みゅうじかる見聞録

もちろん観光で短期間だけ滞在するとなれば、
ブロードウェイ作品やオフの話題作を中心に観て回ることになるとは思いますが、
作家を目指す人にはそれ以外にも注目の面白いイベントがいくつかあります。

まず、別の記事でも紹介しましたが、
NYにはミュージカルを扱う演劇祭があります。

8月にはFringe NYCといって、
ダウンタウンで国際小劇場演劇祭が行われます。

ミュージカル以外にも小劇場で出来ることなら何でもありという演劇祭で、
作品的にはものすごい格差でピンきりというのが正直な所ですが、
アイデアだけのダメダメな作品でもパワーだけはもの凄い場合もあって、
完成していないことが多い作品を素舞台に近い状態で観るというのは、
一度は体験してみると面白いと思います。

演劇ビジネスの形態の違いのせいで、小劇場演劇は日本の方が盛んなので、
そういう場でこそ出来るミュージカルというものを考えている人には、
刺激になる作品やアイデアに出会えるかもしれません。

また、ミュージカル作品のみを扱う演劇祭として、
9月半ばから10月初旬にかけてNY Musical Theatre Festivalがあります。

こちらは地方団体などで開発プロデュースされている作品や、
新人作家の作品やショウケースなどがメインとなっており、
アメリカ国内の中堅作家や新人作家の活動状況がどんな感じなのか、
ひと通り観て回るとだいたい掴むことができると思います。

こちらもセットや衣装などは最小限ではありますが、
Fringeに比べると作品のレベル的にはそれなりにまとまっており、
作家志望の人、もしくは制作や演出志望の人などには、
お金のかかった作品を観るよりも勉強になるかもしれません。

わりと力のあるところがプロデュースしている作品には、
ブロードウェイで主役・準主役級の役者などもよく参加しているので、
普段よりも近いところでそういう人達を見ることもできます。

あとは、ぜひリーディングに参加してみましょう。

まだ部分的にしか出来ていなかったり、初稿が完成したばかりの作品を、
ステージンングのほとんど無い状態で観るのは新鮮な体験になります。
もしかしたら何年か後にブロードウェイで見かけるかもしれません。

もちろん有名な作品は招待制なので誰でも参加できるわけではありませんが、
関係者じゃなくても参加できる無料のリーディングは探せばけっこうあります。
普通は予約のメールを送るだけでOKです。

情報はPlaybill.comやBroadwayworld.comなどで宣伝されることもあるし、
劇場で関係者が宣伝してたりすることもあります。
僕は友人を連れてAvenue Qの抽選に並んでいるときに、
偶然にIn the Heightsのワークショップ公演のビラをもらって出かけました。

また、The York Theatreは無料リーディングを定期的にやっていますし、
過去の埋もれたトリヴィア作品を上演するシリーズなんかも手がけています。

トリヴィア作品といえば、僕も最近知ったばかりなのですが、
Musicals Tonight!という団体は20世紀前半の作品なども上演しているようです。
今年でもう10年目ということなので、今シーズンは僕も行ってみようと思います。

リーディングはブロードウェイの上演時間とかぶらない場合も多いし、
パフォーミングアーツ図書館も含め、
うまく組み合わせると短期間の滞在でも幅広く観て回れるのではないでしょうか。

マンハッタンのLincoln Centerには、
ダンス、舞台、音楽に関わる資料がごっそりと集まる、
パフォーミングアーツ図書館があります。
正式名称はThe New York Public Library for the Performing Arts。

最近になって、一部施設を除いて、開館時間が延長されて、
さらに月曜日も利用できるようになりました。日曜日は休館です。
図書館カードはNYCに住所がある身分証があれば誰でもその場で作れます。

１階はビデオ、DVD、CDなどのメディア系資料が中心。期間展示やギャラリーも。
２階は専門書、雑誌、協会誌、脚本、楽譜などの書籍資料。

資料は基本的に貸し出し、コピーOKですが、
館内コピーは１枚１５セントとなっており、
利用者の多さに比例してコピー機もトラブルが多発します。

絶版貴重資料などは、カウンターの奥に保管されていて、
身分証と引き換えに館内閲覧のみとなっています。
開架に無くても一度は聞いてみることをお勧めします。

３階はリサーチ専門で、書籍はもちろん、マイクロフィルム化された資料や、
過去の公演やインタヴュー等の映像資料があります。
館内閲覧のみとなっており、入る時にカバン等は預けなくてはいけません。

こちらを利用するには、専用のACCESSカードが必要になります。
といっても、審査基準が厳しいというわけではなく、
公的機関から発行された身分証明書（運転免許証、パスポートなど）でOKです。
リサーチ機関なので、国籍はまったく問われません。

いくつかの専門分野ごとにデスクが分かれていますが、
演劇関係のThe Billy Rose Theatre Collectionの一部として、
Theatre on Film and Tape Archive（TOFT）というのがあり、
ブロードウェイを中心とする演劇関係の過去の映像資料が見られます。

1970年代中頃からのブロードウェイ公演の記録はほぼ揃っていて、
オフブロードウェイ公演の映像もそこそこ充実しています。
地方劇場公演やワークショップなどの記録もけっこうあります。
ただ、作品によっては、権利者から閲覧許可を事前に得ないといけない場合も。

CATNYPというオンラインカタログで何があるか検索できますが、
たまにアップデートされてない作品情報もあって、
係に直接聞くとより正確な情報がもらえます。

このアーカイヴは火曜から土曜日のみ、
12時から午後6時という時間帯で利用できます。
土曜日は人気のため完全予約制、平日はアポ無しでもOKですが、
席が空いていて、かつ目的の作品が利用中でない場合に限ります。

電話でも直接でも、受付の人達は基本的に親切で丁寧ですが、
『○○が見たいんですけど、ありますか？』と聞いたら、
『もちろん、で、目的は何ですか？』と、にこやかに返されます。

ここで詰まると彼らの目が鋭く光ります。
『ACCESSカードはお持ちですか？どちらに所属しておられますか？』と、
手馴れた様子でたたみかけてきます。

ここでさらに怯んでしどろもどろになったり、
『いや、ちょっと興味があって・・・』などと答えようものなら、
『このアーカイヴは具体的なリサーチの用途以外では使えません』と言い切られて、
丁寧に、でも断固として追い返されてしまいます。

見ている限りでは、
『私は○○をしていて、××のためにリサーチをしている』と堂々と言い切れば、
明らかに疑っている顔をしていても普通はそれ以上聞いていません。

実際に利用している人達の中でも、予約時に何と言ったかはともかく、
これは楽しんでるだけじゃん！というグループもよく見かけるので、
観劇旅行などの際には立ち寄って見聞を深めるのは良いことだと思います。
記録が残っていれば、オリジナル公演とリバイバル公演を比べることも出来ます。

脚本を事前に読んでいて、なおかつ手元にもあると完璧でしょう。
修正やカットによる違いに気付いたり、ダンスシーンの効果、
役者の個性、セットや照明や衣装による効果、そして観客の実際の反応といった、
脚本とキャストアルバムからだと分かりにくい要素が確認できます。

脚本を読んで、これは面白い！と思った作品が、
構造的にはもちろんしっかりしていても完成品として今ひとつだったり、
逆に、脚本からこれはちょっと・・・、と思った作品が、
あちこち妙なのに最終的には何となく感動できるように仕上がっていたり、
ミュージカルの浮沈に関する不思議な力学を目の当たりにすると思います。

勉強のためにNYまでは出て来れないという人達は、
海外だけでなくアメリカ国内にもたくさん居ます。

じゃあ自宅でもできる勉強というのは無いのでしょうか。
キャストアルバムを片っぱしから聴いたり、
ミュージカル映画をたくさん見れば良いのでしょうか？

残念ながら、ミュージカルを創ってみようとする場合の勉強はそれでは足りません。

まず、キャストアルバムは楽曲しか扱っておらず、
それはすべて歌い通すミュージカルを除いて上演時間の半分にしかなりません。
残りの半分を無視してしまうのはあまりにも乱暴です。

また、ミュージカル映画は、舞台作品とはまったく別物です。
虚構空間が現実に移し変えられるだけでなく、スタジオがたくさん変更を加えています。
舞台用のミュージカルを書く勉強には向きません。

やっぱり生の舞台を観に行かないと学べない！と思いましたか？

でも、実際の観劇体験はどうしても役者に目が行きがちになります。
彼らがステージの主役なのだから当然のことですが、
作家のお仕事とは紙に書かれた部分のみなのです。

もちろん最終的にどうなるかについて知るために観劇は重要ですが、
演出家も役者もオーケストラも、その他すべての舞台を支える人達も、
脚本とスコアに書かれたものを立体化するのがお仕事です。
作家は他の人達が良い仕事ができるように材料を提供するわけです。

作家の仕事は、建築設計図を描くことや、
料理のレシピを書くことにも似ているかもしれません。

設計図もレシピも、基本的に書かれている通りに作れば、
最終的に上手く出来上がるようになっているわけで、
なぜそれで上手くいくのか、ということに疑問を持たなければ、
ただ見事な建物に感心したり、美味しい料理を満喫して終わってしまいます。

役者がなぜそういう演技をしたのか、
演出家がどうしてそういう演出を付けたのか、という背後には、
なぜそういう台詞が書かれたのか、
なぜそういう歌詞が書かれたのか、
なぜそういうメロディやコードが選ばれたのか、という、
作家による実にたくさんの意図的な操作が隠されています。

したがって、
脚本と楽曲に隠された作品を支える構造と各シーンの機能を、
ひとつひとつ分解してみることが作家を目指す人の勉強法になります。

具体的には、まず名作の脚本をたくさん読むことです。
翻訳されたものでは言語的なリズム感が違う上に、意味も異なる場合があって、
一度はオリジナルで読んでみることをお勧めします。

何だよ、英語が出来なきゃムリじゃねーか！と思いましたか？
僕もとても無理だと思っていました。
でも根気良く続けてみると、少しずつでも出来るようになります。
得るものの大きさを考えると、時間をかける価値はあると言い切れます。

このインターネット時代、海外まで行かずとも脚本やCDくらいすぐ手に入ります。
現在は市販されていない脚本でも、中古で数十年前のものが出回っています。

作家は、部屋の状況や出ハケ、どうしても要求したい動作を除いては、
感情や細かい動作について原則的に書き込まないということになっていますが、
市販の脚本には初演時のセットと演出に基づいて、色々と指示が書いてあります。
それは上演用の参考として舞台監督の脚本から起こされたもので、
作家の意図を反映しているとは限りませんが、初演時の解釈等の参考にはなります。

実際に自分ですべての台詞を読んでみると、
キャラクターによって言葉遣いや喋り方のリズムが違うことに気付きます。
ミュージカルの脚本はコンパクトさを要求されるので、
脚本家は必要最低限まで情報を絞る努力をしています。
作家の狙いと仕掛けはどうなっているでしょうか？

歌詞も、曲の無い状態で音読すると効果的です。
作詞家がどういうリズムで韻を使用しているのか、
アクセントの強弱がどんなリズムを生んでいるのか、
言葉としての歌詞がどういうイメージを与えているのか、
それがシーンの中で一体どういう役割を持っているのか、が分かります。

アメリカでは、楽曲は脚本の一部である、という考え方があるのですが、
キャラクター相関図、テーマや伏線、コンフリクトと解決など、
作品がお話として一体どんな構造になっているのかに関しては、
音楽が無い方が、作家の意図をはっきり掴むことができます。

さて、脚本をひと通り読み終えたら、
今度はキャストアルバムを用意しましょう。

もう一度脚本を読みながら、曲が入るところでCDをかけ、
またシーンに戻ったら音楽をストップして読み進める。
この単純な繰り返しです。

音楽が加わったことによって、シーンの印象は変わったでしょうか。
そういう曲を書いた作曲家の意図は何でしょうか？

スコアが手に入る作品ならば、音楽的要素を分析してみると、
どうやって音楽で人物と状況をドラマタイズしているのか、
少しずつ見えてくるはずです。

このようにして数多くの作品を分析してみれば、
作品ごとの特徴や作家の手法の選択が徐々に分かってきます。
うまく行っていないと思う部分があれば、改善方法を考えてみましょう。

実際に作品が上演されるまでには果てしない書き直しがあるのですが、
まずは完成品を分析して、成功したミュージカルの形を覚えることは重要です。

本当は、この後で実際に作品が上演されているのを観ると、
作家の仕事と完成作品との関係がよりよく理解できて完璧です。
ミュージカルは作家の仕事だけでは完成しないことも、逆に思い知ります。
もしNYまで観劇旅行に来る予定があるのでしたら、
昼間にはLincoln Centerで過去の公演のヴィデオを観ることをお勧めします。

そのうちに、
何でこれが成功したのか？何でこれが成功しなかったのか？と、
不思議に思う作品にも出会うことになって、自分なりの好みとか、
作家としての方向性に対するヒントも見つかると思います。

劇作家養成に関してはMFAを授与する修士課程があちこちに存在するのに、
ミュージカル創作はまだアカデミックな環境では認められていません。
伝統校には生徒が自主的にショウを書いて上演する慣わしがあるところも多いですが、
正規課程としては、ときどき作曲科で増加単位的に扱っているところや、
教授の中にミュージカルも書いている人が混じっている場合などに、
第二課題として認めてもらえる場合はあるようです。

ミュージカル作家養成の権威として認められているのは、
実質的には今のところNYに２つだけあります。

その草分けで現在も続いているのが、著作権管理団体であるBMIが主催する、
BMI Lehman Engel Musical Theatre Workshopです。
1961年に作曲家でブロードウェイの指揮者でもあったLehman Engelによって創始され、
彼が亡くなった後に一度存続の危機に陥りましたが、
Edward KlebanやAlan Menken、Maury Yestonなどの弟子達によって続けられ、
現在に至るまでもう半世紀近くも無料で作家を養成し続けています。

Klebanは、有名作家が多く出ていないと存続に難色を示すBMI側に、
『良い医者や法律家になるには１０年かかる。
クリエイターにだってそれと同じだけの時間と才能を磨く機会が与えられるべきだ。
才能を支える責任感と知識を身に付けた時、必ず何かを成し遂げる。』と、
かつてEngelが言っていたという言葉を引用して、最終的に説得に成功したそうです。

Lyricist（作詞家）/Composer（作曲家）クラスと、
Librettist（台本作家）クラスとがあって、２年の間、
それぞれ週に１回、約９ヶ月間に渡って、
講義と実技課題のクリニックを中心にしたセミナーがあります。

ソングライティングクラスに関しては、
１年次は指定課題ごとにパートナーを換えて曲を発表し、
年度の終わりには仕上げとして１０分ミュージカルを書きます。
２年次には自分でパートナーも題材も選んで、
長編ミュージカルに挑戦していくことになります。

これとは別に、Advanced Workshopというものもあって、
こちらはプロが実際に開発中のミュージカルをメンバーの前で披露して、
色んな意見を吸収するための場となっています。
養成クラスの卒業時にオーディションがあって、
委員会が資格有りと認めた人の中から、
なおかつ参加意思のある人だけ入れてもらえます。

特徴としては、参加者の年齢層はバラバラ、職業も出身もバラバラということと、
教育方針として伝統と歴史から学ぶ姿勢が強いことでしょうか。
ヒットメイカーを養成するというよりも、Engelの言葉どおり、
確かな知識と技術を持った作家を養成することが目標で、
ブロードウェイヒットは持たないながらも、
海外からは様子が見えにくい国内ミュージカルシーンを支える、
腕の良い中堅作家が非常にたくさんいます。

ワークショップ出身のソングライターチームで、若い世代の代表格は、
Lynn Ahrens and Stephen Flaherty（Ragtime, Seussical, Once on This Island）、
Robert Lopez and Jeff Marx（Avenue Q）でしょうか。
作風から意外な感じもしますが、Michael John LaChiusaも出身です。

もう片方の権威となっているのは、
全米で唯一ミュージカル創作に対してMFA（専門人文修士）を出している、
NYU Tisch Schoolの大学院にある、Musical Theatre Writingプログラムです。
教授陣は全体的に若い世代が多く、理念的にはどちらかといえば、
伝統にとらわれないミュージカルづくりを目指しているようです。
William FinnやMichael John LaChiusa、Rachel Sheikinなども教えているので、
名前にピンとくる人には何となく雰囲気が分かるかもしれません。

修士課程は２年制で、それぞれ台本・作詞・作曲の生徒を募集してます。
１年次と２年次の最終目標に関してはBMIと同じです。

まだ誰もが知っているという卒業生は居ませんが、
近年ではLittle Womenの作詞家Mindi Dickstein、
Wickedの脚本家Winnie Holtzmanなどがブロードウェイ作品に参加しています。
新作のリーディングやフェスティヴァル、グラント（作品援助資金）などでは、
BMIメンバーに負けず劣らず出身者の名を見かけることは多いです。

某雑誌で教授のPolly Penが指導について語っているのを読んだことがありますが、
部屋に閉じこもって何とかアイデアを捻り出そうと苦しむ生徒達が多いので、
メト美術館へ行って気に入った作品について曲を書けという課題を与えるそうです。
元々は、どこからインスピレーションが得られるか分からないから、
常に頭を柔らかくして発想することの大切さを教える方法は無いかと始めたそうで、
生徒達は最初キョトンとするものの、みんな夢中になってしまうとか。

僕は説明会に行ったことがあるだけですが、20代半ばの生徒が多いせいか、
若い教授陣も含めて和気あいあいという感じでした。
毎年韓国からの留学生が何人か入学しているようです。
何といっても専門学位が与えられるのが強みでしょう。
ただし、授業料はかなりのものです。

NYを除いた地域に関して、僕が知っている限りでは、
LAとChicagoにBMI出身者が同様の養成機関を主催しているとのことです。
スポンサーが違うので、無料ではありません。

その他にも、全米初の著作権団体であるASCAPでは、作家養成というよりは、
提出作品に対してクリニックを行う夏季ワークショップを、
また、作家協会であるDramatists Guildでも、Fellowshipという形で、
期間毎に何組かの若手作家を選んでプロ作家とのセッションを行っています。

もちろん、これらの養成機関を経ずに作家として成功していく人達もたくさん居ますし、
学校へ行ってもずっとベンチを温めているタイプの人が居るのは世の常なのですが、
先達の知恵や技術を伝授してもらうだけでなく、人脈やチャンスを広げることもでき、
何よりも作家コミュニティというものに迎え入れてもらう最初のきっかけとして、
毎年たくさんの人がその扉を叩いています。