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なぜか上演回数が少ない《西部の娘》《スティッフェリオ》

2013年ウィーン国立歌劇場でのシュテンメとカウフマン演ずる《西部の娘》の映像を観ながら、1970年代から90年代にかけてドミンゴがこの役をよく歌っていたのを思い出していた。なぜかこのオペラ、プッチーニの作品の中で圧倒的に上演回数が少ないのだ。しばらく前までは《つばめ》も同様であったが、アラーニャ、ゲオルギューが熱心に取り上げたことで、現在はかなり上演回数が増えてきている。

《西部の娘》は1910年METで初演された作品で、初演の際の人気は異常と言ってもよいほどであった。トスカニーニ指揮、カルーソーのジョンソンという豪華な出演者、METが総力を挙げ長期にわたって前宣伝をしたため、30倍のプレミアムが付いたそうだ。その後世界各地の歌劇場での初演は成功したものの、数年でほとんど上演されなくなってしまった。

しかし、なぜかドミンゴは好んでジョンソンを歌っている。おそらく1970年代と思われるサンティ指揮のROH、1991年マゼール指揮のスカラ座、1992年スラットキン指揮のMET、と私の手元には3種の映像がある。相手役のミニーがそれぞれネブレット、ザンピエーリ、ダニエルズと異なるが、ドミンゴは世界各地でこの役を歌っていたのだ。



最近の映像では2008年ネーデルランド・オペラのウェストブルック主演、2010年METのヴォイト主演の映像を観ているがあまり印象に残らなかった。ミニーが命を懸けて愛し、守り抜いたジョンソンが、魅力的でなかったせいなのかもしれない。カウフマンのジョンソンは、久しぶりに盗賊の首領らしい野性的な魅力を感じさせるジョンソンだった。


出典:http://www.hmv.co.jp

ヴェルディにも上演回数が非常に少ない作品がある。それは《スティッフェリオ》で、この作品は牧師の妻が夫の不在中に不倫を犯すという題材のため、当時の時勢に合わず、初演後即刻上演が禁止され、ヴェルディ自身の手でスコアが放棄された。その後、1968年にナポリでスコアのコピーが発見され、それをもとに指揮者エドワード・ダウンズが集成し直し、1993年ROHで蘇演された。白血病を克服したカレーラスが熱演したこの作品は、BBCが当日の番組を急遽変更して放映したといういわく付きの名演である。しかしその後の上演は余りないようで、DVDではヴェルディ生誕200年にパルマで上演されたバッティストーニ指揮、アロニカ主演のものしか見つからない。CDではドミンゴが歌ったものがある。ホセ・クーラも歌っているがDVDは出ていないようだ。


出典:http://blog.goo.ne.jp/madokakip


出典:http://www.hmv.co.jp

この2作品はどちらも決して駄作といわれるような作品ではない。にもかかわらず上演が少ない理由は何なのだろうか。
一つにはいわゆる名アリアがない。つまりリサイタルで好んで歌われるようなアリアはジョンソンの『やがて来る自由の日に』くらいしかない。《リゴレット》の『女心の歌』や《椿姫》の『乾杯の歌』などは初演の際、劇場を出た観客が口ずさんで帰路に就いたという。そのような曲に欠けることが一つの要因かもしれない。

もう一つは、結末の曖昧さ。《西部の娘》はジョンソンの処刑によりいかにも悲劇で終わりそうなストーリーが、二人は新天地へ旅立つというハッピー・エンドになってしまう。これが、もしジョンソンが処刑され、そこへ駆けつけたミニーが泣き崩れるというエンディングだったらどうだろう。観客には徹底した悲劇の方が受け入れやすいのではないだろうか。

《スティッフェリオ》にはアリアらしいものがない。その上、不貞をはたらいた妻は夫であるスティッフェリオから許されるが、この二人に幸せな日々は二度と来ないだろう。ヴェルディにしては、何とも後味が悪い終わり方なのだ。いっそのこと、妻が自分の過ちは許されないと自害し、スティッフェリオは自分が聖職者でありながら、妻を許せなかったという激しい後悔と自責の念に苛まされるという結末だったら…。

共に勝手な私の空想だが、観客は結構主人公の不幸を期待しているのではないだろうか。






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ロイヤル・オペラの《マクベス》 (最終日)

2002年からROHの音楽監督を務めているアントニオ・パッパーノのオペラ指揮者としての実力をまざまざと認識させられた公演であった。イタリア人の両親を持ちイギリスで生まれたパッパーノほど《マクベス》の指揮者として相応しい人はほかにいないのではないだろうか。

これほど繊細で緊張感を伴う美しいピアニッシモで奏でられた序曲に出合ったことはない。開幕早々に歌われる魔女たちのコーラスも同様であった。このピアニッシモは全曲を通じて各所に現れる。そして突如鳴り響く金管の咆哮。そのフォルティッシモとピアニッシモのバランスが絶妙なのだ。私にとっては、アバドの《マクベス》より、ムーティの《マクベス》より新鮮に聴こえた。楽団のコンサートマスター、ヴァスコ・ヴァシレフが「イタリア・オペラに関しては世界で3本の指に入ると思う」（NBSニュースVol.338、秋島百合子のインタビュー 2015）と語っているがまさにその通りである。《マクベス》はヴェルディの初期の、まだ粗削りな部分も垣間見られるオペラなのだが、この作品を「私のお気に入りの一つ」というパッパーノの手にかかるとその未熟さえカバーされてしまう。



マクベスを歌ったサイモン・キーンリーサイドは、この日ベスト・コンディションではなかったようだ。以前に聴いたジェルモンもポーザ候も素晴らしかったのに、この日は声に伸びがなく、時にオーケストラやコーラスにかき消されてしまっていた。演技にも精彩を欠いており、カーテンコールではほとんど笑顔が見られなかった。4年前のROHの公演で絶賛を浴びたマクベスを観たかったのだが…。4回の公演中21日だけのことだったのだろうか。



マクベスより強力なキャラクターであるマクベス夫人を歌ったリュドミラ・モナスティルスカは前評判どおりというよりそれ以上の出来であった。この役は、全曲中に4つのアリアがあり、下はロ音（五線の下のシの音）から上は3点変二音（五線の上に2本線を書き足した上の♭レの音）まで2オクターヴと3度の音域を歌いこなさなければならない。しかも2幕ではソプラノにとっては過酷な低音域が8小節も続き、4幕2場の最後のアリアでは最高音にfil di voce＝糸のようにか細い声でという指示がある。その上どの曲にもアジリタの技術が鏤められている。モナスティルスカはこれらの要求をほぼ完璧に歌いきっていた。



2012年《アイーダ》でMETにデビューしたときよりもソット・ヴォーチェに磨きがかかっている。豊かで強靭な声、高い技術、的確な表現力を兼ね備えている彼女は、2015年3月にはザルツブルグの《カヴァレリア・ルスティカーナ》でメゾ・ソプラノの役であるサントゥッツァを歌いカウフマンと共演し、2016年には《アイーダ》でのウィーン国立歌劇場デビューも決まっている。これで世界の主要歌劇場を制覇することになるモナスティルスカの快進撃は、とどまるところを知らない。





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内田光子の受賞

第27回高松宮殿下記念世界文化賞、音楽部門の受賞者は内田光子であった。この賞は文化芸術の分野でノーベル賞を補完しようとする目的で設立され、「絵画」「彫刻」「建築」「音楽」「演劇・映像」の5部門よりなる。内田は2011年の小澤征爾についで日本人として二人目の受賞者である（一昨年の受賞者はドミンゴ）。圧倒的に作曲家が多く（約半数）、クラシックのピアニストはアルゲリッチ、バレンボイム（指揮者？）、ブレンデル、ポリーニがすでに受賞している。この賞が全てではないのを承知で単純に考えると、世界で5本の指に入るピアニストとして評価されたことになる。

英国籍である内田にとって活動の本拠地はイギリスであるが、今年の11月10日サントリー・ホールでシューベルト「4つの即興曲　op.90 」とベートーヴェン 「ディアベッリの主題による33の変奏曲　op.120」によるリサイタルがある。当然のことながら完売だが…。

内田はやたらとレパートリーを広げず、一人の作曲家をとことん弾き込むタイプのピアニストだ。最初に取り組んだのはモーツァルトだった。そしてモーツァルトのスペシャリストとしての名声を勝ち得た。コンチェルトでは常にジェフリー・テイトとイギリス室内管弦楽団と共演し録音していたが、最近は弾き振りもしている。





次に取り組んだのがシューベルトである。ほとんどのピアノ曲をレコーディングしているが、なぜか「さすらい人幻想曲」はない。1997年に発売された即興曲のCDは衝撃的だった。op.90 ‐4はあたかも「冬の旅」の第1曲目を思わせる寂寥感に満たされている。休符の一つ一つに込められた身動きさえできなくなるほどの凄まじいまでの緊張感はなんだろう。3曲目のアンダンテでも先日聴いた小山実稚恵の演奏とは全く異質なものを感じる。理知的にアナライズされた中に激しい情感が込められ、強いて言うなら男性的な演奏なのだ。このCDは今でも時たま時々聴いている。



モーツァルト、シューベルトのほかに彼女がレパートリーとして取り組んできたのは、ベートーヴェン、シューマン、新ウィーン樂派（シェーンベルク、ベルク）、20世紀の作曲家（リゲティ、武満）などで、数十枚あるCDの中でショパン、ドゥビュッシーは各1枚ずつしかない。一般的に、ピアニストとして魅力を感じるであろうブラームス、ラフマニノフはCDで見る限り1枚もないし、ショパンやチャイコフスキーのコンチェルトもない。自分の心に深く浸透してくる作曲家のみと命懸けで向き合う、そんな潔さが感じられる。このようにストイックな内田が最近興味を持っているのはアンサンブルのようで、ボストリッジ（イギリスのテノール）やヨーヨー・マと共演したり、シューマンのピアノ五重奏曲を録音したりしている。



ピアニストというのは演奏家の中でもっとも孤独な存在だ。ほとんどの場合、一人きりで演奏する。練習時間も人によっては１日8時間とか10時間とかという人もいる。アルゲリッチもある時期からソロをしなくなった。とことん孤独に耐えたあとに行き着くのは、音楽による究極の対話と言えるアンサンブルの楽しみなのかもしれない。






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小山実稚恵の世界

横浜で友人と会うことになり時間がたっぷりあったので何かコンサートはないかと探してみた。するとみなとみらいホールで「小山実稚恵デビュー30周年記念ピアノ・リサイタル」が13:30からあるのを見つけ、チケットを申し込んだところ、わずか1週間前にも関わらずセンター15列目の席を確保することができた。プログラムはシューベルト、リスト、ショパンなど音楽関係でない友人にも聴きやすい曲で構成されていた。当日、入口は長蛇の列でご多分にもれず半数以上はシニアであった。
　

　
プログラムを見て疑問に思ったのは、シューベルトの即興曲の演奏順である。即興曲op.90とop.142 はそれぞれ4曲ずつのセットになっていて、普通はどちらか、または両方を番号順に演奏するのだが、小山はop.90-1、op.142-1、op.90-4、op.90-2とバラバラに組み替え、プログラム前半の最後にブゾーニ編曲によるバッハのシャコンヌを持ってきている。演奏を聴き始めてまもなく、ここには意図的に調性による音楽的な高揚感が込められているのではないかと感じた。

変ト長調（♭5）、ヘ短調（♭4）、変イ長調（♭4）、変ホ長調（♭3）、ニ短調（♭1）という順に並んでいる。フラットが減るということは属調へ、属調へと進んでいるということになる。この進み方は自ずと感情や音楽的緊張感の高まりをもたらすとされている。もしかしたらそんな意図が隠されていたのかもしれないと思いながら聴いていたのだが、この思いが私の中で確信に変わったのはシャコンヌであった。

オリジナルは無伴奏ヴァイオリンの曲である。ということはどんなに音を重ねたくても４つ以上は不可能なヴァイオリンという楽器で、バッハが深い精神性を追求した重厚な音楽であるシャコンヌを、ブゾーニはピアノの超絶技巧を盛り込み華麗で壮大な曲に仕上げた。小山のピアノからはピアノを超越したあたかもパイプオルガンのような荘重で豊醇な響きが溢れてきたのだ。小山はここまで読んでいたのではないだろうか。この演奏はこの日の白眉であったといってもよいだろう。


▲ 今回演奏した曲の動画が見つからないので、ショパンの「舟唄」を載せます。

後半は、リスト「愛の夢・第3番」「エステ荘の噴水」とショパン「ノクターンop.9-2」「英雄ポロネーズ」「アンダンテ・スピアナートと華麗なる大ポロネーズ」であった。なぜかこれらもほとんどが♭系の曲である。

今回のプログラムは、若手だったら怖くて並べられないような非常に知名度の高い曲ばかりだが、ここには彼女の強い思いがあるように感じた。これが小山実稚恵のスタイルですという、30年かけてき築き上げた集大成としての演奏なのだろう。細かい音の粒をあまり立てず、内声の分散和音の変化を色の推移として捉えているようで、繊細な印象派の絵画を見ているような趣きが伺われた。だが、ここぞというところでは、強靭なフォルティシモが繰り出され聴き手を圧倒する。30年間という年月を重ねて培われた彼女の自信に満ちた演奏であった。

アンコールにはグラナドスとアルベニスの小品3曲をサラっと弾いて、はにかむような笑顔を残しステージから去っていった。ロビーにはサイン会を待つ人々の列が続いていた。

小山実稚恵は、チャイコフスキー（1982年）、ショパン（1985年）二大コンクールの両方に入賞した日本人唯一のピアニストである。若い頃は吉田見知子氏に、大学以降は田村宏氏に師事し、留学経験は一切ない。それでいながら世界各地のコンクールの審査員を務めている彼女には大変失礼なのを承知で敢えて言わせていただくと、日本の音楽教育のレベルの高さを実証しているピアニストなのだ。まだ50代の小山の、大家への道を見守りたい。





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小曽根 真　－from Jazz up to Classic－

神戸にいた頃はよく見かけた小曽根真の名前を久しぶりに目にした。小曽根は1961年神戸に生まれ、小学生の頃からジャズ・ピアニストとして注目を浴びていた。1980年渡米してバークリー音楽大学を卒業したのち、日米で演奏・作曲の両面で活躍している。

2003年尾高忠明と共演したモーツァルトのピアノ協奏曲をきっかけにクラシックの世界にも手を広げている。彼の言葉によれば、尾高から札幌交響楽団のソリストに招かれ「ラプソディー・イン・ブルー」だと思って引き受けたら「モーツァルトのピアノ協奏曲」だったということがきっかけになり、改めて本気でクラシックの勉強を始めたそうだ。

2014年ニューヨーク・フィル、指揮アラン・ギルバートと「ラプソディー・イン・ブルー」で共演し、NYフィルと共演した日本人初のジャズ・ピアニストとしてテレビで取り上げられていた。この曲は小澤征爾もベルリン・フィルのヴァルトビューネでマーカス・ロバーツ・トリオと共演しているようにクラシックのオーケストラがジャズ・ピアニストをソリストに迎えることが多い曲である。

1976年バーンスタインがNYフィルで弾き振りをしたときの演奏が強く印象に残っているので、聴き比べてみた。何とバーンスタインの方がはるかに熱い演奏をしているのだ。



小曽根の演奏は繊細でリリックな、どちらかというと激しい情熱に裏づけられたというより、知的にコントロールされた演奏という印象で、途中2か所に長いアドリブが挿入されていたが、軽くスウィングしながらスタッカート気味のタッチを多用し、印象的な間の取り方に東洋的なものさえ感じた。バーンスタインは文字通りの熱演であったが、小曽根はガーシュインの世界に遊んでいるような小気味よい演奏だった。



テレビでは、同じく2014年、小曽根が自身編曲したモーツァルトのピアノ協奏曲No.9「ジュノム」でのスコティッシュ・ナショナル・ジャズオーケストラとの共演も取り上げていた。
この曲では、彼はモーツァルトをジャズ風にアレンジするというより、むしろモーツァルトの原曲にはほとんど手を入れず、モーツァルトの曲の間に自分の世界を挟み込むような取り扱い方をしており、一つの曲の中で、小曽根がモーツァルトと共存しようと試みているかのように感じられた。



彼がこの曲で一番惹かれると語っていた、サックスのソロを含む第2楽章では、彼が感じたというモーツァルトの「父レオポルドとの確執による笑顔の裏に隠された慟哭」が、静謐な音の中に美しく鳴り響いていた。

クラシックからジャズに転向するピアニストの例は多い。ジャズの世界からクラシックの世界へも足を踏み入れ、共に成功している例は少ないように思うが、彼はその一人だ。


小曽根 真がエドウィン・アウトウォーター指揮・東京都交響楽団とプロコフィエフのピアノ協奏曲第３番で共演します。
10月24日：東京文化会館（17:00開演）
10月25日：オリンパスホール八王子（15:00開演）






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