「ｓｃｈｏｌａ坂本龍一音楽の学校」。
今回は第二次世界大戦後に生まれた西洋音楽を取り上げます。
ヨーロッパが戦場となりそれまでの世界が崩壊する事になった第二次世界大戦。
戦後ヨーロッパとアメリカでは新世代の作曲家により音楽の新たな可能性を模索する動きが生まれます。
音楽そのものの概念が大きく変化したこの時代。
ヨーロッパとアメリカで生まれた２つの潮流を見ていきましょう。
２０世紀の音楽ですけども今回は第二次世界大戦後の発達といいますかねそれを見ていきたいと思うんですけども。
音楽技法的に言うと戦前の大きな流れだった十二音技法というのがより精緻にシステム化されましてセリエル技法トータル・セリエルなんていう言い方されますけどもそこに向かっていく訳です。
（浅田）そう意味ではピエール・ブーレーズという人がとても象徴的で。
…というのは１９２５年の生まれだから１９４５年戦争が終わった年は二十歳になる。
これは三島由紀夫とかそういう世代で二十歳で終戦敗戦っていうのはすごいですよ。
全て壊滅してると同時に全く新しいタブラ・ラーサというかな要するに白紙のものが今目の前に広がってると。
いわゆる全面的音列音楽というのを作り出す。
どういう技法なのかフランスの作曲家ブーレーズによる総音列技法を代表する曲を例にとってみましょう。
最初に音列を見てみましょう。
音列とは１オクターブに含まれる１２の音を重複する事なく１回ずつ使って並べたものです。
続いて音の上がり方下がり方はそのままにそれぞれの音を先頭にした新たな音列を作ります。
続いて最初の音列のそれぞれの音に１２の数字を割りふります。
するとそのほかの音列の音の高さは次のように置き換えられます。
出来上がった１２の音列を表にまとめるとこのようになります。
更に反行形と呼ばれる鏡映しの音列を設定し同じ手順を踏む事で２つの表が出来上がります。
この２つの表が総音列技法の作曲の基になるのです。
ブーレーズがこの表で決めたのは４つの要素。
音の高さだけではなく長さ強弱アタックの種類も音列と同じように順番に並べ１から１２の数字を割りふりました。
続いてそれぞれの要素を使う順番を２つの表から選び出します。
こうする事で作品の骨組みが形づくられる仕組みなのです。
ある種シェーンベルクヴェーベルンを引き継いで単純に坂本さんが前回言われたような音の高さのシリーズだけではなくてむしろ音色のつながり方とか強弱とかリズム長い音符小さい音符のつながり方とかを全部セリーあるいはシリーズとして考える。
もう数学の塊みたいなものを作っちゃうというね。
しかもそれを演奏するのは非常に困難という事でドイツのシュトックハウゼンなんかは機械に演奏させてしまおうという事で電子音楽が誕生してくるというような流れですね。
一つねブーレーズとかシュトックハウゼンの創作を特徴づけるものとして音楽を限りなく科学に近づけたいという衝動ってあると思うんですよね。
分析性とか実験性とかね。
ほとんど取りつかれてるような感じがするんですよ。
操作性って事ですね。
そうですね。
その操作性科学性分析性こういうもの。
つまりひと言で言えば音楽というのは娯楽じゃないって話ですよね。
こういうちょっとクレージーな情熱っていうのがどこから来てるのかなと思うんだけど恐らくそれは終戦の時に２０歳だったっていうこの特殊な世代っていうのは無関係じゃないはずで。
つまり第二次世界大戦における科学の限りない暴走。
科学の戦争だったんですよね。
科学戦争を目にし…。
科学技術の戦争でした。
原爆がありそれで終わってから今度は核実験が頻々と行われる。
恐らくブーレーズの頭の中なんかには音楽も科学と何らかの形で対決しない限り芸術として存続は危ういという意識があったんじゃないかなっていう気がするんですけどね。
それとナチスドイツというかファシズムというかよく言われる事ですけどそうしたものが持っているある情念的なっていうかなそれに対してのアンチテーゼそういう情念とかロマン主義的なところから離れてもっと知的にっていうかな頭でものを考えるっていうそういう音楽の作り方というのもあったんですよね。
音楽を科学に近づけようとしたヨーロッパ。
一方アメリカではジョン・ケージが全く別のアプローチで情緒的要素を取り除く実験的な音楽を生み出します。
そのジョン・ケージですけども西海岸の生まれでなんと西海岸に亡命していたシェーンベルクの門をたたくと。
その意味ではドイツオーストリア音楽の一番中核的な伝統を２０世紀化したものを受け取ると同時にしかし日本の鈴木大拙なんかをと通じて禅とかねつまりあるがままの自然をそのままレットイットビーで置いておけっていうふうな思想を受け取るとかいう事で。
多分シェーンベルクの門をたたいて何度かレッスンしていてここにはこの先にはその音楽の可能性があまりないなという事をもしかしたら感じ取って彼独自のチャンスオペレーションとか「易の音楽」とかあと東洋思想の影響もあってそういうものが来ると。
これがまたヨーロッパ人にはビックリで驚がくな驚き脅威でもあったと思うんですよね。
１９５１年に発表した「易の音楽」。
ケージが作曲に使ったのは３枚のコインです。
古代中国の占いの方法に倣い音の高さ長さ強弱リズムなどをコインを投げて決めました。
こうした手法は偶然性の音楽と呼ばれその後の作曲家に大きな影響を与えました。
更に翌年ケージは全く新しい音楽の概念を提示します。
それが「４分３３秒」。
楽譜は３楽章に分かれていますが楽章にわたり休止の指示がされています。
聴衆を前にした演奏家はストップウオッチで４分３３秒を計測するもののその間楽器の演奏は行いません。
「４分３３秒」っていうのは２７３か…。
結局絶対零度の数字ではある訳ですよね。
だから音がない絶対零度の空間にしかし観衆がザワザワしたり外からちょっと鳥の声があるいは車の音がしたりというそういうサウンドのイベントが…。
借景の音楽とも。
（浅田）借景ですね。
音の借景が私の音楽だっていう感じで。
もう一つ絶対忘れてはいけないのはヨーロッパの人間にとっての音楽というのは極めて人工的なものなんですよね。
彼らにとってはセミの音とか鈴虫というのはあれもノイズの一種であるのに対してそれに対してケージの音楽っていうのは2014/04/03(木) 00:00〜00:30
ＮＨＫＥテレ１大阪
スコラ　坂本龍一　音楽の学校[終]　シーズン４「“２０世紀の音楽”編」（３）[字][再]

２０世紀の音楽編３回目は、世界が大きく様変わりした第二次世界大戦後にヨーロッパとアメリカで生まれた新たな西洋音楽を紹介する。

詳細情報
番組内容
講義