確認をして修正する方が、クリティカルな直しになり、良いものが出来る可能性は否定できない。しかしブラック。 さて、どちらを取るかを編集者は迫られているわけですが、まぁ余程肝が据わっている編集じゃない限り、いまどき後者は選択しません。 ＳＮＳで告発されて終了ですからね。リスクが大きすぎます。 さて、「脚本家」です。 原作小説を読んで、その良さをどう漫画に落とし込むか…を考えるのがお仕事なわけです。 そこに「漫画家」から「私はこうしたい」というアイディアを聞くとする。 脚本家の立場から見ると、船頭が3人に増えた状態です。 「原作者」「漫画家」「編集者」からそれぞれ希望を伝えられ、それを全部入れて脚本を書いて、「原作者」に確認をしてもらったら、「気持ちは解るのですが、今回は原作通りに」という修正が来たとする。 となると、「漫画家」の希望を聞いたせいで、仕事が増えることになります。 「漫画家」の作風自体に人気・力があり、その「漫画家」と「原作者」の個性のマリアージュを求められているなら別ですが、企画として「原作」の人気ありきの場合は、どうしても「原作者」の意向を重要視したいと考えると思います。 なんといっても、原作をお預かりしているわけですから。 さて、「漫画家」のあなたから見た視点は、描いてくださった通りです。 さて、この３者の立場の違いを理解した上で、主人公である「漫画家」のあなたは、どうやったら望みがかなうと思いますか？ あなたの望みが叶えられない理由は、あなたの元に脚本が届く前に「原作者」「脚本家」の仕事が終わっているからです。 あなたのところで修正が来ると、再度「原作者」「脚本家」の手を煩わせることになる。 編集は作画と脚本を直接やり取りをさせないようにしているとのことですが、それは担当目線では脚本家と漫画家を守っているんだと思います。 勿論ね、たまたま気が合う二人で、直接やることで相乗効果が出る場合はありますよ。 最高の状態です。 でも、上手くいく場合より、意外と仲違いすることが多いのも事実です。 実際、あなたは脚本を気に入ってないわけで、だから修正したいわけですよね？ 脚本家と漫画家が目の前で喧嘩した場合、編集者はどう仲裁するのか？ おそらく、その編集者は機会を作らないということで、事前にトラブルを避けている。 さて、この状況で「でも、もっと面白いものに出来ると思ってるのに！！」というあなたの漫画家としての翼を広げるためにはどうしたらいいか。 １：自分が脚本も描く。 ２：受け取った脚本への直しを出すのではなく、この先に描くものに対してのアイディアを事前に出しておく。 １はシンプルです。 あなたが脚本を書けばいい。 今回の場合は、脚本と作画が解れている場合の相談です。 だから、２ですね。 原作小説が数巻に渡って続いていて、現在1巻を描いているとします。 この先、３巻で新キャラが出るとするじゃないですか？ もし、そこになにか「こういう設定にした方が、漫画映えする」ということがあれば、今のうちにアイディアを出しておく。 早ければ早いほどいいです。 原作小説があるんですから、先にどんどんネームを描いちゃえばいいじゃないですか。 それを原作者にも見てもらって、意向を確認する。 もしかしたら原作者ＮＧかもしれません。 でも、もしその改変にＯＫが出た状況ならば、脚本家も描きやすいですよね。 さて、この作業をどう思いますか？ 1巻で連載が終わるかもしれないのに、そんな先の作業は無駄になりそうで、それは嫌だ、ということなら、編集者は最初からそう思って、あなたに無駄な仕事をさせないように立ち回ってくれています。 作業が増えたとしても、よりよいものを目指したいと思っているのなら、その気持ちを行動に出しましょう。 質問を読む限り、あなたは意見が通ることを前提に少々ものごとを捉えすぎな気がします。 作業のやり直しに対して意識が少ない。 そんなことを考えないで済むぐらい、現状は無駄のない仕事依頼なんでしょうね。 でも、無駄がないけれど、味気ない。 人って面白いですよね。 大変だと文句を言うし、大変じゃなくても辛い。 まぁでも、私はこの状況に対して、やりがいがないと感じる作家の描く漫画の方が読みたいです！！ 通らない日々を過ごしながらも、ちょっとでも良いものを…と思って望まれてないのにアイディアを出し続けるあなたは、非常に信頼できる作家だと思います。 だからね、未来に描くかもしれないネームを先んじて描いてみましょうよ。 出版社からすれば、別に総コストにハマればいいだけで、脚本家をはさまず漫画に出来るならその方が楽ですから。 原作の３巻以降は、あなたが直接コミカライズする方式になるかもしれません。 脚本家さんの仕事を奪うのでは？と思うかもしれませんが、大丈夫です。 人気作品は他にもありますから。 そっちをやってもらえばいいんです。 その脚本家さんは、オリジナルを書きたい人かもしれませんし。 さて、そうやって自分で１からやってみると、出版社がわざわざコストを払ってなぜ脚本家を雇っているのか痛感するかもしれません。 「脚本家さん、漫画にするために凄く絶妙な仕事をしてくれてたんだな…。小説から漫画って案外難しいんだな…」と感じるかもしれません。 自分が一から考えるとなると、ネームに異様に時間がかかる…などなど他の要素が見えてくるかもしれません。 ネームが全ページ没になってしまうという経験を初めてして、打ちのめされるかもしれません。 でもそうやって、脚本家がいてくれる意味を理解することで、今感じてるストレスから解放されるかもしれません。 どちらにしろ今あなたは、自分でやってみたいんだと思いますよ。 その気持ちを封印している以上、不満は沸いてしまう。 だから、一旦描いてみましょう。

畑中雅美:設定をダラダラ作ってもいいです。いくらでもどうぞ！そこには一切問題ありません！！ 問題は、その設定を「必要もないのに漫画の中に描くこと」です。 描きこんだ結果、話の邪魔になるという感想を抱かれてしまったということは、つまり現状のプロットは「特殊なキャラ設定やバックボーンがストーリーの面白さに繋がらない物語」になってるのかと。 「特殊な環境設定」と「話の筋」の関係が無関係または希薄。 設定を変えたところで成立する物語、を書いてしまってるんでしょうね。 だから読んでいて、設定説明が余計に感じてしまう。 今のあなたの状況を料理にたとえてみますね。 設定は、具材材料みたいなもの。 で、たとえばあなたは生クリームが好きだとします。 それも牛乳ではなく豆乳から作った特別な生クリームが好きだったとするじゃないですか。 独特と軽さのある生クリームが出来たとする。 それ自体は美味しいとする。 さて、それを使ってあなたが今作ろうとしているものが、味噌汁だとする。 味噌汁を客に出す時に、生クリームを乗せようとしたら、「いや、やめて。味噌汁だけで飲ませて」と言われた。 これがあなたの今の状態です。 あなたはおそらく客（編集者）に対して、 「いやいや、この生クリーム、牛乳ではなく豆乳で出来てて、この味噌は豆味噌だし、具材も豆腐だし、実は全部大豆で出来ていて…」と説明するんだと思うのですが、 「うんうん、理論は解ったよ。でもさ、シンプルな味噌汁の方が結局美味しくない？　そっちの方がファンが多くない？？　豆乳生クリームなんて特殊な具材（設定）わざわざ作る必要なくて、ワカメとか普通の具（設定）にして」 って言われちゃってる状況かと。 諸悪の根源はだから、キャラが弱いとかそういうことじゃなくて、「出来上がりの完成図」と、「どういう存在として世に出すか？」という「パッケージ」を意識出来ていないことにあります。 色々設定をダラダラ考えるがキャラとして弱くなるのは「出来上がりの完成図」が念頭にないからです。 その設定を付けることで、どういう面白みのあるキャラになるのか？ キャラクターの出来上がりがイメージできてない。 設定をいくら説明してもいいのですが、その設定を説明したらどういう面白い漫画になるのか？ 漫画自体の出来上がりのイメージが出来てない。 パッケージを意識出来ていないことについては、再度上述の料理を使って説明しますが、別に味噌汁に豆乳クリームを乗せたっていいんですよ。 それを定食屋で「味噌汁」として出すから、客はギョッとして、気持ち悪く見える。 でも、洋食屋で「味噌仕立てのカプチーノスープ」と名付けて出したら、別にギョッとされないし、「実は全部同じ豆で出来ていて、だから合うんですよ」と言う説明をするとむしろ感心して貰えるでしょう。その情報が、スープに付加価値を与える。 むしろ説明をどんどんして欲しいと言われるでしょう。 あなたの仕事は漫画家です。 漫画を作るお仕事です。 設定屋さんではないんです。 どんな漫画を作るのか、最終形態をまずイメージしてください。 「わたしは設定から作るタイプです」とのこと。 それでもいいです。これまで通り設定から考えてください。 その上で、その設定が一番活かされ、結果面白くなるキャラ・物語はなにか？最終形態を意識してください。 生クリームは一般的にはケーキやシュークリームに使った方が喜ばれるみたいに、別の物語の方があなたの考えた設定は活きるかもしれないです。 いや、生クリームをあえて味噌汁に乗せるように、今までにない組み合わせを世の中に出したいんだというのなら、新しいジャンルとして解るような名付けが必要です。その組み合わせが面白く見えるような見え方をしっかり考えてください。 キャラに問題があるように思い込んでいますが、そうではない可能性が大です。 漫画は総合芸術であることを、忘れないでください。

畑中雅美:担当があまり直さない状況とのこと。そして、あなたの漫画は面白くならないと。それは担当のせいですか？というご質問ですが、普通に考えると実力のせいでしょうね。 ただね、豪速球で他人のせいにするヤバめな人間性含め、そのままで良いと思います。 ヤベーヤツだなって自覚はしておいた方があなたも周りも双方生きやすいかと思いますが、でもね、直す必要はない。それはあなたの才能と表裏一体です。 あなたは高みを目指してる。 あなたの中に、ハッキリと到達したいレベルが見えてる。 でもそこに届く技術がまだない。実力がまだ追い付いてない。 思ってる以上に現状差があるんでしょうね。 だから直したくても、具体策を出せない。 最初からそのレベルの作品も描けない。 ここで自分の力不足に嘆いて自分をダメだと思うようなマインドだと、自主没を繰り返し、描くのが止まってしまいます。 でもあなたは幸い担当のせいと思えるタイプなんで、出せる。 良いアイディアが出て来ない理由を担当のせいにして自分は責めない。 自分に攻撃が向かない。 これはね、良いですよ！！ 良いと思います、それで！！！！ 自覚だけはしておいて欲しいですけど。 編集も人間なんで、ガチめに責められると傷つくんで。 編集側から見える景色を伝えると、新人に最初から売れっ子なみの漫画の出来・面白さを求めてしまうと、潰してしまう時があります。 そもそも実力に差がありすぎて、数年に渡ってOKが出ないなんてことが平気で起こる。 だからOKラインを低くしているだけじゃないですか？ 良い意味でも悪い意味でも「投稿者」だと思われてるんだと思います。 投稿者に求めるレベルさえ越えていたらOKで、完璧を目指してあれやこれや直し出して描けなくなるより、一本でも多く描くことこそが大事な時だと思ってる。 ただ、この編集の良かれと思った低いレベルのOKが、作家を壊す時もまたあります。 新人時代に低いレベルでOKと言われつづけることで作家の中に本来あった向上心がしぼみ、そのレベルの自分に満足し、逆に作家としての虚栄心は肥大させ、デビューから数年経ったのに新人並みに下手なまま文句だけは多いベテラン作家となり仕事がなくなってしまう…なんてことも多々あります。 だけどあなたは、自分の現状の漫画にも、担当の低いレベルのOKにもイライラしています！ もっともっと面白い漫画を描きたいと思ってるわけですよね？ 向上心に満ち溢れています！！！ これはあなたの持つ最大最高の強みです。 漫画は、上手くなろうと思わないと上手くなれません。 もっともっと！という、その気持ちが作家を育てるんです。 あなたは絶対上手くなります！ 凄く面白い作品を描く作家になる！！ そして担当はバンバン描かせてくれる！ 最高じゃないですか。 これからもブツブツ担当に文句言いながら、もっと面白くしたいのに！！と七転八倒してください。 今のままで大丈夫です！！！！

畑中雅美:ヒットを出すべく漫画の勉強をしていたはずが、平凡・その他大勢になる練習をしてしまっていたってことですね。 一番よくあるのは「読者に共感させる」というテクニックを聞いて「読者が共感しやすいキャラクターを描こう！」なんていう安直な発想でドツボにハマるパターン。 編集者から「『私にしか描けないもの』を描いていない」と指摘されたとのこと。 ご自身でも、勉強した結果、二番煎じ的作品しか描けなくなっている気がするとのこと。 なのでおそらくですが、前述の一番よくあるパターンにハマってる気がします。 「共感」という言葉は、そもそも19世紀のドイツ美学に端を発した学術用語です。 創作の現場で「共感」と言う言葉がよく語られるのも、ドイツの心理学者で哲学者のテオドール･リップスの感情移入論から端を発しています。 雑に説明すると、人が芸術・創作物に心を動かされる時のプロセスの中には、感情移入、共感があるというもので、「共感する」と能動態の動詞で語られる通り、読者側の心の動きの話です。 他人の気持ちを理解できると、感動するよって言ってるわけです（乱暴すぎる説明で怒られるかも…）。 つまり、「共感」というのは、読者が「自分と似たような人間に抱く感情」を説明した言葉ではないということです。 大事なとこなんで執拗に書き募りますが、「読者に共感されるような漫画を描こう」というのは「読者の同情をひくような漫画を描け」という意味では断じてない！！！ということです。 読者にとって他人である全く違う人間性の感情を、読者に理解させろ、感情移入させろって言ってるんです。 『ワンピース』のルフィが、読者と似てるわけじゃないじゃないですか。 あんな凄くて友達を大事にしてくれる人が世の中に溢れてるなら、そりゃあ世界は楽しいでしょうが、残念ながら違います。 少女漫画史上最も売れた作品としてギネスに載った『花より男子』の牧野つくしだって、その辺にいるような人間ではありません。人を骨折させたり社会的に抹殺までしてくるとんでもないイジメッ子に対して「戦線布告よ！」と叫ぶ人間です。 つくしの勇気に感情移入し共感しても、同情しているわけではないです。 「完全に私と同じ。私も同じことをやりました…！」と思った読者など、あのヒットを支えた数の中に一体何人いたのか…！ 明らかに読者とは違うキャラクターです。 でも、ルフィーの友達を思う気持ちは解る。 つくしがなぜ勇気を出したのかは読者は解る。 共感できるように描かれているからです。 読者に共感させるためのテクニックに満ちているんです。 ぜひ一度、そういう目でヒット作を見つめてみてください。 主従を逆転させないでください。 ルフィや牧野つくしのようなキャラが読者に共感されやすいと思い込んで、そっくりのキャラを描いたって意味はないんです。 どうやって牧野つくしに共感を集めたのか？ そうさせた「漫画のテクニック」が存在していることに、気づいてください。 そのテクニックを身につけた時が、あなたが売れる時です。 そのためにはまず「他人には理解されない」と思い込んでいる感情を描くことが一番解りやすい練習です。 なにせ、他人には理解されないと思ってる感情なんで、どうしてそう思うのかを丁寧に読者に説明する必要がありますよね？ それが、共感される漫画を描けるようになる第一歩です。 読者のことを自分と同じなんて考えないでください。 あなたと同じ人なんて、この世に1人もいないんです。 読者もそうです。1人として同じような読者はいない。 読者もまた唯一無二の存在であり、色んな考え、感情を持ってるんです。 だからこそ安易に「みんなこう思うんでしょ？」と考え、「みんなが好きそうなキャラ」を描いたりしていては、いつまで経っても共感されない。 人気が出ない。売れない。 全然違う人達に対して、全然違うあなたの考えを、どうしたら解って貰えるか？ 理解して貰えるか？ 共感してもらえるか？ そう思って、「絶対他人には理解されない感情」を共感されるように描いてみてください。 それが出来たら、あなたの漫画は自然と『私にしか描けないもの』になっていると思いますよ。 描いてみて。 絶対描けるから。

畑中雅美:よくあることか？なんて聞いてどうするんですか？　一般の方ではなく、作家さんなんでハッキリ言いますが、３手先で必ず行き詰るような質問をしていては、漫画を描く上でも困ることが多いと思いますよ。 私から「よくあることです」と返事をされたらどうする気だったんでしょうか？ なにかあなたの状況は変わりますか？ なんの変化ももたらさない無意味な質問です。 それとも、私から「よくあることです」なんて答えは絶対に返ってこないという想定を勝手にしていたんでしょうか？ 編集部への対処方法を提示してくれということを暗に言ったつもりであり、私に察してくれということでしょうか？ だとすると、その「察してくれ」「暗に伝えたつもり」というのがおそらく諸悪の原因でしょうね。 相手の返答を一つしかないと想定してしまう、その発想の狭さも、おそらく原因の一つかと。 質問を読む限り、仕事上のコミュニケーションが上手に取れていない状態かと。 別に一般の人が友達同士の会話に対して、勝手に期待したり、想像通りの答えが返ってこなくて、困ったり傷ついたりしてもいいと思います。 でも、あなたは作家です。 会話の中でなにが起こるのか？どう展開していくのか？ 行き違いが生まれるのはどういう時か？ こういう質問をするのは、どんな人間か？　どんな問題を産むのか？ 冷静に見つめる目も持っていて欲しいです。 ネームを読んでいないし、状況が解らないのでなんとも言えないですが、 質問文から想定される作家としてのあなたの実力を予想すると、 企画の内容で止まっているのではなく、漫画の技術的な部分で止まっているのでは？ だとすると、企画を変えても意味がありません。 担当が「会議は通っているのでこれをやりましょう」と固執する理由も、そこにあるような気が質問文だけ見ると感じてしまいます。 余程面白い企画なのでは？ 半年も粘ってるんですから。 でも、ずっと技術的なところで止まっているのでは？ 解らないですけど。 なのでまず、担当者とコミュニケーションを取ってください。 あなたはそもそも、別の企画を書きたいんですよね？ だとすると「企画を変えてもいいか？」ではなく、「企画を変えます」と言いましょう。 担当は聞かれたから答えたんですよ。「変える必要はない」と。 そう言われたら行き詰ってしまう質問を、なぜするのか？ 他人は、あなたと違う考えを持っている。 あなたが想定しない答えをすることがある。 まずそのことを理解して、自分の気持ちを解ってもらうにはどうすればいいか？ どうすれば伝わるのか？ どうすれば自分の希望通りのことを他人がしてくれるようになるのか？ そういうことをキチンと考えてみてください。 その視点が持てさえすれば、今困っている状況は全部解決すると思います。 そして、その視点は漫画を描く上でも役に立つと思いますよ。

畑中雅美:この世って基本、成功する方法は無限にあると思っています。これしかないって言いだす時って、思考停止や前例主義に陥ってる時で、進歩が止まってる時ですよね。でも逆に、失敗には必ず理由があると思っていて、そこには目を向けるようにしています。 さて、質問の件に関してですが、「主人公の考え方が最初と最後で変わる」というのが、作劇上に絶対に必要なものとは思っていません。 私は、映画『トップガン　マーヴェリック』が大好きでしたが、あの作品で考え方が変わるのは、主人公ではなく、観客である我々と、脇役の人間たちです。 かつて天才パイロットと呼ばれた男が歳をとり、同期は全員現場を離れ、コンピュータによる自動運転も発達し、君も引退すべき時だと言われるのですが、確かにそんな時は来るだろう、だが今じゃないと序盤に言い放つわけですが、まさに最後の最後まで「だが、今じゃない」と戦い続ける話です。 「歳を重ね衰えていくと、人は若い時に出来ていたことが出来なくなる。 だから引退すべき。」 というのが世間の通説だとすると、 「年を重ねると確かに衰える部分はある。けれど、年月をかけてしか到達できない別の強みも必ず生まれ、それは衰えを凌駕する強みになる」 というのが、観終わった後に観客が抱く感想の一つだと思います。 この作品は、歳を取る強み・経験の凄みを描きながら、経験がない若者ゆえの無鉄砲な強みもオチに向かって描かれていて、全年齢の人間に対してへの賛歌となっているので、もしまだ観てなかったら、ぜひ観て欲しいです。 最初に「失敗には必ず理由があると思っていて、そこには目を向けるようにしています」と書きました。 主人公の考え方が変わろうが変わるまいが、編集者としてはどっちでもいいですが、「主人公の考え方が変わるが、面白くないパターン」については常に思考しています。 最も新人がやりがちな「面白くないパターン」は、後半の変化のために主人公の考え方・性格を無理やり捻じ曲げておく、というもの。 「私、人間が好きになれないんだよね。２次元しか好きになれないの」と本心から思っていたヒロインが、同級生のイケメンを好きなるパターンなどが、代表的なヤツですね。 これは「うんこカレー理論」と私は呼んでいるのですが、「少数派の考えを抱いてた人間が、多数派に転んでいく」というのは、基本面白くするのが難しいと思っています。 「この世で一番美味しいのはうんこだ！」と言い張る少数派の意見を持つ主人公が出てきて、最後に「うんこよりカレーの方が美味しい！！」と多数派の意見に気づく！！というのは、主人公にとっては大発見でも、多数の読者にとっては、元々知っていたことです。 なので、たとえばヘレンケラーみたいに、目も見えず音も聞こえず、言葉という概念もわからないという状況下に置かれた人が、どうやってそれを理解したのか！！みたいに、別のファクターがある物語になっていれば成立しますが、単に後半の変化のために作られた「嘘の感情」では、読者の心を打つことはできず、せっかくの変化・成長も「でしょうね…（興味ないけど）」と受け取られてしまいます。 逆に「多数派の意見から、少数派に転んでいく」というのは、読者にとって新鮮な物語にしやすいと思います。 ・地元にイケメンで金持ちの恋人がいるヒロインが、２次元の男に本気で恋していまい、彼と同じ次元で会えないことに絶望したり、作中で死んだ彼を生き返らせようと、出版社に入って担当編集になろうと東京に出てきて…？ ・無類のカレー好きの男が、ある日、この世で一番美味しいカレーはうんこだと聞かされ、そんなバカなと思うも、あまりにもカレーが好きすぎて、ある日トイレで自分のうんこをそっと口に含んでみて以来、大好きな恋人のうんこを食べてみたくなってしまい…？ でも、こんなことを提案すると、大抵の新人さんは「二次元にそこまで恋する気持ちが解らない」「好きな人のうんこを食べたくなる気持ちが解らない」と仰ったりもします。 つまり「少数派→多数派」にしようとする時は、作者もろくに「気持ちが解らない」人を主人公にしようとしる場合が多く、それこそが面白くならない真の理由だと思います。 ヘレンケラーの例を先に出しましたが、少数派の気持ちを作者がちゃんと理解できていて、それを描き出そうとしている場合は「少数派→多数派」の矢印も成り立ちます。 ・自分の容姿等に強いコンプレックスを抱いており、人から愛されるはずがと思っていこんでいるヒロインが「私は人間を好きになれない。ときめくのは２次元だけ」と発言することで自分の心を守っていたが、実は好きな人がいて…？　でも好きな人がいるということすら、嗤われるのではと友達にも言えず… という物語ならば、読者の心を打つラブストーリーになると思います。 長々書きましたが、そもそもあなたが描き出したい感情はどんなものですか？ 世の中に訴えたい考え方・哲学はなんですか？ それがないのに、「成長させるべき」とか「変化させるべき」とか考えたって、意味がありません。 作者の哲学のない成長など、単なる茶番劇です。 あなたはなにを「成長」だと感じるのか、話はまずそこからです。 なにか型にはめて考えた方が解りやすいということなら、『ヘーゲルの弁証法』を元に考えることをおススメします。 「テーゼ」と呼ばれる命題、一般論…たとえば「分け隔てなく、人には親切にすべき」という考えを持っている主人公が出て来る話だとすると、それに対する反論「アンチテーゼ」の役割を持つキャラやエピソードを出す。 「悪い奴にもやさしくすべきか？」「つけあがらせ周りも巻き込み不幸をもたらすから、誰にでもやさしくすべきではない」という第二の考え「アンチテーゼ」を読者が抱いてしまうような展開を経て、 さて、この両方の問いに対して、まったく新しい第三の答え「ジンテーゼ」はなんだと思いますか？ 作者なりの新たな考え方、第三の答えを出してください。 新しい道筋を見せて初めて、読者は「ああ…！そんな考え方があった！！」と感動するんです。 ここまで読んだ上で、 世に訴えたいことなどない…！　成長とか知らん！　変化とかいらん！！ と思うなら、それでいいと思います。 それも最初に書きました。 面白い話を描く上で、成長・変化は必須ではないですよと。 とにかく、描きたいこともないのに、描こうとしないでください。 自分や読者に嘘をつかないでください。 「褒められたい」とか「その方が高尚に見える気がするから描きたい」なんていう虚栄心から来る感情なのであれば、その自分の中身のなさをまず認めてください。 中身がないから、色んな考えに触れたりして勉強するのか？ それとも、それは自分の軽妙さであり、良さだと認めるのか。 どっちでもいいと思います。 最初に書きました。 成功する方法は無限にあると思っています。

畑中雅美:お困りだとは思うのですが、全OKか全没かの２択という編集者は、私目線では害がない編集というか、担当ガチャ的には「当たり」に分類される方かと。 新入社員の時、ヒットを連発する先輩とヒットを出せない先輩の違いを見極めようと、じっと観察していた時期がありました。 色んな人の打ち合わせを盗み聞きしましたが、結論としては、ヒットを出す編集も、そうではない編集も、基本は同じようなことを言っているな…という印象でした。 ヒットを出さない先輩も仕事熱心で、誠実に一生懸命「ここはこうしたら…」と丁寧に作家さんと打ち合わせし、修正指示を出していました。 その打ち合わせ後に上がってきた漫画を読んで、新入社員ながら震えました。 全く面白くなかったからです。 あの大量の直しは一体なんだったのか？ あれだけ修正の話をしながら、結果この作品にＯＫを出したということは、もしかすると直す前の方が面白かった可能性すらあると感じました。 編集者のスキルの第一関門は、ジャッジの正しさ、漫画を見る目であり、そこが間違っていると、面白い漫画を無茶苦茶にしてしまうこともある。 今あなたは、担当に全没にされてしまうと感じていますが、そうではなく、「読者からどう見えたか」という事実のみを伝えられている、と捉えてみて欲しいです。 「書きたいテーマなどを説明しても「わからなかった、インプットして」と言われた」とのこと。 書きたいテーマを否定されたのではなく、読んでそれが解らなかった・伝わらなかったという事実を伝えているだけです。 どうすれば、そのテーマが胸に迫るのか、グッとくるのか？ それは漫画表現の話です。 最もクリエイティブな部分であり、漫画家であるあなたの方が、編集者の考える浅知恵よりも、良いアイディアが出るに決まっています。 「ネームを出せば「わからない」とばっさり切られます。その後の展開を意識したシーンの意図なども聞き入れてもらえません」とありますが、 映画館みたいに読者を閉じ込めて、必ず最後まで読ませることが出来るなら、その後の展開のために前半に意味不明なシーンが入っても大丈夫かもしれませんが、基本、読者に読み続けることを強制することはできません。 「面白くない」と思った瞬間に読むのをやめてしまうのが読者です。 では、どうすれば「必要なシーン」を読者に「面白い」と感じさせて読ませ続けることが出来るのか？ これも漫画表現の話です。 最もクリエイティブな部分であり、漫画家であるあなたの方が良いアイディアが出せるでしょう。 「問答無用で没にされた」と受け取るのではなく、「現状、そう見えるんだな」と受け取ってください。 その部分は直せるのか？直すぐらいなら別のものを描いた方が面白いものが出来るのか？ それも、作家であるあなたの方が判断できるかと思います。 商業誌で描くのが初めてとのこと。 今後、「ここをこうした方が読みやすい」とか「この設定は取った方が得策ですね。多すぎます。設定をこう変えて…」等々言う編集者に必ず出会うと思います。 運よく本当に能力があり、その指示が正しい時は最高のバディとなるでしょうが、悲惨なのは木を見て森を見ずのような編集者に当たった時です。 「確かにここだけを見ると、その修正で読みやすくなるかもしれないが、このコマを大きくしてしまうと肝心の見せ場の印象が下がってしまう。なにを強調したいのかが薄まり、結果、ずーっと一本調子の大声で話し続ける漫才のように、笑いどころが解らず、漫画として取っ散らかってしまう」 みたいなことが多々起こります。 こういう視野の狭い編集者は頑固なことも多いです。 なにせ、確かにそこだけで判断すれば正しかったりするので、「でも、ここが読みにくいと読者はこのページで離脱するので、大きくすべきです」などと修正方法がこれしかないと言い出し（視野が狭いので）、見せ場を立たせる方法は別に考えろと言って、結果ドミノが倒れていくように漫画を崩していきます。 「読みにくい」としか言わない編集者であれば、読みにくさを解消すればいいだけなので、逆にあえて動きや状況を見せる絵を描くのをやめ、セリフだけのコマにする等、その作品を面白くするための色んな修正方法を作家さんは考えつくと思います。 とりあえず２か月だけでいいんで、 「私の担当者は、当たりなんだな」と思って、打ち合わせに臨んでみてください。 言い方とかね、ちゃんとその旨説明しろとかね、色々その人に私だって言いたいことありますよ。 色々考えた上で読んだ感想しか言わないのではなく、本当に何にも考えてないヤツなのかもしれません。 まぁでも、そういう不満にリソースを割いても、あなたが損をしちゃうんで。 現状を最大限利用する方向を考えた方が、絶対あなたにとって得です。 あなたが思い描いていた理想の編集者ではないかもしれないけど、あなたへの害は客観的に見て少ない編集者だと私は思います。 面白い時には全ＯＫしてくれる、という良い部分にもっと目を向けてみてください。 もしそれでもダメだったら、またこちらに来てください。 別の方法を考えましょう。

畑中雅美:モチベーションの重要度は100です。才能があろうが実力があろうが、描く気になれなかったら０なので。ただ、モチベーションの上下レバーが、他人からの評価で動いてしまう人は、モチベーションが逆に仇となってしまうことが多々あります。 他人からの評価というのは、褒められたい、ということですね。 「褒める」というのは、犬を飼ったことがある人なら全員知っていることですが、他者を自分の思い通りに動かす行為でもあります。 排泄と縄張りが紐づいていると言われている犬ですら、褒められ続けると、決められた一か所で排泄するようになる。 つまり、誰かから、たとえば担当編集から褒められることがモチベーションに大きくかかわってしまう、という方は、逆を言えばその編集者の望み通りの作品、その編集が描いて欲しいものを描いてしまうように知らず知らずのうちになってしまう可能性があるということです。 これは非常に怖いことで、その編集者があなたを高みに導いてくれる「褒め方」をしてくれている場合はいいでしょうが、目先のことしか見えていない編集者の「褒め」をインストールしていくと、結果あなた自身の頭の中が、一か所で排泄する犬と同じく発想が小さくなり、たとえば「安易な理解」で「今流行っているよくある作風」を「見かけだけ」覚えさせられてしまったとすると、その流行が去った時、「新鮮味がない」と新人にあっさり取って代わられ職を失うことになったりする。 これって本来はおかしいことなんですよ。だって、何年も描いていたら、その分上手くなっているはずなので。ベテランの作家は、表現の深み、技術力などなど、ありとあらゆる点でポッと出の新人を凌駕しているはずなので。 あっさり新人に場所を奪われるというのは、その作家でしか描けないもの、世界観を育てて来なかった証拠です。 なので、まず一番大事なこととして、モチベーションを自分の中に持ってください。 「描きたいもの」「描けるようになりたいもの」「目標」を自分自身が設定してください。 編集者の誉め言葉に嬉しがるのはやめましょう。 編集者が褒めるようなレベルより、もっともっと高い目標を自分に課してください。 主従を意識してください。 犬と人間の関係で言うと、何をしたら褒められるのか、何をすべきなのかを決めるのは、編集者ではなく作家であるべきです。 あなた自身が「ハラハラ手に汗にぎる漫画を描きたい」とか「胸がキュンとする物語を描きたい」と思ってください。 その高みを目指すこと自体に、モチベーションを抱いてください。 目指すものがある時は、自分の現状を知りたいはずで、編集者はあなたにとって鏡のような存在になっていきます。 服を試着する時のことを想像してください。 頭の中では似合う気がしていたけれど、着てみるとしっくりこない、思ったシルエットではないことってありますよね？ それと同じです。 書いてみると、読者目線では違う読後感の作品になることがある。思い通りの読まれ方をすることもある。 あくまでそれを確かめるための鏡に編集者がなっていく。 私が新人時代に担当させていただいた、今も活躍中のあるベテラン作家さんは、ネームは必ず対面で読んで欲しいという方でした。 そして、私がネームを読んでいる間、常にじっと私の顔を見てらっしゃいました。 「面白いです」とお戻ししても、「この部分で、私はドキドキさせたかったのに、畑中さんは顔色ひとつ変えずに読んでしまっていたから、直したい」と仰いました。 「いや、私、真剣に読んでたから無表情だったんです」と言っても、「私が目指すのは、他の人の漫画目当てで雑誌を買って私の漫画になんて全く興味もなかった読者を胸キュンさせてファンにすることだから、真剣だろうがなんだろうが、思わずドキッとしなきゃ負けなの。だからもう一回チャレンジさせて」と言って、ネーム直しをされました。 ある時は、少し意外なセリフがあって「どうして彼はこう言ったんですか？」とお聞きしたら、凄く素敵な理由を教えて頂いて「なるほど、最高ですね」と言ったら、「じゃあそのニュアンスがもう少し伝わりやすくするために、直し方を考えてみるね」と仰いました。 「畑中さんは私に聞けるし、私も答えることができるけど、何十万人という読者には説明して回れないから。漫画だけで『ああ…！』って思ってもらいたいから。その仕掛けが少し足りなかったんだと思う。気づかせてくれてありがとう」とお礼を言われました。 直しを出すのは常に作家さん側で、「もっとこうしたい」「こんな漫画をいつか描けるようになりたい」と目標を語り、「そのためにはどうしたらいいと思う？」「今の私にはなにが足りないんだと思う？」「一緒に考えて」「今の私に満足しないで。もっと面白いものが描ける作家だと信じて、気になることがあれば遠慮せず何でも言って欲しい」と言われ続けました。 あまりに高みを目指しすぎて、自分を苦しめてしまう作家さんも沢山も見てきたので、何事も過ぎたるは及ばざるがごとしで、バランス良く、他人の誉め言葉を素直に受け取って喜べることも大事だと感じています。 が、「モチベーション」をどこに置くかは、作家でなくとも人生そのものに影響を与え、成長に関わる部分なので、やはり基本は他人からの評価ではなく、まずは「自分の描きたいもの」「自分がやりたいこと」に対してモチベーションを抱くことを私はおススメしたいです。 そうすると、モチベーションが沸かない時は、やろうとしてることが「あなたにとって退屈」なこと、「ルーティン」「簡単なこと」になってしまってるだけだと思うので、例えば「毛筆の方が自由が効かないから」という理由で筆で描いてみるとか、あなたにとって難しくてワクワクすることにチャレンジしてみてはどうでしょうか？

畑中雅美:自分の描きたい設定が世間的には嫌われそうだと感じる時、どう「売れ線」とバランスを取れば良いか？？というご質問。 これって実はメチャクチャ簡単で有名な対処方法があって、なぜ簡単にできるのに、作者が描きたいものを「好かれないからやめた方がいい」とか言う編集が存在したりする（という都市伝説を聞くだけで、本当はいないのかも）のか永遠の謎と思ってる位です。 その有名な対処方法とは「ツッコミを入れる」ことです。 絶対に聞いたことはあると思いますが、不思議なことに新人作家さんというのは、これを意識している人が少ないです。 「ツッコミ」を入れるためには、そもそも「ボケ」という概念を知っておく必要があります。 「ボケ」とは「一般論とは違う流れを言う」「一般論とは違う流れをする」ことです。 今、あなたが描きたいと感じている「ワガママなヒロイン」や「ヒロインを悪魔や魔王に」「ヒロインが他人を不幸な目に遭わせるキャラ」というのは、「一般論とは違う流れ」です。 つまり、概念的には「ボケ」ということです。 ボケを繰り出した時に、ボケっぱなしだと、読者が作品にツッコミを入れてしまいます。 「そもそもこのヒロインはワガママじゃない？」とか「最悪じゃない？？」等々散々なことを言われて嫌われてしまう。 だからこそ、作中でしっかり「ツッコミ」を入れるのです。 ワガママなヒロインに対して、作中でヒーローなのか、脇役なのか、背景演出なのか、はたまた作者自身なのか、なんらか「この悪魔！」とツッコミを入れる存在をきっちり作ってやると、読者は逆にツッコまなくなります。 ヒロインの「ボケ」、つまり今回の場合は「ワガママ」「魔王」「人を不幸にする」部分こそが、その話の魅力と認識でき、転じて「でも、そこが面白いよね、好きだよ」と受け取りやすくなります。 ツッコミを入れることに対して、安易に理解して欲しくないのですが、ここで重要なのは「読者の気持ちに誘導をかける必要がある」「誘導をかけることが可能である」ということです。 ボケっぱなしだと読者がツッコミを入れる、と書きましたが、つまり「読者にツッコミを入れさせることも出来る」ということです。 あえてイライラさせたり、ハラハラさせたり、たとえば登場人物は「良い人」と認識しているキャラを、読者には「コイツはなんか胡散臭い。嫌いだ」と思わせたりすることも出来るということです。 「読者の気持ちに誘導をかける」ためには、そもそも「自分の考えていること」と「読者・他人の考えること」は同じとは限らないということをきちんと認識し、分離して考える必要があります。 「赤くて、丸いもの」と言われて、なにを思い浮かべますか？ リンゴでしょうか？ ピエロの鼻でしょうか？ 非常ランプでしょうか？ それは可愛いものでしょうか？ それとも怖いものでしょうか？ ごくごくシンプルな問いですら、人は無限に想像する。 色んな考えが存在する。 だとすると、作者は「自分の思った通りに読んでもらう必要があるシーン」は、そう誘導をかける必要がある。 全コマ、全セリフが「作者としての自分の気持ち」と「読者からどう見えるか」は全然違っている可能性があると認識して、「このシーンは読者にこう思ってもらいたい」という自分の意図通り読ませるための誘導をかけていく。 この意識さえ持てれば、あなたは描きたいものを「売れ筋の作品」として描けるはずです。 一切の妥協をせず、読者が面白いと感じるようにバランスを取れるはずです。 安易に理解しないでと書きましたが、考えすぎるとそれはそれで描けなくなってしまうので、まずはあえて安易にツッコミを入れながら描いてみて下さい。 ぐっと見え方が変わると思いますよ。