「ゼルダの伝説 BotW」ハイラル世界の3D表現を生んだのはアーティストとプログラマー、時間と空間の重ね合わせだった

9月1日、横浜パシフィコにて開催された技術系開発者イベントCEDEC 2017にて、「ゼルダの伝説 ブレス オブ ザ ワイルド」のグラフィックスに関する公演が行われた。登壇者は、任天堂企画制作部アーティストの滝澤智氏と、企画制作部プログラマーの堂田卓宏氏。本公演では同作のグラフィックスの開発経緯が明かされたが、その要は、「レイヤー」を基調としたアーティストとプログラマーの協力にあったという。

両氏はまず、同作を「スタイライズド」なものであると規定した。「スタイライズド」は、「記号化された」と訳せる用語である。そもそもの設計思想から逆算すると、プレイヤーがなにかを行うと同時に、世界からすばやいレスポンスが帰ってくることが肝要であった。そこで、何が起こったのかを即座に認識してもらうための記号的表現が採られた。たとえば、食材を入れると全自動で料理ができあがる不可解な鍋、切り倒されると同時に薪の束になる樹木。これらは、まさに記号的表現の極地といえるものだ。そこで、アーティストたちは「風のタクト」のような非写実的なアートスタイルを選択した。こうすれば、コミカルな記号的表現が滑稽なものにならない。

しかし、広い世界を自由に駆け回るというコンセプトを考えたとき、ハイラル王国が生きた世界であると感じられるよう、風景は美しいものであるほうが良かった。風景のリアリティを確保するためには、写実的なもののほうが向いている。そこで採られたのが、近景、中景、遠景と、距離によって見え方が変化していくようなグラフィックスの構成だった。

発想の元となったのは、アーティストの滝澤氏が実家に帰省した折りに見た、山々の連なりと靄だった。車窓から見えた流れていく山の連なりは、遠さの感覚を表現するためのヒントとなった。ハイラル王国のマップは京都市程度の広さなので、そこに収まるうち、もっとも巨大な山がそこにあろうとも、たとえば富士山を眺めるような体験にはならない。そこで、レタッチに位相を描き入れて、すべてのものが実際よりも遠くに見えるように表現した。これによって、冒険のロマンを補強することができた。

また、絵面全体が漠然としないように、そこから近景、中景を切り分けて考えた。初期段階では、すみずみまで草木の表現を細密に描いていたが、それではかえって乱雑に見えた。そこで、遠くに離れるにつれてべた塗りの省略を用いてみようと考えた。アニメーションや漫画のような記号的表現でもかまわないし、むしろそのほうがすっきりとして見える。また、実際に生の絵を描くときの情報の省き方という観点からも、筋がいいように思われた。つまり、ここで行われたのは、写実と記号の折衷なのだ。

アーティストによる以上のようなアイデアが手渡されたとき、プログラマーたちはまず、大気散乱の概念をフィールドに持ち込んだ。空気中の粒子が太陽光に反射する現象のことで、これを用いれば、複雑な色合いと透過度を表現できた。雨上がりの水蒸気に満ちた空気のかすみ具合や、陽光のきらめきと、それに照らされながら舞う風塵。とにかく大気中の光の散乱を、どのようにしてカメラに取り込んでいくのかという勝負だった。現実の物理法則ではなく、なにが実利となるのかを優先した。ここでもまた、写実と記号の表現が突き詰められた。

大気散乱にあわせて、古典的なフォグも使用した。仕上げの一筆としてアーティストが使用できる、昔ながらの道具だからだ。実際に、砂漠の砂嵐や迷いの森の霧などには、アーティストによる仕上げのフォグが使用されているという。また、遮蔽についても考慮した。これによって、窓から差し込む光の強さの表現や、木漏れ日のような叙情的描写が可能になった。こうしてプログラマーたちは、世界の空気感を描くための道具を作っては渡し、作っては渡しという工程を繰りかえした。

結果、合計200を超えるパラメーターがアーティストたちの手に委ねられることとなった。プログラマーたちは、これでは誰にも扱えない道具になってしまうだろうと考え、重要なものだけを絞り、50にまで数を減らした。そうすることで、遠景の調整は大気散乱、中景のY方向の調整はフォグ、近景の調整は大気散乱の遮蔽と、うまく道具を使い分けられた。この三層のレイヤー構造が、アーティストたちが描いていた絵作りの要点となった。

これらの要素は絵作り、つまり空間の描写のためのものだ。プレイヤーがそこを走ること自体を楽しむためには、多様な地形と、文化、そして気候帯が必要だった。この三つを掛け合わせることで、それぞれの場所に特別感が生まれた。しかし同作には、もうひとつ重要な概念がある。時間の表現だ。アーティストたちは、ひとつの静止した美しい空間を作り上げるだけでは飽きたらず、生きて動く世界を表現したいと考えた。

冒険には、時にプレイヤーの意のままにならない過酷な大自然が必要だ。世界が生きて動いていることは、必須の条件といえた。朝昼晩の時刻によって変化していく景観や、天候の推移。曇り空の太陽がぼやけている感じや、雨に濡れた地面のコントラスト、雪面の細やかさ。特別なイベントの発生時には、空が真っ赤になるといった劇的表現も欲しかった。こうした膨大なイメージを、アーティストたちは絵に描き起こしてプログラマーたちに渡した。時刻と天候を掛け合わせれば、時間の多様性が生まれる。時間と空間を掛け合わせれば、可能な絵柄の数は何ケタも増えるというわけだ。

プログラマーたちがこのリクエストに応えるためにまず考えたのは、多種多様な3Dモデルをどこに配置しても破綻しない、アートとプログラムの堅牢性だった。アーティストの発想によってどんな空間が作られても、とにかくそれっぽく、魅力的に見えることが大事だった。同時に、ゲームが安定して動作することも必要だった。ここでレンダリングの手法から、絵を確認しながら作るのに適さない事前計算は除外された。本作で求められたのは、描きたいと思ったときにすぐ描ける、リアルタイムのレンダリングだった。太陽光のメインライト、隠蔽のデプスシャドウ、動的キューブマップ撮影、ディヒューズアンビエント――リアルタイムでの作業に適したさまざまな解決法が、着実に編み出されていった。

こうして、リアルタイムですべてを変更するための道具ができあがった。すると、ここから発展した遊びを考えることができるようになった。なにもなかった場所に、地中から祠やタワーが突き出てくるような表現もここで生まれてきた。時刻を問わずにあらゆる天候を掛け合わせられるようになり、また空間に対してもリアルタイムで色味を変更することができるようになった。結果として、1440通りの異なる空気感がハイラル王国にもたらされることとなったのだ。

こうしてみると、あらゆる作業が「レイヤー」の概念によって進められてきたことがわかる。近景、中景、遠景を組み合わせる空間の表現もそうだし、空間と時間の概念を組み合わせて世界を作るところもそうだ。そしてまた、アーティストの発案に対し、プログラマーがどのように問題点を解決していったのかも、言わばコミュニケーションのレイヤーと言える。アーティストは絵が描けるし、プログラマーはコードを書ける。それぞれが最も得意な表現を差し出すことで、より高度なレイヤー構造を実現することができた。この開発手法こそがが、ハイラル王国の景色を生み出す要旨であったのだ。